Historia del arte en resumen
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El Renacimiento por periodos artísticos.
El Renacimiento por periodos artísticos.
LA CREACION DE ADAN. MIGUEL ANGEL BUONARROTTI. (1475-1564) Wikimedia Commons
El Renacimiento temprano
El Renacimiento Temprano que abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 conto con muchos artistas, incluyendo arquitectos, pintores y escultores que fueron los impulsores iniciales de la reforma estilística. Estos artistas que empiezan a firmar sus obras abiertamente, se sienten altamente inspirados por los pintores de finales del periodo gótico cuyas obras venían mostrando el camino del nuevo pensamiento humanista en ciernes, como fue el caso de Van Eyck o los hermanos Limbourg.
Detalle de ilustracion del manuscrito Las Ricas Horas de Jean de Berry. Por los Hermanos Limbourg.
El inicio del Renacimiento en la ciudad de Florencia en la Península Itálica, coincide con el periodo tardío del gótico en Europa. Las ciudades estado italianas se van sumando paulatinamente a esta corriente humanista y aunque en esta etapa temprana del Renacimiento aún perduran los elementos del gótico, los artistas se encaminan a la búsqueda de soluciones técnicas que les permitan representar sus obras con la nueva concepción estética.
Entre los artistas destacados es importante destacar a los artistas Filipo Brunelleschi. (1377-1446) y Tommaso di Ser Giovanni di Simone: (Masaccio) (1401-1428), quienes, el primero en arquitectura y el segundo en pintura marcaron hitos al encontrar soluciones prácticas a problemas técnicos en el arte que abrieron el camino a las posibilidades de expresión del renacer del hombre en la plástica y el arte en general.
El Renacimiento como estilo artístico y pensamiento filosófico tuvo que afrontar en un principio rehacías opiniones en su contra y fue acusado de ser el estilo de liberales y neopaganos, pero la intransigente persecución del fraile Dominicano Girolamo Savonarola (1452-1498) no pudo parar el progreso de la humanidad y la transformación del pensamiento del hombre.
Esculturas de Donatello
Al librarse de las ataduras de los gremios de artesanos y convertirse en particulares los artistas del primer periodo del renacimiento conforman sus obras basados en la tendencia humanista devota a la razón, e imprimen sus obras del clasicismo y la perfección propia del arte griego y romano en la antigüedad. El nuevo culto a la fama le propicia tener una clientela amplia que quiere ser inmortalizada en retratos o esculturas o que quieren mostrar sus respetos por las figuras exitosas y prominentes. Al mismo tiempo surten con bellos y valiosos objetos a la clase pudiente con obras para decorar sus palacios o centros sociales las cuales responden a su interés como clase opulenta deseosa de mostrar su riqueza y poder.
La Primavera. Sandro Botticelli.
Las obras en este periodo son por tanto detallistas, proporcionadas, medidas y apegadas a los dogmas del clasicismo griego y romano, pero poseen también el orgullo de un hombre exitoso que quiere platear su realidad tal como es y en ese sentido hay un despegue de la estética pura del idealismo griego y las obras se tornan realistas y muy pormenorizadas, como si fueran a cobrar vida ante los ojos del espectador. Los rasgos de los personajes son idénticos a los modelos, no importaba si estos eran feos o bonitos. Hasta el temperamento de los mismos o la emoción que estuviera siendo representada era indicado explícitamente para mejor comunicación con el espectador. No estaban exentas sin embargo en las obras de muchos de estos pintores, los signos velados o mensajes ocultos destinados a ser comprendidos por un público culto.
No eran personajes y escenas idealizadas y perfectas, sino realistas y perfectas. Muchos artistas se destacan por su talento y estilo propio lo que los sitúa como artistas prominentes y en demanda quienes se convertirán a su vez en maestros o mentores; como el propio Verrocchio quien fue maestro de Leonardo Da Vinci.
Pintores, escultores y arquitectos del renacimiento temprano.
He aquí algunos de los más importantes.
– Filipo Brunelleschi. (1377-1446)
– Donato di Niccolò di Betto Bardi. (Donatello) (1386- 1466)
– Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Sandro Botticelli) (1445-1510)
– Tommaso di Ser Giovanni di Simone: (Masaccio) (1401-1428)
– Domenico de Ghirlandaio. (1449-1494)
– Piero de la Francesca (1415-1492)
– Andrea di Michelle di Francesco de’ Cioni. (Andrea Verrocchio)(1435-1488)
– Lorenzo di Bartolo. (Lorenzo Ghiberti). (1378 -1455)
– Agostino di Duccio. (1418-1481)
– Fray Angélico (Fra. Giovanni di Fiesole (1395 -1455)
– Paolo Uccello (1397-1475)
– Alesso Baldovinetti (1425-1499)
– Desiderio de Bartolomeo di Francesco detto Ferro (Desiderio da Settignano)1428-1464)
– Lucca della Robia (1400-1482)
– Domenico Veneziano (1410-1461)
– Andrea Mantegna (1431-1506)
– Antonio Rossellino. (1427-1479)
– Bertoldo di Giovanni. (14 – 1491)
– Antonio del Pollaiolo. (1433-1498)
– Andrea del Castagno.(1423-1457)
El alto Renacimiento
Para el periodo DEL ALTO RENACIMIENTO aproximadamente entre 1475 y el 1525 el papado en Roma asume también el papel de mecenazgo. Luego de un periodo de titubeo en la que aun no aceptaban el cambio radical de pensamiento, la iglesia no tiene de otra que avenirse a buenos términos con esta imparable corriente humanista. Deseosa de contar con los servicios de prestigiosos artistas comisiona la decoración de salones en los edificios pontificios, otros edificios religiosos y monumentos funerarios a pintores y escultores importantes que representan la cúspide del talento artístico de la época, entre ellos: Miguel Ángel Buonarroti, Rafael, Leonardo Da Vinci y Tiziano.
Ellos realizaron obras comisionadas también por mecenas o figuras públicas importantes como los Medici que para entonces controlaban las finanzas italianas y cuya influencia se extendía por el resto de Europa. La estabilidad política que se estableció en diferentes regiones permitió que poderosas familias con gran poder adquisitivo actuaran como patronos de las artes, facilitando que las mismas florecieran.
Alto Renacimiento italiano. La Magdalena Penitente. Tiziano.
El arte del renacimiento se expande por toda Europa en este periodo pero fundamentalmente se acoge muy bien en (Francia, Inglaterra, Alemania y la Península Ibérica). Responde este arte eficazmente a las necesidades de una sociedad burguesa en busca de rodearse de confort, con obras que expresaran su refinamiento y poder como clase ya instaurada.
Un interés grande por la naturaleza y el mundo animal se ilustran en los bocetos de artistas como Albrecht Dürer (Alberto Durero) (1471-1528), figura dominante del Renacimiento Alemán quien como científico represento los elementos de las figuras en detalle. Sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país como Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) y también en los artistas de los Países Bajos.
La Liebre. Alberto Durero. (1471-1528 )Wikimedia Commons.
LA NINFA DE LA FUENTE. LUCAS CRANACH EL VIEJO. (1472-1553) Wikimedia Commons.
