Vidrio en el Arte Bizantino


Obras de arte Bizantinas en vidrio.

En efecto, en Bizancio se produjeron unos vidrios coloreados adornados con una decoración donde la pintura con oro y esmaltes policromados se utilizan para dibujar follajes decorados con animales o personajes dentro de medallones. El vidrio ofrece la posibilidad de crear no solo hermosos mosaico de cristal sino que  también  se aplica a las vidrierías de ventanas  consiguiendo atraer la atención del espectador  sobre los personajes y narraciones representadas en ellas  gracias a la luz proveniente del exterior. 

En Constantinopla han sido encontrados fragmentos de vidrieras pintadas historiadas y de vidrieras coloreadas asociadas a numerosos plomos de engastes que ilustran muy bien el arte de la vidriería bizantina en el principio del siglo XII.

El vidrio en el arte Bizantino se utilizó también para hacer vasijas  de vidrio para diversos usos como contener perfumes, jarras para mantener líquidos; lámparas, vasijas para beber. Los amuletos de vidrio moldeado, las pulseras de vidrio hilado, las perlas en pasta de vidrio, las pequeñas joyas y los falsos camafeos constituían también parte de las producciones sobre todo en la región mediterránea aunque no se descarta que se realizaran también en Constantinopla.

Obras de arte Bizantinas en Vidrio

Experimentando con diferentes sustancias  los artesanos sopladores de vidrio consiguen tonalidades interesantes de color. Recipientes de vidrio desde verde claro, transparentes, así como otras tonalidades como carmelitas hasta rojos y purpuras según las mezclas que se utilizaran para su producción se han encontrado procedentes de diferentes regiones del imperio Bizantino. El vidrio se componía básicamente de sosa, de cal y de sílice, coloreados con óxidos de hierro, de cobre y de manganeso. Sustancias como cal, fragmentos de cuarzo, virutas de cobre y escorias de hierro eran también agregadas para obtener las diferentes tonalidades. Jarras y copas para beber destacan en las producciones de Corintia de la época Bizantina.

Bizantine glass lamps

A partir de mediados del periodo Bizantino los edificios tenían menos aberturas no teniendo suficiente entrada de luz natural y esta deficiencia lumínica fue reemplazada por las velas y lámparas de aceite. Estas hermosas lámparas de vidrio y metal así como los candelabros estaban ubicados estratégicamente en las zonas donde la luz natural escaseaba. La posición y lugares donde se ubicaban estaban especificados por reglamentos eclesiásticos para asegurar que el efecto de misticismo posibilitara efectiva sensación de acercamiento a dios.

vidrio  Bizantino uso practico

En las iglesias y catedrales Bizantinas las patenas, los cálices y las luminarias de santuario ya no se diferenciaban de los demás jarrones por el empleo de símbolos cristianos como se hacía en la época paleocristiana. No parece ser que fuera caro decorar con vidrio en este periodo ya que los materiales para elaborar las piezas se obtenían en regiones no lejanas, lo que encarecía su adquisición hasta cierto punto era el proceso de elaboración del mismo que tomaba tiempo y personal adiestrado.

No obstante se han encontrado hermosos trabajos realizados en vidrio del periodo bizantino en iglesias pequeñas o de no mucha importancia política lo que ayuda a pensar que los trabajos en vidrio no eran muy caros o inasequibles como se había pensado al no encontrarse suficientes procedentes de este largo periodo, mas bien su carencia se debe a que muchas hermosas obras se destruyeron durante la debacle iconoclasta.  Durante el periodo de dominación árabe se destruyeron deliberadamente objetos en cristal alegóricos a la religión católica, ademas del deterioro natural del tiempo por supuesto. Aunque no se descarta que fueran reciclados para crear nuevos objetos en periodo posteriores.

Byzantine beaker V-VI C.A.D

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Pintura Asiria


Pinturas adosadas a paredes en arte Asirio

Pintura Asiria.

No han sobrevivido muchos ejemplos de la pintura asiria, aunque por las crónicas históricas en sus tabletas de arcilla se sabe sobre magníficas decoraciones en las paredes, utilizando vibrantes colores mostrando escenas de batallas y del diario vivir del pueblo y la corte. Entre los ejemplos que aun existen están las pinturas del palacio Til- Barsib, en una antigua región Asiria, que nos dan una idea de como estas servían como medio de propaganda del rey, la aristocracia y los dioses. Se mezclan en ellas tanto motivos geométricos como figurativos y prácticamente toda la superficie de la pared estaba decorada.

