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Arte Barroco.


Arte barroco

Resumen general

 

 

El arte barroco es un estilo artístico que representa en sus obras exagerada emoción y clara representación de los detalles con el mayor efecto realista posible, en una especie de ilusorio escenario teatral. Su contenido puede ser fácilmente interpretado. Utiliza exuberancia de elementos artísticos plenamente interconectados,  y una representación dinámica destinada a producir intenso drama a través de la obra artística. Por lo general el arte barroco se realiza en tamaño monumental .

Estas características se aplican principalmente a: la escultura, la pintura, la arquitectura, cerámica, joyería, textiles muebles y también a otras manifestaciones culturales como: la literatura, la danza, el teatro y la música que fueron la fuente de inspiración para las expresiones plásticas.

La palabra “barroco” tiene resonancia y aplicación actual que se extienden más allá de ser una simple y lineal nomenclatura aplicada para denominar un estilo, término o periodo. El termino “barroco” puede ser utilizado en nuestros días por historiadores de arte y público en general, refiriéndose a las obras de arte, la artesanía o diseño que tienen ornamentación excesiva o gran complejidad de líneas, figuras y diversidad de elementos artísticos. La palabra barroco se deriva de la palabra portuguesa “barroco”, refierendose a una “perla irregular o imperfecta.”

La Iglesia y la aristocracia durante el Cinquecento (1500-1600) siguieron la evolución del Manierismo en el último período del Renacimiento y dan la bienvenida al arte barroco en el nuevo siglo (1600). En la ciudad de Roma, Italia, donde comenzó este arte barroco, se dan cuenta con suficiente antelación la burguesía y el clero de la eficacia del nuevo estilo para comunicar sus mensajes a los espectadores por lo que paulatinamente comisionan nuevas obras de arte para sustentar su plataforma ideológica y religiosa.

En el contesto histórico ocurren importantes sucesos como consecuencia de diferentes puntos de vista acerca de la fe entre los Católicos y Protestantes en un periodo en el que hay un predominio de las monarquías absolutas, Todos ellos hacen el mejor uso posible de este nuevo estilo como propaganda, sustentando a los artistas para que realicen obras que atraigan a los espectadores y se sientan como si fueran ellos mismos personajes en la obra artística, como una especie de voyeurista complicidad. A través de diferentes elementos de la plástica, absorben la atención del observador a través de mucho drama, haciendo que se sientan totalmente identificados con aquello que se les muestra ya que es muy fácil de captar.

 

Estaci de Santa Teresa

 

El tema principal del estilo barroco fue el triunfo de la fe y alrededor del mismo toda la expresión artística se mueve hacia la representación eufórica y rimbombante utilizando una cascada de elementos; que aunque aparentan ser una amalgama caótica, encajan sin embargo todos sus elementos entre sí a la perfección. Con esto logran elevar este concepto religioso del triunfo a su más alta expresión, influyendo así otros aspectos no religiosos en la vida diaria de un sociedad convulsa, con muchos contrastes, en la que la minoría de las personas son increíblemente ricas; mientras que la mayoría de la gente se ahoga en la pobreza extrema.

No es extraño, por lo tanto que quisieran  evadirse de su triste realidad, contemplando escenas imaginarias y agradables, dramáticas, dirigidas a premiar el honor, la gloria y el triunfo de la luz sobre la oscuridad.

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Esta nueva grandilocuente y súper emocional tendencia artística se extendió a la mayor parte de Europa y posteriormente a los Estados Unidos también. Aunque es justo decir que en la arquitectura al principio, a veces se evitó en favor de tendencias mas clasicistas, mayormente en lo que se refiere a la fachada de edificios, ya que las nuevas líneas convulsas y curvas, producían una sensación incómoda en algunas de las personas que encargaban los nuevos palacios y no fue bienvenida por completo por un tiempo en algunas regiones.

La Influencia del arte barroco cubre los siglos XVII y XVIII pero sigue siendo fuerte en el siglo XIX cuando, abundante construcción utilizando la arquitectura barroca en América se sigue haciendo en este estilo, aunque con mas eclecticismo debido a la influencia de otros estilos artísticos y gustos nativos particulares.

 

Edificio barroco

Edificio Barroco América

Los que hacían su entrada en palacios y catedrales barrocas quedaban sin habla desde el momento en que llegaban a la escalera principal, e iban pasando a través de un calidoscopio dinámico, expectante, de elementos artísticos in creschendo, para culminar en una especie de fulminante escena de teatro con la representación abarrotada de varias “belle arte” en las habitaciones, la mayoría de ellos con proporciones gigantescas de sensación apabullante. Se rompe aquí el otrora impresionante balance y equilibrio moderado del clasicismo a favor de una forma convulsa que enfatizan el phatos de los personajes en las escenas y hacen hincapié en la dinámica del movimiento como nunca antes se había logrado.