Figuras de héroes y leyendas son reanimadas con viveza y tangible cercanía en obras de indudable talento, las que parece como si fueran a cobrar movimiento. En ellas la figura humana; como en el caso del David de Miguel Ángel (hecho a tamaño natural), expresan el detallado estudio de las formas del cuerpo, sus curvas, las venas, la flexión natural de piernas y caderas. Miguel Ángel logra representar la acción, el dramatismo del momento.
El fue además el autor de la decoración de la bóveda de la capilla Sixtina y en esta excelsa creación refleja sus conocimientos del cuerpo humano tal y como lo hiciera cuando esculpía. Fue Miguel Ángel Buonarroti el primer pintor que logró representar este capítulo de la biblia sobre la creación con realismo y detallado trabajo, enteramente a base de las poses, dramáticos gestos y expresiones del rostro de las figuras, que transmiten el mensaje del caótico desasosiego ante el juicio final.
En este periodo santos, vírgenes y apóstoles son dotados en las obras artísticas de una dignidad y nobleza que se expresa en sus humanizadas figuras, que se representan con los cánones clásicos de belleza pero lejos de estar totalmente idealizados se representan naturales, cercanos y realistas.
Filósofos clásicos conversan dentro de la composición de Rafael en su obra “La escuela de Filosofía” rodeados de personalidades de la época renacentista, en donde la ilusión espacial que representa muestra una profundidad tridimensional sorprendente. La suavidad de los rostros de sus vírgenes y retrato de personalidades parecen hechos sin esfuerzo, cuando en realidad un dominio increíble de la técnica y gran capacidad de trabajo nos regalan en sus suaves y dulces figuras un verdadero y emotivo deleite visual donde la luz es la verdadera protagonista.
Leonardo Da Vinci con su constante experimentación, estudio el comportamiento de los pigmentos y adhesivos para pintar, termino pocas obras enteramente pero en las que se preservan se observa la excelsa pulcritud del dibujo y la maestría del uso del color, habilidad que demostró gracias al compendio de conocimientos que poseía sobre muchos aspectos científicos. Su utilización de la perspectiva aérea y la creación del llamado Esfumado lo sitúan como uno de los grandes genios de la pintura del renacimiento.
Otro destacado artista de este periodo fue Tiziano Vecellio en cuya obra logra representar a través del patetismo del color, el control sobre las luces y sombras, con su estilo arrebatado y dinámico mueve emocionalmente al espectador de forma impactante. Su estilo rebuscado, con el que influencio otros pintores de la época sentó las bases de lo que sería el estilo Manierista en el siglo XVI.
Giorgione crea atmósferas muy particulares y realistas donde la naturaleza representada parece latir con cálida vida, sus temas presentan vaguedad en el asunto tratado por lo que sus composiciones se prestan a numerosas interpretaciones . Los colores difuminados de los fondos aportan dramatismo a la escena representada.
Lucca Signorelli
Luca d’Egidio di Ventura de Signorelli conocido como Luca Signorelli o Luca da Signorelli (1450? -1523 ) fue un pintor cuatrocentista italiano nacido en La región de La Cortana. El fue uno de los grandes maestros de la llamada Escuela de Umbría. De su maestro Piero de La Francesca aprendió sobre un adecuado tratamiento de la perspectiva. Tenia gran capacidad para plasmar dinamismo en sus figuras, lo que desarrollo estando en Florencia al ser influenciado por los pintores de esa prolífica y artística ciudad por lo que se considera que su estilo particular esta más relacionado con Florencia que con la Escuela Umbría.
La libertad en el modo para tratar los temas, la especial utilización de los efectos lumínicos así como el dramatismo de muchas de sus composiciones le confieren a su obra un elevado valor dentro del Renacimiento. Gran dominio del dibujo que genera composiciones claras y definidas aun cuando utiliza muchos personajes en ella.
Es en Orvieto donde produjo su obra maestra, los frescos en la capilla de S. Brizio (entonces llamada la Cappella Nuova), en la catedral las pinturas de Signorelli en las bóvedas y en las paredes superiores representan los acontecimientos referidos al Apocalipsis y el Juicio Final; con un dramatismo tal, que es realmente muy impactantes. Están inspirados en la Divina Comedia de Dante y los realizó entre 1499 y 1502, poseen una cruda y directa sus pinturas de ángeles músicos y su uso de la perspectiva.
expresividad, con una complejidad iconográfica inusual para la época.
Luca Signorelli. Fresco en la Catedral de Orvieto. (1499-1505)
Michelozzo degli Ambrogi.
Fue más conocido como Melozzo da Forlí ciudad Italiana donde nació. (1438 -1494) fue un artista famoso por sus pinturas de ángeles músicos y por el uso cuidadoso de la perspectiva, desarrollando posteriormente también afición por la representación arquitectónica en sus pinturas, donde la perspectiva que emplea crea espacios muy acertadamente representados.
El decoró a pedido de Sixto VI la biblioteca Vaticana con un excelente fresco que se conserva aun hoy en día en los Museos Vaticanos. Este fresco nombrado “Sixto IV nombra a Bartolomeo Platina Prefecto de la Biblioteca Vaticana” lo pinto en 1477 y es considerada su obra maestra por el sobresaliente uso de la perspectiva arquitectónica de la escena, como habíamos señalado y la configuración del conjunto que inducen al espectador a imaginar que el espacio se adentra hasta un fondo con ventanales lejos de los personajes del frente del fresco.
Sus principales seguidores fueron Marco Palmezzano, Lorenzo da Viterbo y Antoniazzo Romano, pero su estilo influyó notablemente a muchos pintores, como Donato Bramante.
Melozzo da Forli. «Sixto VI nombra a Bartolo Platina prefecto de la Biblioteca Vaticana». Fresco. 1470.
Principales artistas del Alto Renacimiento.
– Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni. (Miguel Ángel Buonarroti). (1475-1564)
– Leonardo di ser Piero da Vinci. (Leonardo Da Vinci) (1452-1519)
– Rafael. Raffaello Sanzio da Urbino (1483 -1520)
– Tiziano Vecelli o Tiziano Vecellio. (Tiziano) (1485-1576)
– Giorgio da Castelfranco. (Giorgione). (1470-1510).
– Donato di Pascuccio d’Antonio. (Donato Bramante da Urbino) (1444-1514)
– Albrecht Dürer (Alberto Durero) (1471-1528).
– Luca d’Egidio di Ventura de Signorelli. (Luca Signorelli). (1450 1523 )
– Michelozzo degli Ambrogi.(1438 -1494).
El Manierismo en el Renacimiento
Esta tendencia dispuso de una literatura teórica desarrolladísima que sin embargo no encontró eco en la burguesía que no podía comprender su sofisticación conceptual. El Manierismo coincide con el periodo de la crisis del cristianismo y las luchas en Europa contra los invasores musulmanes.
Esta tumultuosa etapa marca el estilo de numerosos pintores en toda Europa influenciando a pintores de los países bajos, Alemania, Francia y sobre todo en España donde la figura del pintor conocido como El Greco era muy apreciada en las cortes españolas.
