Barroco. Pintura Italiana. El Clasicismo.


Annibale_Carracci_

‎Paisaje con la huida a Egipto‎. 1604. Annibale Carracci.

 

A principios del siglo XVII se desarrolla El Clasicismo en Bolonia; que es la capital y ciudad mas grande del Norte de la región Emilia Romana en Italia y resulto ser una corriente en pintura que se aleja del Manierismo, en busca de expresar la belleza ideal edulcorada y perfecta, en las que se enfatiza el balance, lo ecuánime y equilibrado en las escenas de las pinturas, con intención de representar una dignidad expresiva; emocional pero ecuánime y racional en la pintura, mirando más a un pasado clásico de la antigüedad en la que encuentran un legado afín a sus propósitos.

Los principios de esta corriente pictórica se contraponen al naturalismo de Caravaggio y sus seguidores de la corriente naturalista. Un grupo de pintores boloñeses entre los que se encuentran como máximos representantes:

-Guido Reni.

los hermanos: – Agostino Carracci.
– Annibale Carracci.

El primo de ambos – Ludovico Carracci.

 

Ludovico_Carracci_-_Annunciation de la Virgen.

Ludovico Carracci. Anunciación de la Virgen.

 

Intentaron recuperar la serenidad de espíritu del mundo grecorromano, adicionando la presencia de hermosos paisajes, tranquilos y armoniosos donde no faltan las representaciones de las ruinas antiguas, en alegoría a su homenaje y emulación de los principios de proporción, balance y equilibrio de la antigüedad clásica.

 

Características generales de la corriente clásica.

  • Esta corriente rechaza las formas idealizadas en exceso, pero también la representación de la realidad inmediata, con sus imperfecciones agrestes y crudas.
  • Pintan las cosas no como son, sino como deberían ser, buscando la belleza ideal de forma meditada y razonada.
  • La iluminación que utilizan es uniforme.
  •  También los colores son suaves cuidando el dibujo sobre la mancha. Su dibujo es firme, con líneas y contornos muy definidos.
  • Los pintores neoclásicos fueron influidos grandemente por los maestros del siglo XVI como Rafael y Miguel Ángel lo que se observa en la composición de las escenas y paleta utilizada.
  • Representan paisajes equilibrados, serenos a veces con ruinas romanas .
  • En estos cuadros de paisaje, aunque hay figuras humanas, lo que domina es la representación de la naturaleza muy cuidadosamente dibujada, pero idealizada.
  • El hombre no es el tema principal de representación en estas pinturas.
  • Algunos autores se especializan en pinturas al fresco en techos y bóvedas como sucede con Annibale Carracci en la Galería del Palacio Farnesio.

 

ANNIBALE CARRACCI (Bolonia, 1560-Roma, 1609)

El clasicismo apunta a recuperar el espíritu de la pintura del siglo XVI, acogiendo una alternativa que se aleja del Manierismo del siglo anterior. Las obras fundamentales de Annibale Carracci serán la pintura al fresco y también el paisaje.

Sus obras son equilibradas e influirán en otros paisajistas especialmente en los franceses. Sus pinturas reflejan la clásica proporción de las formas, serenidad, equilibrio, belleza ideal en las composiciones, en el uso del color, en el detalle de la anatomía que se representa.

El clasicismo se declara continuador de los ideales del Renacimiento siendo sus pinturas influenciadas por los grandes maestros del siglo anterior como Rafael y Miguel Ángel, poniendo atención a la representación de las formas duras y solidas. No obstante, Annibale le aporta el sentimiento teatral propio del barroco lo que se aprecia cuando trata los temas religiosos o mitológicos en los que se expresa con serenidad pero con grandiosidad al mismo tiempo.

 

La opcion de Hercules. Annibale-carracci

Annibale Carracci. “La Opción de Hercules”. 1596.

 

(más…)

Barroco. Pintura Italiana. El naturalismo.


 

“San Juan Bautista. Caravaggio.