 

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La variedad de elementos utilizados más su redundancia excéntrica aplicando detalles fueron aplicados también para la literatura, la música, el teatro y la danza en ese período, manifestaciones artísticas de quienes la plástica se nutrió constantemente como fuente inagotable de inspiración e imaginación. En esta época barroca la ópera nació y se desarrolló llegando a alcanzar su más alta gloria, porque con esta apoteosis de elementos artísticos a la vez en una escena  teatral, nada era imposible. Esta versátil manifestación artística florece y de hecho triunfa rotundamente e incluso monarcas y la aristocracia participan activamente, siendo muy popular entre la población general también.

En el arte barroco prevalece la tendencia de composiciones inestables, los artistas tratan de alejarse de la simetría, alterando la relación clásica entre el axe y las figuras en la pintura. Composiciones dinámicas con mucho dramatismo escénico, rostros expresivos, gestos físicos  exacerbados, (como en un escenario teatral como se mencionó antes).

El uso de la luz también era muy importante, el elemento protagonista muchas veces en una pintura. Por ejemplo, el elevado contraste entre la luz y la ausencia de ésta, y el ritmo obtenido  en la composición, facilitan la acentuación de los caracteres principales subrayando su importancia.

 

detalle de Pintura del pintor Carracci

Al llamado “Tenebrismo”; (estilo pictórico de la pintura que utiliza claroscuros muy pronunciados y contrastes profundos y violentos de luz y oscuridad),  así como al “Naturalismo”, se añadió otro estilo pictórico durante el período barroco, la talla de madera de la que destaca la imaginería española, así como, diversas temáticas como es el caso del retrato de bodegas y almacenes, conocidos en español como “Bodegones”.

 

Leccion de Anatomia  del Dr. Nicolaes Tulp.1632 . Pintura al oleo sobre canvas por Rembrandt.

lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp.1632 . Pintura al oleo sobre canvas por Rembrandt.

Estos se realizan con detalles tan exquisitos y fidelidad a los originales, que se siente como si estos objetos retratados son reales y es posible tocar, oler y degustar los mismos. Todos se realizaron en respuesta a expresar el propósito central “Esse est percipi” (ser es ser percibido). Aunque los “Bodegones” tienen temática aparentemente no religiosa, esto es brillantemente ocultado cuando representan los acontecimientos de la vida diaria. De alguna manera las referencias religiosas siempre están ahí para cumplir con el propósito de propaganda.

Cena en Emmaus. Caravaggio

Cena en Emmaus. Caravaggio

El Arte barroco es también un estilo colorista en el que un estallido de colores vibrantes inundan la obra artística, que atrae la atención, al mismo tiempo que marcan la cadencia y el ritmo que los ojos de los espectadores deben seguir. El color se utilizó también para acentuar los principales personajes de las escenas. Atraves del color les fue posible encuadrar las composiciones de manera más eficaz, utilizando pinceladas libres y estructuras centrífugas.

 

La incredulidad de Santo Tomas. Caravaggio

La Incredulidad de Santo Tomas. Caravaggio

 

Esa sensación de percepción realista aplica también a las esculturas; alrededor de las que el entorno arquitectónico fue diseñado y construido en el arte barroco, no es posible separarlas, ya que están estrechamente relacionadas con el espacio en el que se encuentran en los edificios, no se pueden entender o apreciar aisladas de su destino original, en el que alcanzan según lo previsto, el sentido trascendente y tangible, casi como si tuvieran vida, pero como parte del conjunto.

La correlación entre diferentes elementos plásticos de expresión utilizada en edificios barrocos, responden a un concepto en que todos los elementos del conjunto funcionan como una unidad, no obstante tener elementos artísticos diferentes. Cada uno de ellos, sin embargo, está interconectado siendo el apoyo unos de otros. Lo mismo se aplica en el arte barroco con la cerámica, trabajos de vidrio, textiles, orfebrería y mobiliario.

Nota: En otros artículos subsecuentes se profundizara según  la manifestación artística de los elementos importantes del arte barroco, así como se presentaran los principales artistas en cada región.

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Vidrio en el Arte Bizantino


Obras de arte Bizantinas en vidrio.

En efecto, en Bizancio se produjeron unos vidrios coloreados adornados con una decoración donde la pintura con oro y esmaltes policromados se utilizan para dibujar follajes decorados con animales o personajes dentro de medallones. El vidrio ofrece la posibilidad de crear no solo hermosos mosaico de cristal sino que  también  se aplica a las vidrierías de ventanas  consiguiendo atraer la atención del espectador  sobre los personajes y narraciones representadas en ellas  gracias a la luz proveniente del exterior. 

En Constantinopla han sido encontrados fragmentos de vidrieras pintadas historiadas y de vidrieras coloreadas asociadas a numerosos plomos de engastes que ilustran muy bien el arte de la vidriería bizantina en el principio del siglo XII.