Las figuras humanas se representan más alargadas alejándose del equilibrio clásico, utilizan la luz contrastada en sus pinturas, el cromatismo intenso, arrebatamiento de las formas, composiciones recargadas. Se muestra alta expresividad de las emociones y se aumentan la sensación de inquietud y zozobra. Son pinturas destinadas a provocar reacciones emocionales en el espectador. Son sin duda la respuesta ante clásica que se viene desarrollando y que toma auge a finales del siglo XVI. La paleta contrastante del Greco por ejemplo, enfatiza el mensaje de la obra mediante una elocuencia particularmente dramática, es casi como si estuviéramos viendo personajes reales en una puesta de escena teatral, en su obra El entierro del Conde de Orgaz el patetismo ante la muerte queda representado tan vívidamente que nos sobrecogemos ante su contemplación.
Artistas pertenecientes al periodo Manierista
– Andrea del Sarto (1486-1530) (Alto Renacimiento y Manierista)
– Giovanni Battista di Jacopo (Rosso Fiorentino) (1494-1540)
– Sebastiano del Piombo. (Alto Renacimiento y Manierista)(1485-1547)
– Fra. Bartolomeo (di Pagholo) Fra. Bartolomeo. (1472-1517)
– Domenico di Pace Beccafumi. (1486-1551)
– Jacomo Carucci.(Pontormo)(1494-1557)
– Doménikos Theotokópoulos (El Greco). (1541-1614)
– Giulio Romano, (1499-1546)
– Girolamo Fransesco María Mazzola (Parmigianino) (1503-1540)
– Francesco Primaticcio. (1504-1507)
– Agnolo di Cosimo (Bronzino) (1503-1572)
– Giorgio Vasari. (1511-1574)
– Jean Boulogne. (Gianbologna)erróneamente (Giovanni da Bologna).(1529-1608)
– Bartolommeo Bandinelli. (1493-1560)
– Bartolomeo Ammanati. (1511-1592)
– Bernardo Buontalenti (Bernardo Delle Girandole)(1531-1608)
– Benvenuto Cellini. (1500-1571)
– Federico Zuccari. (1540-1609)
– Pellegrino Tebaldi (1527-1596)
PERSEO (1554) Benvenuto Cellini. (1500-1571)Wikimedia Commons.
Este periodo Manierista es el antecedente directo del aveniente periodo Barroco del arte. Los pintores y escultores Manieristas con su recargamiento de elementos en las obras, su respuesta ante clásica a los dogmas compositivos, la experimentación con diferentes paletas de colores, difuminación de fondos, dibujo nervioso y dramatismo exacerbado plantean las bases estéticas y estilísticas que toma la nueva generación de pintores, que influenciados por la nueva situación económica, política y social impulsan un cambio que se aleja aun mas del academicismo en la plástica.
Arte Griego. Caracteristicas generales
Características generales del arte Griego
El Arte Griego en la antigüedad tiene como característica fundamental tener un alto idealismo estético, lo cual implica que el arte representa no la realidad cruda y directa sino una visión idílica y perfecta que se percibe por el uso de la proporcionalidad y equilibrio de los elementos así como por su interés en reflejar en las obras artísticas las líneas de la figura humana a la perfección; tanto en el dibujo como en la escultura. El cuerpo humano para ellos es el fundamento esencial de toda belleza y toda proporción, A esta tendencia se le denomina Antropocentrismo.
Grecia, es una pequeña península situada al sureste de Europa. Nacieron aquí las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos que comienza aproximadamente en los siglos V y IV y florece y se desarrolla a plenitud entre los siglos VII y II antes de la era Cristiana; no sólo en Grecia, sino también en otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos.
Aunque su arte se apoya en la naturaleza, se manifiesta sin embargo representando una visión edulcorada de la misma; tendiendo a la creación de un mundo idealizado donde la sencillez, la proporción, el ritmo, la claridad y la unidad conceptual de la obra dominan todas sus formas artísticas.
No es que los griegos no estuvieran interesados en la realidad circundante, en la vida social y política, es solo que representaban esta atreves de la visión e imaginación del artista y de los patrones estéticos de la época que respondían conceptualmente a representar el medio circundante y la imagen del hombre con esa idealización.
Desde su periodo arcaico en que las figuras se representan estáticas, frontales, con una típica sonrisa y ojos almendrados hasta el periodo clásico con el refinamiento estético y detallado realismo, desarrollan una búsqueda por encontrar su propia estética personal, por alcanzar la superación artística. Ellos estudian la naturaleza circundante y el hombre como centro de esa realidad.
Un ejemplo claro de cómo idealizaron la representación de la figura humana lo tenemos en el gusto que desarrollaron por el atletismo, el cual sirvió de inspiración a los Griegos y fue muy cultivado por estos. Este deporte que desarrollaba en los atletas cuerpos perfectos, brindó a los artistas sus mejores modelos. Fascinados por la sinuosidad de las formas del cuerpo humano, logran ya en la etapa clásica dominio fenomenal del conocimiento de la anatomía, lo que les permite representar las formas y curvaturas del cuerpo con gran detalle y realismo.
Apoyándose en nuevas técnicas lograron dotar las obras escultóricas de impresionante fuerza dramática, sensación de movimiento y contorsiones; que apoyaban la representación de esas acciones y emociones.
Fabulosas obras escultóricas de la primera etapa clásica nos muestran el realismo y maestría alcanzados, como por ejemplo: el «Discóbolo», realizado por el artista Miron y en la última etapa clásica «El Fauno Barberini» (de un realismo extremo), o la fabulosa representación de la escultura «Victoria de Samotracia»; que con las alas desplegadas y el cuerpo hacia adelante desafía al viento, mostrando gran maestría en el estudio de los ropajes, representados en esta etapa con increíble detalle y naturalidad.
La escultura en el arte griego se explican en un artículo del blog donde se resume esta información más detallada y asi entender la magnitud e importancia que tuvo para ellos este concepto de proporción, idealismo y belleza pura de las formas.
«El Discóbolo» del artista de la etapa clásica, Miron.
Características fundamentales del arte griego:
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Florecimiento de un idealismo estético que busca representar una visión idílica de la belleza.
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Representación de la proporcionalidad y el equilibrio en las obras de arte que contribuyan a destacar su concepto de la perfección estética.
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No tiene carácter práctico y realista sino decorativo.
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Preocupación por representar una visión idílica y perfecta de la belleza del cuerpo humano.
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Representación de la naturaleza y el mundo circundante con realismo y detalle pero con una visión idealizada de estos.
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No busca este arte griego ser instrumento de propaganda sino solo vehículo de placer estético.
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Utilizan la racionalidad de las medidas matemáticas para representar la proporción ideal en las obras de arte.
Visiten los siguientes link para conocer en específico el resumen sobre cada una de las manifestaciones artísticas en Grecia en la antiguedad.
Pintura Griega en la Antigüedad.
Filosofía de la antigua cultura fenicia.
La filosofía de los Fenicios era muy interesante. Les puedo aportar algunos datos que en mi opinión los distinguía de otros pueblos contemporáneos con ellos.
Su estilo de vida giraba en torno al mar, aunque eran respetuosos de sus dioses, (tenían varios vinculados a los elementos el agua, el fuego etc. Los fenicios no construyeron grandes templos como los Asirios, Egipcios, Babilonios.
Su filosofía de vida estaba mas basada en el aquí y el ahora, muy focalizada en la naturaleza que les proveían los medios de subsistencia.