Los asirios representan temas de su vida diaria, del aquí y ahora, no como los egipcios que se concentran en representar el camino a la resurrección y el mas allá. Los temas de la pintura asiria poseen para ellos gran actualidad, son como crónicas de hechos reales, pero testimonios para nosotros de historias que conocemos hoy gracias a estas representaciones artísticas.

La superficie de la pared de los palacios previamente tratada con estuco lucia escenas con varios personajes, como también figuras aisladas, a veces se colocaban dos figuras con efecto de espejo una frente a otra mayormente representando seres protectores cuya apariencia no era totalmente humana. Algunas mostraban gigantes soldados alados con peculiares rostros y cabezas de animales cuya postura vigilante y tensa refuerza la idea de que pudieran ser figuras de los que ellos llamaban dioses protectores. Estas, las figuras mas grandes se colocaban sobre todo en el exterior, cerca de las entradas o adyacentes a esculturas aladas de genios protectores.

Algunas esculturas de pequeño y mediano tamaño tenían pintura, pero en ciertas partes de ellas como resaltando elementos y estaban decoradas con buen gusto y detalles. Se utilizaron colores brillantes tanto en esculturas, relieves y pinturas, mayormente azul, negro y rojo aunque a veces combinados con tonos tierra, como el artista lo considero necesario, sobre todo aquellos colores que en las paredes resaltaran sobre el blanco del estuco. En cuanto al esquema cromático de la pintura asiria queda aun mucho por estudiar, lo que se sabe es por remanentes de pigmentos sobre relieves y algunas esculturas en no muy buen estado de conservación, algunas de las cuales se han podido detectar gracias a modernas técnicas.

Pintura Asiria en pared del palacio Til - Basib

Es de señalar también que los asirios, como mencionamos en otro articulo utilizaron la decoración con el método del ladrillo vitrificado, que dotaba las paredes de un azul único, resplandeciente y duradero. Esta técnica, que adoptaron de los babilonios para decorar el exterior de los muros de sus construcciones y que lograron producir en gran escala, se perdió para la posteridad desafortunadamente.

Estos pigmentos se colocan cuidadosamente utilizando pinturas obtenidas a partir de materiales de la naturaleza como semillas machacadas, sumo de plantas y polvos de metales, (como el oro y la plata ocasionalmente también para enfatizar detalles) así como adhesivos obtenidos de grasas de animales.

Pintura Asiria del Palacio Til- Barbil

Pintura Asiria del Palacio Til- Barsib

Ellos decoraron con pintura sus armas como por ejemplo: escudos, carros militares, lanzas. En ellos utilizaron motivos vegetales, elementos geométricos, aunque también estuvieron representadas imágenes figurativas como estrellas, leones y soldados.

Los Asirios heredan de los Hititas elementos de orden estilista y temático, los que supieron aprovechar los primeros muy bien, tanto en pintura, como en escultura y relieves, por lo que se aprecia dinamismo en las figuras de  soldados en batalla, se representa el dolor de los heridos en combate, las contorsiones de leones heridos, la fiereza y determinación en la batalla o la seriedad, prestancia y solemnidad de las figuras que representan a los dioses, al rey y sacerdotes religiosos.

Si nos  imaginamos estos relieves con pintura y recién terminados nos podemos dar cuenta del impacto visual de los mismos en los espectadores, esas escenas cruentas de cacería de leones en la que los mismos se representan con el mayor detalle posible y representando una carga dramática espectacular, resultan hoy un deleite visual aun sin los restos de pintura que tuvieron en su gloria. Observen este video donde se puede apreciar en la colección del Museo británico la belleza de los mismos aun sin la pintura.

Es de señalar también la importancia que dieron al representar con frecuencia el tema del árbol de la vida, el cual al parecer fue de suma importancia para ellos y estaba ligado estrechamente al culto de los dioses y el origen de la vida. Este tema aparece también en toda Mesopotamia, Egipto así como en Fenicia y otras culturas importantes de la antigüedad.

Las figuras se representan siempre estando de lado, tanto el cuerpo como la cabeza, aunque en ocasiones se representa la cabeza torcida a un lado o hacia atrás, cuando se representan los cuerpos cayendo en batalla por ejemplo.