El vidrio en el arte Bizantino se utilizó también para hacer vasijas  de vidrio para diversos usos como contener perfumes, jarras para mantener líquidos; lámparas, vasijas para beber. Los amuletos de vidrio moldeado, las pulseras de vidrio hilado, las perlas en pasta de vidrio, las pequeñas joyas y los falsos camafeos constituían también parte de las producciones sobre todo en la región mediterránea aunque no se descarta que se realizaran también en Constantinopla.

Obras de arte Bizantinas en Vidrio

Experimentando con diferentes sustancias  los artesanos sopladores de vidrio consiguen tonalidades interesantes de color. Recipientes de vidrio desde verde claro, transparentes, así como otras tonalidades como carmelitas hasta rojos y purpuras según las mezclas que se utilizaran para su producción se han encontrado procedentes de diferentes regiones del imperio Bizantino. El vidrio se componía básicamente de sosa, de cal y de sílice, coloreados con óxidos de hierro, de cobre y de manganeso. Sustancias como cal, fragmentos de cuarzo, virutas de cobre y escorias de hierro eran también agregadas para obtener las diferentes tonalidades. Jarras y copas para beber destacan en las producciones de Corintia de la época Bizantina.

Bizantine glass lamps

A partir de mediados del periodo Bizantino los edificios tenían menos aberturas no teniendo suficiente entrada de luz natural y esta deficiencia lumínica fue reemplazada por las velas y lámparas de aceite. Estas hermosas lámparas de vidrio y metal así como los candelabros estaban ubicados estratégicamente en las zonas donde la luz natural escaseaba. La posición y lugares donde se ubicaban estaban especificados por reglamentos eclesiásticos para asegurar que el efecto de misticismo posibilitara efectiva sensación de acercamiento a dios.

vidrio  Bizantino uso practico

En las iglesias y catedrales Bizantinas las patenas, los cálices y las luminarias de santuario ya no se diferenciaban de los demás jarrones por el empleo de símbolos cristianos como se hacía en la época paleocristiana. No parece ser que fuera caro decorar con vidrio en este periodo ya que los materiales para elaborar las piezas se obtenían en regiones no lejanas, lo que encarecía su adquisición hasta cierto punto era el proceso de elaboración del mismo que tomaba tiempo y personal adiestrado.

No obstante se han encontrado hermosos trabajos realizados en vidrio del periodo bizantino en iglesias pequeñas o de no mucha importancia política lo que ayuda a pensar que los trabajos en vidrio no eran muy caros o inasequibles como se había pensado al no encontrarse suficientes procedentes de este largo periodo, mas bien su carencia se debe a que muchas hermosas obras se destruyeron durante la debacle iconoclasta.  Durante el periodo de dominación árabe se destruyeron deliberadamente objetos en cristal alegóricos a la religión católica, ademas del deterioro natural del tiempo por supuesto. Aunque no se descarta que fueran reciclados para crear nuevos objetos en periodo posteriores.

Byzantine beaker V-VI C.A.D

Pintura Asiria


Pinturas adosadas a paredes en arte Asirio

Pintura Asiria.

No han sobrevivido muchos ejemplos de la pintura asiria, aunque por las crónicas históricas en sus tabletas de arcilla se sabe sobre magníficas decoraciones en las paredes, utilizando vibrantes colores mostrando escenas de batallas y del diario vivir del pueblo y la corte. Entre los ejemplos que aun existen están las pinturas del palacio Til- Barsib, en una antigua región Asiria, que nos dan una idea de como estas servían como medio de propaganda del rey, la aristocracia y los dioses. Se mezclan en ellas tanto motivos geométricos como figurativos y prácticamente toda la superficie de la pared estaba decorada.

Los asirios representan temas de su vida diaria, del aquí y ahora, no como los egipcios que se concentran en representar el camino a la resurrección y el mas allá. Los temas de la pintura asiria poseen para ellos gran actualidad, son como crónicas de hechos reales, pero testimonios para nosotros de historias que conocemos hoy gracias a estas representaciones artísticas.

La superficie de la pared de los palacios previamente tratada con estuco lucia escenas con varios personajes, como también figuras aisladas, a veces se colocaban dos figuras con efecto de espejo una frente a otra mayormente representando seres protectores cuya apariencia no era totalmente humana. Algunas mostraban gigantes soldados alados con peculiares rostros y cabezas de animales cuya postura vigilante y tensa refuerza la idea de que pudieran ser figuras de los que ellos llamaban dioses protectores. Estas, las figuras mas grandes se colocaban sobre todo en el exterior, cerca de las entradas o adyacentes a esculturas aladas de genios protectores.