 

 

Barroco. Pintura Italiana.

El naturalismo.

 

La pintura Italiana en el barroco pone gran atención a los efectos de la luz y el color para destacar los personajes en las escenas así como el mensaje de las mismas. Utilizan fondos oscuros para resaltar mediante los efectos de luz enfocada, los elementos que querían destacar. A diferencia de la pintura renacentista que se preocupan mucho por la geometría y el balance en la composición de las escenas, el naturalismo barroco sin embargo utiliza composiciones en escorzo.

Escorzo: (termino utilizado en pintura y fotografía para indicar un cuerpo o elemento en posición oblicua o perpendicular al nivel visual del espectador, para acentuar la profundidad dando la impresión de que esta en tercera dimension. Cuando se utiliza el escorzo no deben quedar parte de los elementos ocultos asi como utilizar cortes que impidan la sensación de continuidad, acentuando la profundidad.
Se desarrollan dos tendencias principales en la pintura barroca en Italia que son en esencia contrapuestas una a la otra. El Naturalismo y el Clasicismo. De ambas deriva una corriente o estilo llamado Barroco Decorativo, que es el último gran estilo pictórico italiano que trae consigo la superación del naturalismo y el clasicismo, los pintores de esta corriente favorecen la ejecución de una pintura más abigarrada, fuertemente decorativa, así como dinámica y voluptuosa.

 

Tendencias pictóricas Barrocas de la pintura Italiana.

  • El Naturalismo, basado en la imitación perfecta y cruda de la realidad natural. De esta tendencia destaca un aspecto, el llamado ¨Tenebrismo¨ con cierto gusto por el claroscuro. No esta exento de cierto intelectualismo y algunos velados mensajes, aunque es mas asequible que las propuestas del clasicismo. Utilizan una descripción cruda de la realidad sin artificios edulcorantes e idealizados.
  • El clasicismo, que aunque desarrolla también un realismo detallado en su ejecución, muestra la naturaleza no como es sino como debería ser, tiende a idealizar, edulcorando las figuras y escenas, así como a intelectualizar el mensaje. Inspirados en el arte grecorromano y renacentista devotos a la belleza ideal. (abordaremos el clasicismo en un articulo separado).
  • El Barroco decorativo, Se especializa en amplias decoraciones de bóvedas y muros, con un sentido triunfal y grandioso. Mediante forzado escorzo y enfoque pictórico e ilusorio espacial en las escenas; estos artistas con buen conocimientos de óptica, perspectivas y arquitectura, desarrollaban temas religiosos que pretenden dar la sensación en el espectador de visión de profundidad en tercera dimensión sobre bóvedas y cúpulas. El espacio en sus obras está concebido para ser visto desde abajo hacia arriba, lo cual genera una sensación de espacios irreales. (Esta tendencia Barroco Decorativa se abordara por separado en otro articulo).

 

El Naturalismo en el Arte Barroco.

 

La pintura con tendencia naturalista pone al movimiento como protagonista para acentuar el drama y la emoción, (uso de la línea abierta). En cuanto al uso del color, este predomina sobre el dibujo y sobre la línea siendo un elemento fundamental. En el tratamiento del color existe una evolución sin embargo: Al principio se representan masas homogéneas y compactas. Más adelante se utilizan pinceladas más sueltas y la técnica de la veladura. El color es utilizado aquí para acentuar personajes y elementos.

El naturalismo barroco utiliza la profundidad continua. En forma muy natural y realista: las figuras se funden con el ambiente. Uso de composiciones asimétricas, sin orden, los pintores naturalistas prefieren la línea diagonal. En cuanto a los temas utilizados se encuentran los temas religiosos, especialmente místicos (visiones, milagros, etc.) y martirios de santos. En ellas suelen aparecer elementos que realzan el dramatismo sagrado como nubes, ángeles, fuertes fuentes de luz, etc. Los Pasajes mitológicos son tambien muy representados. Aparecen frecuentes desnudos, brindando un homenaje a la figura humana, representándola tal como es no con edulcoraciones, perfecciones o correcciones.