Sus asentamientos eran costeros construidos con materiales perecederos las casas y permanecían largas jornadas en el mar.
Adaptaban su existencia a los requerimientos del comercio, por lo que su arte adopta los gustos de sus clientes en cuanto a técnicas, formas y diseños.
Su filosofía de vida estaba marcada por su estilo de vida en el día a día, navegando, comercializando, produciendo mercancías, no como por ejemplo los egipcios, que eran mas focalizados en la vida después de la muerte terrenal y cuyos asentamientos eran mas estacionarios.
Los fenicios valoraba la honestidad en los trueques comerciales, se esforzaban por satisfacer a su clientela, aún si tenían que copiar elementos artísticos de esas culturas que resultaban placenteras para sus clientes.
Por eso algunos estudios han señalado que ellos no tenían una cultura y elementos artísticos propios, pero en mi opinión si los tenían, solo que escogieron satisfacer los gustos de sus clientes griegos, asirios y del Mediterráneo con elementos que estaban probados por la demanda y el comercio que serían un éxito seguro.
Los conocimientos de los Fenicios provenían de la amalgama que iban absorbiendo de otros pueblos con los que comercializaban y de mucha intuición natural, que los ayudo a ser expertos navegantes y crear invenciones practicas en función de su estilo de vida.
Así por ejemplo en sus esculturas, cerámicas, joyas y objetos de metal, predominaban las influencias egipcias, con elementos asirios, en un primer período que fue evolucionando.
Pintura Barroca. Países, escuelas de pintura y pintores mas destacados de América Latina y el Caribe.
Transfiguration of Jesus. 1683 Cristobal Villalpando. Pintor Mexicano.
Brasil.
En Brasil varios pintores y escultores influenciados por los pintores portugueses desarrollan un arte propio que a partir de las influencias europeas toma un curso diferente asociado con la idiosincrasia de esta vibrante y particular región.
En la rica y productiva ciudad de Minas Gerais en el siglo XVIII un apogeo en las artes y la cultura dan pie a que destaquen pintores tales como:
Antonio Francisco Lisboa (1730-1814) arquitecto, pintor y escultor barroco conocido como Alejandrino, fue contratado para decorar iglesias. Sus obras, con marcado carácter religioso, fueron hechas en madera y esteatita y pintadas posteriormente, esos eran los principales materiales utilizados por los artistas barrocos de Brasil. Entre las obras de Antonio Francisco Lisboa encontramos la de “Los doce profetas” y “Los pasos de la pasión”, en la iglesia de “Jesus de Matozinhos” ubicada en “Congonhas do Campo”.
Aleijadinho- grupo escultorico en madera pintada.
Manuel da Costa Ataíde ( 1762- 1830)
También de Minas Gerais, conocido por Mestre Ataide. Fue un destacado pintor el cual tuvo una gran influencia en numerosos estudiantes y pintores seguidores de su estilo pictórico en su región; incluso hasta mediados del siglo XIX, los cuales utilizaban su método de composición, especialmente en lo que respecta al tratamiento de la perspectiva en el techo de las iglesias.
«La Ultima Cena». Mestre Ataide. Pintor de Brasil.
Eusébio de Matos Guerra (1629 y 1692), Nacido en Salvador, Bahía, fue uno de los mas famosos y mejores pintores del periodo barroco de Brasil. es considerado como fundador de la escuela de pintura de Bahía.
Eusebio de Matos Guerra.
Francisco de Paula Jesuino Gusmão,1764-1819, sacerdote carmelita, nacido en Sao Paulo y conocido también por su nombre religioso Fray del monte Carmelo. Destacado como pintor, poeta, arquitecto, escultor, dorador, tallista, maestro de torêutica y músico brasileño.
«La Virgen». Jesuino de Monte Carmelo.
José Teófilo de Jesús, (1758-1847) Brasil. De la escuela de pintura de Bahía, pintor Barroco Decorador que destaco por el uso de la luz y contrastes con maestría. El enfatizaba el dramatismo con una paleta que usaba extremos entre colores oscuros y pasteles en sus escenas para destacar las figuras principales, dotando a las mismas con sensación de dinamismo teatral no obstante a ser representadas las mismas idealizadas y etéricas.
Su trabajo es ecléctico y se caracteriza por ilustrar en sus obras elementos que señalan la transición del barroco al Rococó, utiliza algunos rasgos del dibujo neoclásico, adaptando con creatividad un patrimonio estético importado en un nuevo contexto, que derivo en un lenguaje típicamente brasileño.
Realizo temas profanos también en un contexto donde la tradición religiosa tuvo gran peso. Su producción es al parecer enorme, pero un buen número de las obras que se identifican con su nombre tienen esta atribución sostenida sólo por tradición oral. A pesar de ser reconocido por los expertos como uno de los grandes nombres del Barroco brasileño, uno de los últimos grandes, los aspectos de su vida y jornada artística sigue estando lleno de lagunas e incertidumbres.
«Muerte de Lucrecia.» José Teófilo de Jesús
Escuela Cuzqueña en la pintura barroca.
La Escuela Cuzqueña fue una célebre escuela de pintura surgida en la ciudad virreinal del Cuzco alrededor del 1583, en el suroeste del Perú, esta escuela, quizás la más importante de la América colonial española, se caracteriza por su originalidad resultado de la confluencia de dos corrientes poderosas: la tradición artística occidental, por un lado, y el afán de los pintores indios y mestizos de expresar su realidad y su visión singular del mundo, visto atreves de costumbres regionales y particular idiosincrasia, con raíces antiguas plenas de sabiduría ancestral.
También se pintan las vírgenes triangulares (sincretismo del culto a la virgen María y la “Pacha Mama”).
El Virreinato del Perú en la zona del Cuzco (Una entidad territorial creada por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX), abarcó gran parte del territorio de Sudamérica, incluida Panamá. Fuera de su dominio estaban: Venezuela y Brasil, que pertenecían a Portugal.
La región que rodea el lago Titicaca fue protagonista de un estilo particular de decoración con “Los ángeles arcabuceros” (Se trata de ángeles asexuados que se encuentran vestidos con ropas de soldado y armados de un arcabuz). Integran un estilo pictórico estrictamente americano que se desarrolló en el Marquesado de Ya vi en la puna de Jujuy, por entonces perteneciente a la provincia del Tucumán, siendo su maestro Mateo Pisarro.
Angeles Arcabuceros. Escuela Cuzqueña.
El barroco en la pintura Cuzqueña en el siglo XVII tuvo la influencia de la corriente del tenebrismo a través de la obra del pintor español Francisco de Zurbarán y también de la inspiración de grabados con arte flamenco provenientes de Amberes, pero la creciente actividad de pintores indios y mestizos hacia fines del siglo XVII, hace que el término de Escuela Cuzqueña se ajuste más estrictamente a esta producción artística que sale de manos de artistas locales y se aleja de la influencia inicial de las corrientes predominantes en el arte europeo.
La pintura anónima Nuestra Señora de Cocharcas bajo el baldaquín (Escuela de Cuzco, Perú), 1765, óleo sobre lienzo, que se expone en el Museo Brooklyn es una muestra de las adaptaciones autóctona a los temas religiosos.
Nuestra Señora de Cocharcas bajo el baldaquín (Escuela de Cuzco, Perú), 1765.