Algunas esculturas de pequeño y mediano tamaño tenían pintura, pero en ciertas partes de ellas como resaltando elementos y estaban decoradas con buen gusto y detalles. Se utilizaron colores brillantes tanto en esculturas, relieves y pinturas, mayormente azul, negro y rojo aunque a veces combinados con tonos tierra, como el artista lo considero necesario, sobre todo aquellos colores que en las paredes resaltaran sobre el blanco del estuco. En cuanto al esquema cromático de la pintura asiria queda aun mucho por estudiar, lo que se sabe es por remanentes de pigmentos sobre relieves y algunas esculturas en no muy buen estado de conservación, algunas de las cuales se han podido detectar gracias a modernas técnicas.

Pintura Asiria en pared del palacio Til - Basib

Es de señalar también que los asirios, como mencionamos en otro articulo utilizaron la decoración con el método del ladrillo vitrificado, que dotaba las paredes de un azul único, resplandeciente y duradero. Esta técnica, que adoptaron de los babilonios para decorar el exterior de los muros de sus construcciones y que lograron producir en gran escala, se perdió para la posteridad desafortunadamente.

Estos pigmentos se colocan cuidadosamente utilizando pinturas obtenidas a partir de materiales de la naturaleza como semillas machacadas, sumo de plantas y polvos de metales, (como el oro y la plata ocasionalmente también para enfatizar detalles) así como adhesivos obtenidos de grasas de animales.

Pintura Asiria del Palacio Til- Barbil

Pintura Asiria del Palacio Til- Barsib

Ellos decoraron con pintura sus armas como por ejemplo: escudos, carros militares, lanzas. En ellos utilizaron motivos vegetales, elementos geométricos, aunque también estuvieron representadas imágenes figurativas como estrellas, leones y soldados.

Los Asirios heredan de los Hititas elementos de orden estilista y temático, los que supieron aprovechar los primeros muy bien, tanto en pintura, como en escultura y relieves, por lo que se aprecia dinamismo en las figuras de  soldados en batalla, se representa el dolor de los heridos en combate, las contorsiones de leones heridos, la fiereza y determinación en la batalla o la seriedad, prestancia y solemnidad de las figuras que representan a los dioses, al rey y sacerdotes religiosos.

Si nos  imaginamos estos relieves con pintura y recién terminados nos podemos dar cuenta del impacto visual de los mismos en los espectadores, esas escenas cruentas de cacería de leones en la que los mismos se representan con el mayor detalle posible y representando una carga dramática espectacular, resultan hoy un deleite visual aun sin los restos de pintura que tuvieron en su gloria. Observen este video donde se puede apreciar en la colección del Museo británico la belleza de los mismos aun sin la pintura.

Es de señalar también la importancia que dieron al representar con frecuencia el tema del árbol de la vida, el cual al parecer fue de suma importancia para ellos y estaba ligado estrechamente al culto de los dioses y el origen de la vida. Este tema aparece también en toda Mesopotamia, Egipto así como en Fenicia y otras culturas importantes de la antigüedad.

Las figuras se representan siempre estando de lado, tanto el cuerpo como la cabeza, aunque en ocasiones se representa la cabeza torcida a un lado o hacia atrás, cuando se representan los cuerpos cayendo en batalla por ejemplo.

Relieve Asirio con detalle de elementos vegetales de la region.

Relieve Asirio con detalle de elementos vegetales de la región.

Las lineas, como en el caso de los animales y plantas, definen cuidadosamente  el contorno de las figuras, las que tienen un acabado de sombreado en negro que intenta dar corporeidad tridimensional tanto a los animales, figuras humanas o motivos vegetales. En los motivos vegetales obtienen verdadera maestría y fidelidad al original lo que ha permitido por las pocas muestras físicas de pinturas encontradas y la representación de relieves, tener una idea de como eran las plantas autóctonas de la región en esa época.

Pintura asiria representando animales

Pintura asiria representando animales

Se puede observar que hay cuidado en el trazado de las lineas que representan objetos tales como cuerdas, flechas, arcos, lanzas y en el dibujo de carruajes de guerra y atuendo de guerreros por lo que estas pinturas indudablemente son como mencionamos antes, una crónica importante de su cultura, su estilo artístico, su idiosincrasia. No podemos olvidar que este pueblo, que poseía numerosos talentos, fue el producto de  sus circunstancias históricas en los albores de la civilización humana y no obstante a enfrentar numerosas adversidades  en la lucha por la supervivencia, sobresalen por la calidad artística de sus obras.

La pintura Asiria tiene puntos comunes en el estilo de representación de las figuras y los temas que se tratan con otras culturas de la región y esta tendencia, sumado a sus escritos en tabletas de arcilla, nos ayuda hoy a conformarnos una idea de lo estrechamente vinculado que esas civilizaciones estaban entre si, tanto desde el punto de vista del arte como de conocimientos generales.

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