Los paisajes que se representan pueden ser urbanos o rurales. Los Bodegones o naturalezas muertas son tan naturales y detallistas que parecen que pueden ser tocados, percibidos con nuestros sentidos. En los retratos, se capta no sólo el aspecto físico del retratado sino tambien su aspecto psicológico y su estrato social. Otros temas usualmente tratados en el naturalismo barroco son los temas de género o de costumbre, donde se representan escenas de la vida cotidiana así como sucesos históricos, el tratamiento de estos temas trasciende su influencia hacia otros países inclusive las colonias en América.

El Naturalismo en Italia.

El naturalismo en Italia tuvo su máximo exponente en el artista: Michelangelo Merisi da Caravaggio, (1571) – (1610), importante y prolífico pintor que sintetiza en sus obras con increíble realismo crudo y vulgar la descripción de la realidad con una visión no exenta de conceptualización temática o reflexión intelectual, pero cuyos mensajes resultan muy fáciles de captar por el espectador. Caravaggio creó una nueva forma de naturalismo, combinando figuras cerradas con la observación física, dramática y teatral de los objetos.

Fue Caravaggio el introductor del tenebrismo, donde los personajes gracias al tratamiento de la luz destacan sobre un fondo oscuro, dando a sus obras sensación de teatralidad la que realza el dramatismo y la emoción, al resaltar los objetos, los gestos y actitudes de los personajes con el uso genial del color, que da la sensación que es luz. Este pintor esta considerado como el iniciador de la pintura propiamente del Periodo Barroco.

Caravaggio se dedicó a enfatizar el realismo en la ejecución de sus figuras, al punto de rechazar corregir las imperfecciones de sus modelos; para los que utilizo reales personajes del vulgo, el no quería representarlos de un modo más acorde a las visiones que la Iglesia tiene de sus santos como bellos, idealizados y perfectos. Esto le trajo de un conflicto con sus clientes del clero. Pinta preferentemente bodegones, temas mitológicos y con mayor abundancia temas religiosos.

El aplica detallismo en el tratamiento de los elementos cotidianos. Le da tanta importancia a dibujar los objetos como a las personas. Algunos cuentan que le dedicaba el mismo tiempo a pintar una flor que un personaje. Fue el primero en abandonar la realización de un arte conceptual, súper intelectualizado y aristocrático como era el Manierismo; el cual solo podía ser entendido por las clases altas, en favor de hacer una pintura más comprensible para las clases populares.

Sus personajes parecen que se mueven dentro de la obra, que cobran vida, así como los elementos naturales como plantas y flores.

Entre las obras de Caravaggio destacan:

• Niño con un cesto de frutas,(1593),
• Judit  cortando la cabeza a Holofernes 1598-1599.

Judit cortando la cabeza a Holofernes. Caravaggio. 1598-1599.

• Crucifixión de San Pedro (1601).
• Los discípulos de Emaús (1601).
• San Juan bautista.(1602),
• La vocación de San Mateo (1602).
• El Entierro de Cristo (1604).
• La decapitación de San Juan Bautista, (1608).
• El Baco.(1596).
• Los Músicos (1595)
• El Niño tocando el Laúd (1600).
• San Gerónimo escribiendo. ( 1605)

 

San Geronimo escribiendo. Caravaggio-1605.

 

La obra de Caravaggio influencio no solo a sus pintores contemporáneos, sino que sentó pautas en el tratamiento de las figuras con un realismo detallado pero natural, el uso del color y su famoso uso del claro oscuro lo destaca como un maestro de maestros también para futuras generaciones de pintores. Entre los pintores influenciados por Caravaggio que siguieron su tendencia llamada Caravaggismo tenemos a:

Orazio Gentileschi (1563-1639) , representante de la escuela romana de Caravaggio. Su limpieza en el dibujo y detallismo de las figuras nos dejaron obras de gran belleza. Utiliza las figuras en diagonales, algunas contorsionadas para acentuar el movimiento. Las expresiones de sus personajes son dramáticas y teatrales. Composiciones en forma triangular donde la luz es también uno de los protagonistas.