Los artistas de esta escuela se interesan por asuntos costumbristas como, por ejemplo, la procesión del Corpus Cristi, y por representar la flora y la fauna andinas. Aparecen, asimismo, una serie de retratos de caciques indios, con sus atributos autóctonos llenos de colorido y cuadros genealógicos y heráldicos.
En cuanto al tratamiento técnico, se observa un alejamiento de la perspectiva, sumado a una forma novedosa de particionar el espacio en varios espacios concurrentes o en escenas compartimentadas. Nuevas soluciones cromáticas, con la predilección por los colores intensos, son otro rasgo típico del naciente estilo pictórico.
A fines del siglo XVII, específicamente, en 1688 se produce una desunión en el gremio de pintores que termina con el apartamiento de los pintores indios y mestizos de sus colegas españoles. A partir de este momento, libres de las imposiciones del gremio, los artistas indios y mestizos se guían por su propia sensibilidad y trasladan al lienzo su mentalidad y su manera vernácula de concebir el mundo. Temas de genero, del diario vivir se desarrollan junto con la tradicional pintura religiosa; pero esta ultima es dotada de elementos autóctonos y sincretismo religioso local en forma mas marcada.
Correspondiente a esta etapa luego de la ruptura están los pintores nativos Antonio Sinchi Roca, con la serie de evangelistas y profetas sobre los pilares de la Catedral. Otro maestro indígena, fue Francisco Chihuantito con una obra firmada: «La Virgen de Montserrat».
Francisco Chihuantito. La Virgen de Monserrat
La serie más famosa de la que hoy se conoce como Escuela Cuzqueña es, sin duda, la de los dieciséis cuadros del Corpus Cristi, que originalmente estuvieron en la iglesia de Santa Ana. Esta serie tiene un enorme valor histórico y etnográfico, pues muestra en detalle los diversos estratos sociales del Cuzco colonial, así como gran cantidad de otros elementos de una fiesta que ya entonces era central en la vida de la ciudad.
Cada cuadro Representan elementos de una procesión. Para algunos historiadores el autor de esta serie podría ser el pintor Basilio Santa Cruz Puma Callao o puede que fuera Diego Quispe Tito. (1611-1681) o provenir al menos de sus talleres. Ambos pintores fueron de gran importancia en el arte de la Escuela Cuzqueña.
La Procesión del Corpus Cristi». Basilio de Santa Cruz Puma Callao.
Estos lienzos fueron encargados por el Obispo Mollinedo para la iglesia de indios de Santa Ana en Cuzco (Perú) y estuvo financiada por nobles incas quienes están representados con todas sus dignidades en algunos cuadros de la serie por ser los donantes.
«La vision de la Cruz». Diego Quispe. Tito.
El primer artista cuya personalidad se conoce en el siglo XVIII, es Basilio Pacheco. Este autor realizó los lienzos de la vida de San Agustín en el claustro del Convento de San Agustín en Lima y un cuadro importante “La circuncisión” en la que emplea marcada alegoría a la pintura del renacimiento con la arquitectura representada en el fondo de la escena.
«La Circuncisión». Basilio Pacheco.
El otro artista importante de ese siglo XVIII es Marcos Zapata que esta considerado como el ultimo de los representantes de esta escuela Cuzqueña. Su producción pictórica, que abarca más de 200 cuadros, se extiende entre 1748 y 1764. Sus obras conservan aun la tendencia barroca teatral y expresiva de sentimientos, pero afloran elementos que hacen referencia a las nuevas tendencias e influencias de su época.
En el cuadro de «La Visitación» de Marcos Zapata, se puede apreciar la claridad escenográfica, el movimiento de las personajes, la ligereza de las túnicas y mantos, la iluminación brillante de la atmósfera en el cuadro, donde predominan los colores pasteles. Lo mejor de su obra son los cincuenta lienzos de gran tamaño que cubren los arcos altos de la catedral del Cuzco y que se caracterizan por la abundancia de flora y fauna como elemento decorativo.
‘La Ultima Cena». Marcos Zapata.
Algunos seguidores de Marcos Zapata fueron los pintores: Cipriano Gutiérrez, Antonio Vilca e Ignacio Chacón.
Guatemala.
En Guatemala en la ciudad de Santiago de Los caballeros surgen talleres especializados en los que los artistas tomando la obra del escultor en madera en crudo (sin pintar) hacen lo que se llama el encarnado, otros especializados en el “estofado” y el dorado a fuego. El resultado es un acabado de filigrana en capas ornamentados con bellos motivos florales, típicos de esta región.
La escultura barroca guatemalteca ha sido por mucho tiempo ávidamente favorecida por entusiastas coleccionistas, que buscaban sobre todo las piezas de culto doméstico debido a sus pequeñas dimensiones y fácil transportación, aunque también solicitaban mucho las esculturas sacras de mayor tamaño para decorar iglesias, siendo estas del tipo estofadas, de vestir o bastidor.
Muchas obras se perdieron debido a muy diversos actos de vandalismo artístico y cultural o trágica adversidad como el incendio que en 1993, consumió 64 obras de arte en el templo de El Carmen en San Cristóbal de Las Casas, antiguamente conocida como “Ciudad Real”.
Desde el siglo XVII, este país contó con un destacado acerbo artístico que en parte, ha sobrevivido hasta nuestros días. Pero entre las que desafortunadamente se perdieron en el incendio, estaba una bella escultura que representa a San Sebastián que fue realizada por el artista Juan de Chávez así como otros magnificas obras de artistas barrocos locales que realizaron sus obras entre el siglo XVII y XVIII. La escultura religiosa básicamente era anónima hecha por artistas artesanos y no estaban firmadas o se cuenta con la necesaria documentación salvo en contados casos.
Entre los artesanos artistas nativos de Guatemala se encuentran:
– Anton Rodas.
– Quirio Cataño.
– Alonso de la Paz y Toledo.
– Juan de Chávez.
– Mateo de Zúñiga.
Señor de Esquipulas. Guatemala. Por el escultor y pintor Quirio Cataño.
México
Las apariciones marianas y advocación en el México colonial fueron ampliamente representados, en un momento cuando muchos criollos de élite; españoles nacidos en América defendían sus identidades locales y la grandeza de la nueva España.
Cristóbal de Villalpando (1649 – 20 agosto 1714) Fue un artista del barroco nacido en la Ciudad de México que fue administrador de Artes y capitán de la guardia. Con una basta cantidad de obras barrocas, situadas ahora en varias catedrales mexicanas, incluyendo las catedrales en Querétaro y ciudad de México, así como una representación del Zócalo (plaza principal) en la ciudad de México, mostrando el daño del motín de 1692 al Palacio virreinal tres años antes.
«La Purisima Concepcion.» Cristóbal de Villalpando.
Su estilo derivo yendo lejos de los extremos de color vivo y excesiva robustez de su inicial influencia de Rubens hacia un estilo más mesurado, utilizando una amplia paleta de colores e incorporando más de las tradiciones de pintura del nuevo mundo, pasando de su anterior uso de luminosidad uniforme a emplear mayor contrastes e interesantes fuentes de luz artificiales dentro de sus cuadros con el fin de añadir un toque de drama. Fue un pintor muy reconocido e imitado.