Relieve Asirio con detalle de elementos vegetales de la region.

Relieve Asirio con detalle de elementos vegetales de la región.

Las lineas, como en el caso de los animales y plantas, definen cuidadosamente  el contorno de las figuras, las que tienen un acabado de sombreado en negro que intenta dar corporeidad tridimensional tanto a los animales, figuras humanas o motivos vegetales. En los motivos vegetales obtienen verdadera maestría y fidelidad al original lo que ha permitido por las pocas muestras físicas de pinturas encontradas y la representación de relieves, tener una idea de como eran las plantas autóctonas de la región en esa época.

Pintura asiria representando animales

Pintura asiria representando animales

Se puede observar que hay cuidado en el trazado de las lineas que representan objetos tales como cuerdas, flechas, arcos, lanzas y en el dibujo de carruajes de guerra y atuendo de guerreros por lo que estas pinturas indudablemente son como mencionamos antes, una crónica importante de su cultura, su estilo artístico, su idiosincrasia. No podemos olvidar que este pueblo, que poseía numerosos talentos, fue el producto de  sus circunstancias históricas en los albores de la civilización humana y no obstante a enfrentar numerosas adversidades  en la lucha por la supervivencia, sobresalen por la calidad artística de sus obras.

La pintura Asiria tiene puntos comunes en el estilo de representación de las figuras y los temas que se tratan con otras culturas de la región y esta tendencia, sumado a sus escritos en tabletas de arcilla, nos ayuda hoy a conformarnos una idea de lo estrechamente vinculado que esas civilizaciones estaban entre si, tanto desde el punto de vista del arte como de conocimientos generales.

Los Inicios de la Historia del arte.


Es la Historia del Arte una ciencia?

La Historia del Arte clasifica la información acerca del trabajo artístico de los hombres y sistematiza estos conocimientos organizándolos según los periodos históricos, regiones geográficas, aspectos sociales, técnicas artísticas y estilos así es que si tenemos en cuenta que se considera ciencia a un sistema organizado de conocimientos y los métodos requeridos para la obtención de los mismos entonces si podemos decir que la Historia del Arte es una ciencia aunque esta depende enormemente de otras disciplinas para conformar este sistema de clasificación y conservación de las obras que conforman el patrimonio artístico de las naciones.

La historia del Arte se ubica dentro de las ciencias sociales que son las que centran su estudio en la actividad del hombre como parte de un colectivo humano civilizado. El objeto de estas ciencias es conocer las causas y las consecuencias de los comportamientos humanos tanto desde una perspectiva individual como social y el resultado que emana de estos comportamientos en cuyo caso especifico de la historia del arte son los objetos artísticos dejados por el hombre en todo el amplio rango y diversidad en el que se agrupan y clasifican los mismos.

¿Cuando comenzó el estudio de la Historia del Arte?

La historia del arte comenzó como disciplina académica al final del siglo XVIII con la creación de los primeros museos obteniendo un gran impulso en Europa al finalizar el siglo XIX con estudios serios hechos por autores cuyo trabajo pavimento el camino para los especialistas en arte del siglo XX pero el estudio de la historia del arte tiene precedentes que datan de la antigüedad.

Giorgio Vasari

Empíricamente y a lo largo de la historia ha habido diversas personas como filósofos, artistas, historiadores, figuras religiosas e inclusive Reyes y emperadores que han escrito sobre lo que observan en su entorno en relación al desarrollo del arte y la apreciación de las obras que la humanidad ha realizado. Ellos trataron de organizar de cierta forma una clasificación al mismo tiempo que diligentemente trataron de salvaguardar estas obras de arte. Un ejemplo lo tenemos en el escritor, arquitecto y pintor italiano Giorgio Vasari en la época del renacimiento y otros que contribuyeron a salvaguardar el patrimonio artístico y la valiosa información del contexto histórico en el que los artistas crearon sus obras.

Mecenas duque Juan I de Berry

También hay que mencionar que si aún existen muchas de estas obras es gracias al esfuerzo de individuos cuyas colecciones preservaron por amor al arte pero también porque vislumbraron el valor monetario como inversión económica. Los mecenas contribuyeron a crear financieramente las obras de arte sosteniendo económicamente a los artistas pero al mismo tiempo contribuyeron a que sus obras se preservaran en buenas condiciones físicas y aun en muchos casos con la información necesaria acerca de estas obras.