Orazio Gentileschi “Judith y su criada con la cabeza de Holofernes”


Artemisia Lomi Gentileschi (Nacida en Roma, 8 de julio de 1593-y fallecida en Nápoles 1654) Hija del pintor toscano Orazio Gentileschi, seguidora del límpido rigor del dibujo de su padre, pero le añadió una fuerte acentuación dramática, influenciada por las obras de Caravaggio, cargada de efectos teatrales, elemento estilístico que contribuyó a la difusión del Caravaggismo en Nápoles, ciudad a la que se trasladó en 1630. Eventos traumáticos de su vida marcaron la forma de tratar los temas. dejando ver cierta rebelión hacia la preponderancia masculina, lo cual refleja en sus obras.

 

Judith y su criada.1613. Artemisia Gentileschi

 

Bernardo Strozzi, apodado «el Capuchino» o el «Fraile genovés») (Génova. 1581 – Venecia, 2 de agosto de 1644) fue un destacado y prolífico pintor barroco italiano, que trabajó tanto en Génova como en Venecia. Perteneció a la escuela Genovesa de pintura en el periodo barroco pero trabajo e influencio grandemente la Veneciana. Sus primeras pinturas, tales como “El Éxtasis de san Francisco”, muestran las oscuras escenas y expresiones emocionales de un Caravaggio aun, pero en la segunda década siglo XVII, viviendo ya en Venecia, Strozzi había desarrollado un estilo personal que fusionaba influencias pictóricas del Norte con una dureza realista más monumental. Por ejemplo, en el cuadro:

“La aducción de Europa” realizada entre 1640- 1644.

El nunca fue tan dramáticamente oscuro en sus representaciones como los Caravaggistas, ya que Venecia infundió en su pintura un acabado más suave, un estilo más aceptable para los clientes y mecenas locales, pero uno que muestra también la influencia de pintores en Venecia que le antecedieron, tales como: Jan Lys (1629) y Doménico Fetti (1626), quienes igualmente habían integrado la influencia de Caravaggio con el arte veneciano, pero menos oscuro y más suave y luminoso.

 

San Francisco en extasis.-1637. Bernardo Strozzi.

 

Ejemplos de este estilo pueden encontrarse en la pintura de Strozzi “Parábola de los invitados a la boda” (1630) y la del Cristo entregando las llaves del Cielo a san Pedro (1630). Sus retratos incluyeron muchos de los más destacados venecianos. Sus alumnos y pintores fuertemente influidos por él incluyen:

-Giovanni Andrea de Ferrari (1598-1669)
– Giovanni Bernardo Carbone.(12 Mayo 1614 – 11 Marzo 1683)
– Valerio Castello .(1624 – Octubre 1659)
– Giovanni Benedetto Castiglione. (1609-1664]

 

Giovanni Castiglione. “Fabula de Dionisio” Siglo XVII.

 

De los destacados pintores Caravaggistas italianos podemos también citar a:
– Bartolomeo Manfredi (Ostiano, 25 de agosto de 1582 – Roma, 12 de diciembre de 1622) fue un pintor italiano, miembro destacado de los “Caravaggistas”. Construyó su carrera alrededor de pinturas de caballete para clientes privados, pero sus obras fueron ampliamente coleccionadas en el siglo XVII, y era considerado el igual de Caravaggio, o incluso superior. Su Marte castigando a Cupido es una obra atribuida anteriormente a Caravaggio que se piensa fue ejecutada por Manfredi. No quedan obras firmadas directamente por el.

 

Manfredi Marte castigando a Cupido.

Bartolomeo Manfredi. Marte castigando a Cupido.