«La Anunciacion». Cristobal de Villalpando.
Entre los pintores más importantes del XVII en México podemos citar a Baltasar Echave Rioja, pintor mexicano (hijo del pintor Baltazar Echave Ibía (1584-1640) y la hija del también pintor Francisco de Zumaya, llamada Isabel Ibía. Echave Rioja fue seguidor de Murillo y Rubens aunque en su etapa mas temprana ya que su estilo cambio con el tiempo; el pintó, por sólo citar un par de sus obras, “El Martirio de San Pedro de Arbués” que le solicitó el Santo Oficio y “Los Tributos de la Eucaristía, la fe y la Iglesia”.
Entierro de Cristo. Baltazar Echave Rioja.
Su padre Baltazar de Echave Ibía introdujo en su obra aspectos novedosos que son ya mas barrocos, donde utiliza ya los tonos azules de una forma magistral por lo que se le conoce como “El Echave de los Azules”. Represento en sus escenas su versión de como el veía los paisajes alegóricos a las escena bíblicas que se distancian de la forma europea, siendo paisajes que se corresponden mas con los colores y flora del nuevo mundo del virreinato de nueva España (México). Un bello ejemplo es su cuadro de pequeño formato realizado en oleo sobre cobre, donde representa una secuencia historiada que conduce al encuentro de dos ermitaños; San Pablo y San Antonio, realizada en 1620.
«Los Ermitaños» Baltazar Echave Ibia.
Andrés de la Concha,(1568-1612), pintor español con abundantes obras fundamentalmente con la temática religiosa que desarrollo para decoración de catedrales en México cuando se traslado a este país en 1568. Considerado uno de los mejores pintores de la región del llamado nuevo mundo. Entre sus obras destacan “Santa Cecilia” un oleo sobre madera realizado con gran maestría y su versión de la sagrada familia y San Juan en el que sus cualidades como dibujante y la luminosidad en la composición contribuyen a comunicar el mensaje de nobleza en la divinidad maternal de la virgen Maria y su hijo.
«Santa Cecilia» Andres de la Concha.
Miguel Cabrera pintor mexicano que fue uno de los más célebres y prolíficos artistas del México virreinal en el siglo XVIII:
Su pintura incluye representaciones de casta y los retratos a grandes retablos religiosos y pequeños cuadros de devoción. En su famoso cuadro de la Virgen del Apocalipsis de 1760 Cabrera representa una versión mas suave, plena de alegorías al vencimiento de la cristiandad sobre las religiones indígenas. Cabrera y otros artistas en su taller produjeron muchas obras de arte religioso y seculares. Por ejemplo, realizó numerosas versiones de la Virgen de Guadalupe, una imagen milagrosa de la Virgen María que apareció en México en 1531 a un hombre indígena (Juan Diego).
«La Virgen del Apocalipse» Miguel Cabrera 1760.
Juan Correa, Pintó muchas pinturas con temas religiosos, en el estilo barroco para las catedrales de Mexico. El trabajó intensamente entre 1671 a 1716 y alcanzó gran prestigio y fama por la calidad de su dibujo y las dimensión gigantes de algunas de sus obras. Entre las más conocidos: Apocalipsis en la Catedral de México, La conversión de Santa María Magdalena, hoy en la Pinacoteca Virreinal y Santa Catarina y Adán y Eva arrojados del paraíso este último en el Museo del Virreinato de Tepoztlán.
» Las Cuatro Partes del Mundo» Juan Correa.
Otros pintores regionales mexicanos Barrocos importantes de este siglo fueron:
Rodrigo de la Piedra, Jose de Páez, Antonio de Santander, Jose de Ibarra, Miguel Pacheco, Bernardino Polo, Juan de Villalobos, Juan Salguero, Juan de Herrera y José de Juárez (de la primera mitad del siglo XVII), que fue otro de los artistas de gran notoriedad en aquel periodo.
Ecuador.
En Ecuador destaca la llamada Escuela Quiteña, en la que esculturas pintadas con gran maestría resultan fundamentales en los conjuntos religiosos para educar a los feligreses por su gran impacto dramático con su técnica de encarnado (como se llama en pintura y escultura a la simulación del color de la carne del cuerpo humano) que da una apariencia más natural a la piel del rostro de las esculturas. una vez que la pieza estaba tallada y perfectamente lijada. La escuela Quiteña recibe influencias de pintores y escultores españoles pero también flamencos, italianos y moriscos. Esta escuela se caracterizo por recrear pasajes bíblicos, escenas religiosas ocurridas en territorio americano como por ejemplo; milagros de aparición, la virgen, santos y mártires asociados al proceso de evangelización de las colonias.
Un bello ejemplo lo constituye la representación escultórica de la Virgen de Quito, escultura mas famosa de Bernardo de Legarda, en el siglo XVII.
Los personajes, tienen en muchos casos rasgos mestizos y atuendos locales y se hacen referencia con frecuencia a costumbres ancestrales aborígenes. Se representa la fauna local (llamas en lugar de camellos y caballos; cuy en sustitución del Cordero Pascual; monos, zarigüeyas, tapires, felinos, junto con los clásicos borregos de los pastores, etc.), y la flora nativa se descubre en guirnaldas, bordados, incrustaciones, platería, tallas, etc.)
La alusión a plantas vernáculas se utilizan sustituyendo las de la iconografía tradicional europea; en escultura y pintura hay presencia de personajes y costumbres propios del medio; ejecutados por artesanos locales. Tendencia proclive a la «naturalización» de los santos europeos. Las escenas se ubican en un ambiente propio del paisaje andino, de sus ciudades, de su arquitectura.
Miguel de Santiago. Este pintor nacido en (Quito, Circa 1620-1633 – ib ídem, 5 de enero de 1706) en la colonia de la Real Audiencia de Quito (actual Ecuador), fue un destacado exponente de la Escuela Quiteña del siglo XVII. En su obra, considerada una de las más extensas y complejas del barroco americano, Miguel de Santiago representa la forma en que se en forzaba la doctrina religiosa de la época en la que vivió, representando los mandamientos, sacramentos, vicios y virtudes relacionados al mundo cristiano y su iconografía. Tanto el como otros artistas barrocos de América relacionaron hábilmente el espacio empleado por su trabajo pictórico; con los espacios arquitectónicos donde se exponía su pintura, así como con el adoctrinamiento de la iglesia católica, de modo que era asequible para el entendimiento del público medianamente conocedor y aquellos que iniciaban en los caminos de la fe. En la Virgen alada una hermosa pintura de Miguel de Santiago se aprecian los elementos de flora y “atmósferas” locales.
Virgen Alada del Apocalipse. Miguel de Santiago.
De los pintores de esta Escuela Quiteña en el siglo XVII destacan Hernando de la Cruz. nacido como Fernando de Ribera (1592- 1646) de origen panama – ecuatoriano. fue un pintor, poeta y religioso jesuita muy devoto que enseñó pintura a numerosos jóvenes laicos españoles, criollos e indios ansiosos de aprender este arte de la pintura. El realiza dos lienzos de gran tamaño «El Infierno» y «El juicio final» con temas efectistas dirigidos a un público creyente y temeroso. Así como tambien el que se muestra de San Francisco Javier predicando.