Hay muchísimos ejemplos de estos mecenas de las artes, pero mencionare algunos como por ejemplo Jean I de Berry en Francia gracias al cual hoy podemos disfrutar de codiciados manuscritos de la época, los cuales después de su muerte se conservaron en las colecciones del Príncipe de Orleans; amante del arte y coleccionista el mismo, en su palacio Chantilly, hoy museo, donde se conservan aproximadamente 800 pinturas, 2500 grabados y 3000 libros y manuscritos.

Museo Conde de Chantilly

Hay otro importante mecenas el emperador Qianlong en China que fue un gran coleccionista y adquirió el mismo gran parte de las “Grandes colecciones” de China por cualquier medio necesario, reintegrando estos tesoros en la colección imperial a la que prodigaba sus esfuerzos y atención como curador, recopilando cuidadosamente pinturas raras y antigüedades, utilizo un equipo de asesores culturales que lo ayudaban. A veces, Qianlong presionó o incluso obligo a ricos cortesanos a darle objetos de arte de valor señalando fallas en su trabajo, las que podrían ser disculpadas si hicieran un cierto “regalo”, o persuadiendo a los orgullosos propietarios de esas piezas que sólo las paredes de la “ciudad prohibida” y sus guardianes ofrecerían la seguridad y protección contra robo o incendio. Estas tácticas no son exclusivas de Qianlong puesto que muchos reyes y personalidades adineradas a lo largo de la historia de la humanidad acumularon gran cantidad de obras de arte comprándolas o por otros métodos no tan claros o legítimos.

Emperador Qianlong

Las catedrales y las iglesias como los dueños de muchas obras de arte importantes habían logrado mantenerlos de ser saqueados o destruidos, tanto como les fue posible gracias a lo cual hoy se pueden aun apreciar importantes manuscritos y parafernalia eclesiástica que datan de los periodos Bizantinos, Románico, Gótico y Renacentista. Otros cultos religiosos como el budismo han logrado preservar las importantes obras de arte a pesar de las guerras, invasión y enjuiciamiento de sus creencias religiosas, como lo hicieron con la asombrosa colección que monjes budistas guardaron escondida en el desierto de Gobi y se descubrió luego de un milenio en el anonimato.

Sin embargo cabe señalar que la historia del arte no consiguió tener la misma relevancia, desde el punto de vista geográfico o social en todos los países al unísono desde su formación, principalmente debido a razones sociales, históricas y políticas. El apogeo del estudio de la Historia del Arte comenzó en Europa y luego en los últimos 60 años también en Estados Unidos, no siendo hasta mediados del siglo XX que este interés en el estudio del arte se extensión a América Latina.

Otras regiones como Asia, África y Australia relativamente reciente en términos históricos se han incorporado también al estudio y desarrollo del arte en sus regiones con el respaldo de instituciones como la UNESCO. Estas naciones que están aun en los albores en su empeño por implementar la historia del arte como guía científica están acometiendo esta tarea basado en la compilación de la valiosa información que se ha venido reuniendo y desarrollando en las naciones que primariamente promocionaron esta importante tarea de clasificación. Basado en la documentación científica de la historia del arte se orienta eficazmente este trabajo pero también basado en los propios objetos de arte que han quedado para la posteridad.

El cumulo de conocimientos que se especifican en estas clasificaciones del arte por periodos históricos, tendencias y estilos artísticos así como las técnicas en que se elaboran las mismas no constituyen por el hecho de ser académicas una promulgación de clasificaciones asentadas y concluidas ya que constantemente gracias a los estudios multidisciplinarios y las modernas técnicas científicas son objeto constante de cambio, ajustes, re-especificaciones y adiciones.

La era de la tecnología digital ha ayudado a llevar estos conocimientos a todas las naciones y las grandes masas creando nuevas categorías en estos estudios como el papel de la mujer en el arte, el arte vernáculo y otras tantas las que seguirán incorporándose según se considere necesario. Desde su creación los museos y galerías de arte que heredaron estas colecciones de una forma u otra desarrollan una labor que ha sido de invaluable ayuda para el estudio, clasificación y conservación del arte en toda la extensión y rango que este conlleva.

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