– Carlo Saraceni (Venecia h. 1570- Venecia, 16 de junio de 1620).Este pintor Italiano del primer periodo Barroco en Italia adscrito al la tendencia Caraviggista. Maduro como pintor entre 1606 y 1610 fue influido por la dramática iluminación de Caravaggio, sus figuras eran monumentales, detalles muy naturales, de manera que se cuenta entre los primeros “tenebristas” o “caravaggistas”.

 

Saraceni_-_Vision_de San Francisco.

Saraceni. Visión de San Francisco.

– Giovanni Battista Caracciolo, más conocido como Battistello , (1578 – 1635), fue un pintor napolitano del Barroco y uno de los mejores seguidores de Caravaggio. Consiguió una gran monumentalidad en sus figuras, el supo jugar con maestría con los efectos violentos de la luz sobre las superficies. Hizo suyo en forma particular el profundo claroscuro de Caravaggio, llegando a ser el mayor representante de la escuela Tenebrista tras la muerte de Caravaggio. Pero sus viajes a Roma enriquecieron su estilo con nuevos matices e incorporó a su paleta los hermosos colores de los pintores clasicistas como los Carracci, por lo que en su última etapa abandona en buena medida los profundos claroscuros de sus comienzos en el Tenebrismo, para incorporar efectos más luminosos en su pintura.

 

Giovanni Battista Caracciolo (Batistelo) Liberacion de San Pedro.

Giovanni Battista Caracciolo. Liberación de San Pedro.

 

Resumiendo sobre el Naturalismo:
El dramatismo y movimiento de las figuras, representadas con un naturalismo y detalle exquisito, el tratamiento del claroscuro, así como la importancia protagónica de la luz en contrastantes fondos oscuros, fueron características muy propias del Naturalismo en la pintura Italiana del Barroco. La influencia de este estilo en muchos pintores de la época nos dejo obras de gran detallismo, realismo y teatral representación, que respondieron a la demanda tanto de la Iglesia como la monarquía, aunque la Iglesia se resistía a que los personajes se representaran crudamente, realistas, sin correcciones ni embellecimiento ideal.

Barroco Pintura. Características generales.


Joven con un cesto de frutas. Caravaggio.

Joven con un cesto de frutas. Caravaggio.

Barroco Pintura.

Características generales.

La pintura en el Arte Barroco tuvo un papel muy importante en la propaganda religiosa, tanto de la fe católica como la protestante. El llamado movimiento de la Contra reforma fue quien mas se beneficio de este estilo artístico. Fue así mismo aprovechada por la clase burguesa, la aristocracia y sobre todo por las monarquías absolutas. Exigentes reyes y príncipes poseedores de exuberante caudal financiero y megalomaníacas tendencias exhibicionistas de poder absoluto, ordenaron decorar sus palacios con gigantescos murales, retratos y paisajes.

Durante el periodo de florecimiento del arte Barroco numerosos artistas alcanzan renombre siguiendo las pautas que se desarrollaron por escuelas de pinturas diferenciadas, mayormente según su situación geográfica y tendencia pictórica.
La influencia de la escuela Italiana definitivamente repercute en las diferentes regiones de Europa posteriormente; según la situación geográfica en que influencio, los pintores desarrollaron su propia impronta pero partiendo de las características distintivas de la pintura barroca italiana, en la que destaca fuertemente la influencia del Caraviggismo y una observación al pasado clásico en el caso del Neoclasicismo.

Tanto el naturalismo como el neoclasicismo así como los pintores que corresponden al barroco decorativo produjeron hermosas obras que fueron acogidas no solo en las distintas regiones de Europa sino también en lugares remotos como las Américas y las Antillas.