San Francisco Javier predicando. Por el pintor Hernando de La Cruz.
Entre sus alumnos estaban Miguel de Santiago y su hija Isabel de Santiago (también pintora).
Arcangel Gabriel realizado por Isabel Santiago hija del pintor Jose Santiago.
Nicolás Javier Goribar. Los jesuitas le encargaron a Goríbar una serie de dieciséis cuadros de los profetas de la Biblia para alojarlos en los pilares de la nave central; esta colección, llamada simplemente «Los Profetas», se convirtió en su primer gran trabajo, y también uno de los más célebres. En la imagen se aprecia el cuadro de uno de los profetas.
El Profeta Haboc. Nicolás Javier de Goríbar. Siglo XVII.
De los pintores del siglo XVIII de esta Escuela Quiteña se encuentran:
Manuel de Samaniego (pintura)
Vicente Albán (pintura)
Francisco Albán (pintura)
Sor María Estefanía Dávalos y Maldonado (pintura y escultura)
Bernardo Rodríguez (pintura)
Laureano Dávila (pintura)
Fray Juan Albán (dibujo)
Cuba
En la región del Caribe se destaca el pintor cubano:
José Nicolás de Escalera.(1734 – 1804) especializado en escenas religiosas y retratos. Se denomina frecuentemente como el primer pintor cubano, el primero de los artistas nativos que dejo obras firmadas.
De Escalera nació en San Cristóbal de la Habana de padre andaluz y madre de origen creole, el 08 de septiembre de 1734. Es poco lo que se sabe de su formación artística; él parece haber tenido influencia la de la escuela de andaluza del siglo XVIII, especialmente de las pinturas de Bartolomé Esteban Murillo.
La mayor parte del trabajo de Escalera es religioso en naturaleza. Es conocido sobre todo por los oleos que adornan la cúpula de la iglesia de Santa María del Rosario, levantada por los Condes de Bayona desde 1760-1766. También se le atribuyen a él las obras que ejecutó en el convento de San Francisco en la Habana (Regina Angelorum) y la iglesia de nuestra Señora de la Candelaria en Guanabacoa (San José con el niño dormido y la coronación de la Virgen por la Santísima Trinidad).
«La Santísima Trinidad». Jose Nicolas de Escalera. Pintor Cubano
Escalera de vez en cuando hizo retratos, como la pintura de Luis Vicente de Velasco e Isla, un héroe naval español. Esto fue ofrecida al Rey Carlos III en 1763 y permanece en la colección del Museo Naval de Madrid. Tambien se muestra otro retrato de su auctorial de Ignacio María De Álava Y Saenz De Navarrete.
Retrato de Luis Vicente de Velasco. por Jose de Nicolas de la Escalera
Otra obra importante es La Santísima Trinidad (ca. 1770), realizada por José Nicolás de Escalera y que se encuentra en la Colección del Museo Nacional de Bellas Artes, la Habana, Cuba.
Retrato de Ignacio María De Álava Y Saenz De Navarrete.
Escalera es el primer artista cubano que ha representado esclavos, como se ve en su obra Santo Domingo predica la familia Bayona y Chacón en la iglesia de Santa María del Rosario.
Es probable que se viera como un artesano devoto que simplemente ejecutaba comisiones para los clientes en un estilo barroco popular y que no estaba especialmente preocupado por la originalidad; sin embargo, en algunas de sus obras, como la Virgen (1801), mostró destellos del naturalismo audaz y colorido que vendría un día a definir el arte cubano. Hay unos cincuenta ejemplos conocidos de su obra en colecciones en Cuba, España y Estados Unidos, muchos de los cuales pueden verse en el Museo Nacional de Bellas Artes en Cuba. Un puñado permanecen en las iglesias y las instituciones donde originalmente fueron pintados.
Otro de los pintores importantes del periodo colonial en esta isla de las Antillas es el pintor cubano nacido en La Habana, Vicente Escobar. (1762-1834), quien se trasladó a la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Allí, este mulato tuvo como maestro al pintor de cámara Salvador Maella. Escobar se ha reconocido como uno de los primeros artistas en levantar su propio taller y fue maestro de otros pintores como el también cubano Juan Del Rio, (1748- ?)
La Virgen del Rosario. pintor cubano Juan del Rio.
La pintura al óleo era el medio con predilección, utilizado por los artistas cubanos de la época para representar sus obras, cuya narrativa ademas de la religiosa, incluían también el tema de la esclavitud negra, la que fue contada e interpretada a través de la mano y la mirada particular de un amplio espectro de artistas antillanos. Vicente Escobar realiza numerosos retratos de familia y personajes por comisión.
Retrato de una dama joven. Vicente Escobar. 1797.
La producción artística caribeña habría de tener como firma, comenzando por Nicolas de Escalera y a través del tiempo, una paleta intensa de color derivada de la naturaleza caribeña, sus atmósferas de azul intenso, brillante sol y verdes con muy disimiles tonalidades, procedentes de una naturaleza diversa y colorida.
El sincretismo religioso se encuentra a todo lo largo de latino América y el Caribe y dio pie a ejemplos pictóricos singulares, donde las tradiciones fundidas representadas alientan la explosión de color típica de estas regiones; protagonistas y testigos de la simbiosis cultural.
Bolivia
Melchor Pérez de Holguín fue un pintor boliviano nacido en (Cochabamba, Virreinato del Perú, 1660–1732), considerado uno de los mejores artistas de la historia de Bolivia y de la pintura barroca española. Su obra se dedica a una Potosí creyente en milagros, donde el arte barroco se fundía con el carácter religioso español. La fe del pintor Pérez de Holguín y sus conocimientos de religión, combinados con ciertas creencias espirituales; consideradas entonces como herejías y cosas sobrenaturales produjeron obras originales en cuanto a los elementos que introduce.
Entrada del Virrey Arzobispo Morcillo en Potosi. por el pintor boliviano Melchor Perez Holguin.
Entre sus pinturas destacan: El Juicio Final (1706), Triunfo de la Iglesia (1708, parroquia de San Lorenzo, Potosí), Entrada del virrey Morcillo en Potosí (1718) San Mateo (1724), perteneciente a la serie de los evangelistas de la Casa de la Moneda de Bolivia; Virgen de la Merced, La peregrina, San Francisco de Asís (1693, Museo de la Casa de Moneda, Potosí) y San Pedro de Alcántara en éxtasis (1701, Museo Nacional de Arte).
Entrada del virrey arzobispo Morcillo en Potosí (1718). Museo de América, Madrid.
Aunque toda la obra de Pérez de Holguín se realizó en la Villa Imperial, algunas fuentes sostienen que pudo haber estudiado en Sevilla con Murillo y que recibió gran influencia de los grabados flamencos y del pintor Francisco de Zurbarán.
Colombia.
Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos también conocido como Gregorio Vázquez de Arce (Santafé, 9 de mayo de 1638–1711), fue el pintor más importante de la época colonial española en Colombia en el estilo barroco hispanoamericano que prosperó a partir de 1650 hasta 1750.
Vásquez ha sido considerado como el pintor más grande proveniente de Colombia. La mayoría de sus pinturas son religiosas en naturaleza, con temas que incluyen la vida de Cristo y de la Virgen, de los santos, y de las escenas del nuevo testamento.