 

pintor, poeta, arquitecto, escultor, dorador, tallista, maestro de torêutica y músico brasileño el sacerdote carmelita Francisco de Paula Jesuino Gusmão,1764-1819, nacido en Sao Paulo

Jesuino de Monte Carmelo. La Virgen. pintor, poeta, arquitecto, escultor, dorador, tallista, maestro de torêutica y músico brasileño el sacerdote carmelita Francisco de Paula Jesuino Gusmão,1764-1819, nacido en Sao Paulo.

 

Características generales de la pintura en el arte Barroco.

• En las obras barrocas la aplicación del color, luz y contrastes se organizan en las escenas de forma que el drama de la historia que se cuenta alcancen su mayor efectividad llevando el mensaje al publico en forma directa y comprensible.
• El ilusionismo espacial es utilizado en frescos y monumentales pinturas al oleo, para que produzcan una sensación de integración del espectador en la escena, ya que las dimensiones de estas pinturas contribuyen al efecto de sentirse participante, porque las figuras humanas alcanzan dimensiones de un humano común.
• La utilización de geometría para agrupar personajes o elementos importantes a destacar fue utilizada abundantemente. Las figuras se agrupan en forma de triangulo o circulo concatenando una secuencia de elementos destinados a centrar la atención en la simbología, mensaje propagandístico o figura importante. Encontramos por ejemplo escenas separadas por diagonales aludiendo a escenas de sueños en contraste con la realidad.
• El efecto propagandístico religioso utilizando tanta grandilocuencia visual dramática, con explosión de color y atiborramiento de figuras y locaciones descritas en los frescos de techos y paredes produce un efecto directo que permanece en los espectadores, reafirmando el mensaje de fe, político o de poder, según el caso.
• Hay una cierta inclinación hacia la gama cálida tales como los ocres, marrones, rojizos sobre todo en el periodo temprano del arte barroco, Progresivamente los pintores introducen gamas mas suaves, con luminiscencia uniforme, menos contrastantes.
• El color en muchos casos se utiliza para enfatizar simbologías como por ejemplo el color azul del manto de la virgen.
• Predomina la aplicación del color, prestando solo atención secundaria a la línea y el dibujo, buscando perspectivas aéreas y planos de profundidad.
• En la pintura barroca se posibilita el efecto teatral centrando la atención en la parte de la escena o personajes que son de interés resaltar, ya sea por defecto o exceso de luz, manejo de las sombras, calidez o frialdad de la paleta de color usada.
• La luz hacia resaltar la realidad táctil de los objetos y es en los bodegones y naturalezas muertas que esto se destaca. La doctrina de Esse est percipi (ser es percibido) encuentra vías de representación grafica en estas obras barrocas. Algunos pintores como Caravaggio y los naturalistas hicieron gran protagonismo de la luz al cerrar los diafragmas lumínicos y sumiendo en la oscuridad el resto de la pintura.
• Las escuelas italianas y flamencas buscan en la composición el dinamismo, la luz cruzada y oblicua, el movimiento inestable y tensión centrifuga. Sin embargo algunas escuelas como las españolas y francesas optaron por composiciones ordenadas, con actitudes estáticas que tienen mucho que ver con la estatuaria clásica.
• La pintura barroca abordo muchos géneros, entre ellos encontramos: eclesiásticos, bodegones, naturalezas muertas, temas de genero o costumbristas que abordan escenas de la vida diaria, históricos, paisajes, frescos, imaginería, también mitológicos, de echo todos los géneros posibles. El retrato cortesano dejo importantes muestras del carácter heroico, familiar o político representado contribuyendo a reforzar la propaganda. La iconografía de la pintura religiosa y cortesana alcanzaron momentos culminantes durante el barroco.

 

Juan de Espinosa: Bodegón de uvas, manzanas y ciruelas, 1630, óleo sobre lienzo, 76 × 59 cm, Museo del Prado; ejemplo de bodegón típico español de la primera mitad del siglo.

Nota: Detalles de la pintura Barroca por regiones, escuelas y otras características distintivas, son tratados en otros artículos sobre el tema por lo extenso de la información y para su mejor entendimiento.

 

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