«San Jose con el niño». por el pintor colombiano. Gregorio Vazquez de Arce
Puerto Rico.
Escenas religiosas así como de las murallas del Viejo San Juan fueron utilizadas por el pintor José Campeche y Jordán, ( 23 de diciembre 1751 – Noviembre 7, 1809) uno de los primeros artistas nativos de Puerto Rico en lo que se refiere a las artes visuales, quien con una amplia obra pictórica, realizo cuadros donde se aprecia su evolución desde la influencia barroca típica de la época; donde plasma un contraste entre lo celestial y terrenal, hasta obras que poseen ya características Rococó, estilo en el cual destaco marcadamente posteriormente, por lo que se le considera uno de los mejores pintores Rococó del genero en América. El destaca por la expresión de a paisajes de la isla Puerto Rico en todas sus pinturas.
«San Juan Nepomuceno. 1798. por el pintor de Puerto Rico. Jose Campeche
Barroco. Pintura en el Sur de América y el Caribe. Características generales.
«La Virgen». por Jose Nicolas de Escalera. pintor cubano.
La fuerza dramática y narrativa del Estilo Barroco es asimilada por pintores desde mediados del siglo XVII hasta bien avanzado el siglo XVIII en el sur de América y las Islas del Caribe, ellos necesitaban complacer al público y a sus patrocinadores tanto eclesiásticos como laicos en esta región distante de Europa y el estilo barroco ofrece gran posibilidad de adaptabilidad, esta ventaja fue bien aprovechada por los pintores de la época.
Nota informativa.
En otro articulo por separado que le sigue a este, se abordara la pintura Barroca según las regiones y países, escuelas de pintura y pintores mas destacados de América Latina y el Caribe. La magnitud de la información hace necesario dividirla en estos dos artículos para su mejor comprensión.
En estas regiones occidentales inicialmente se recibían obras enviadas por pintores barrocos españoles, portugueses y flamencos que servían bien al mensaje de propaganda de la fe, así como también la presencia personal de algunos pintores que atraídos por el nuevo mundo se instalaron para trabajar en la decoración de catedrales y edificios oficiales.
Pero una vez asentados, los pintores comienzan a poner su propia impronta personal, escuchando lo que un público ciertamente diferente de la burguesía y realeza europea pedía de ellos y es así que en sus talleres enseñaron a los criollos sus técnicas de pintura que serian asimiladas por estos últimos, pero con la variante de que ellos introducen aun mas, elementos de su propia idiosincrasia local, reflejados en el sincretismo religioso, con modificación de rasgos en los personajes representados; según el aspecto racial de la región en que pintaban, así como la utilización de elementos alegóricos a la flora y fauna regional.
El estilo barroco se utilizó en altares de iglesias y catedrales en esas regiones de América cuyas obras, usualmente cuentan historias bíblicas y vidas de santos, lo cual fue de gran ayuda para ayudar a los frailes a enseñar la religión entre los nuevos convertidos a la fe católica. La religión dominaba la cotidianidad y por lo tanto, las artes.
Temas históricos se utilizan también en edificios públicos, así como retratos y en menor medida paisajes en las viviendas y palacetes de la burguesía criolla.
Adaptando estos artesanos y pintores atmósferas, paletas de colores, personajes y uso de la luz y contrastes en concordancia con las regiones en que desarrollaron sus obras en este basto continente, así como también en el caribe.
Los pintores españoles y portugueses fueron los que más influenciaron en América pero de otras escuelas de una forma u otra tomaron los pintores occidentales elementos y técnicas de pintores de renombre internacional, entre los que destacan Rubens y Caravaggio. Las atmósferas lúgubres, tenebrosas con grandes contrastes entre colores oscuros y claros, son utilizadas inicialmente, pero paulatinamente sustituidas por escenas luminosas, colores claros así como paletas más brillantes con colores saturados e intensos, acorde con la luz brillante natural de las regiones de América y el Caribe.
Lo vernáculo en estas pinturas occidentales son como un asomo próximo y humano a la época, sus intrigas, vida cotidiana, tradiciones y folclor, ya que; aunque el principal patrocinador y cliente lo constituye la iglesia, los temas seculares del diario vivir se tratan también, sobre todo en los retratos. Las temáticas más utilizadas son el cuadro religioso de influencia española, sobre todo de la escuela sevillana. El retrato oficial es tratado con las características usuales de este asunto en toda Latinoamérica y el Caribe, donde el Gobernador, el Obispo o el Señor principal se hacen retratar en “pose oficial” con sus escudos y parafernalia de símbolos. Retratos de miembros de familias portentosas por comisión, se hicieron también en esta época barroca.
En el siglo XVII, los criollos que trabajaban la pintura y otras manifestaciones artísticas; aunque lo hacían en escuelas locales y nacionales donde aprendían, eran considerados como artesanos que trabajaban por un salario o comisión, muchas obras de la época permanecen sin identificar debido al carácter artesanal y anónimo con que se trataban las artes. Sumado a ello existía discriminación entre criollos y peninsulares en los cuales los pintores y artesanos nacidos en las colonias carecían del reconocimiento o incluso privilegios que los pintores y decoradores nacidos en España y resto de Europa tenían en las colonias.
Escuela Cuzqueña, autor anónimo. “Procesión de Cofradías” Incas de San Juan Bautista.
Ya para finales del siglo XVII los artistas artesanos se agrupan en gremios y los maestros pintores se hacen rodear de los “oficiales”, es decir los jóvenes aprendices a su servicio. Nuevos formatos de diferentes tamaños, más adaptables para embellecer casonas coloniales, sin tener que ser importados de Europa, son altamente cotizados por un público ávido de poseer estas obras y decorar sus estancias.
Cuando la fotografía no existía, la labor de estos artistas en varios continentes cumplió un cometido encomiable, plasmando un legado de historia y arte de esa época en sus obras.
«Doña María de los Dolores Gutiérrez del Mazo y Pérez» (ca. 1796). realizado por el pintor Jose Campeche.
Escenas costumbristas realizadas por pintores criollos reflejan tanto el sincretismo religioso como aspectos de la vida de la clase pobre, se representan tanto mestizos como población blanca y asiática. Muchas de las pinturas y bocetos realizados sobre todo a mediados y finales del siglo XVIII constituyen valiosos materiales de consulta por los que conocemos de ropajes, mobiliarios, carruajes y pompa tanto religiosa como secular, así como información respecto a lugares, edificios y otros valiosos datos, aunque desafortunadamente muchas valiosas obras se han perdido o se desconoce su paradero actual, alguna de las cuales solo se tienen referencias por litografías o documentos en archivos que las nombran. Sobre todo del periodo que corresponde al inicios del siglo XVII en que el barroco comenzó a tener influencia en la entonces naciente manifestación artística de las colonias.
Los miniaturistas también se anunciaban como retratistas, pues las miniaturas pictóricas, a pesar de ser retrato eran consideradas un género aparte; sus cultivadores eran muy solicitados y hay bellos ejemplares de esta especialidad donde lo vernáculo, el humor, drama y cotilleo secular nos muestran una sociedad que a pesar de los conflictos y vida austera, regidos por dogmas religiosos, aun baila, comercia y trabaja.
Las hijas del governador Ramón de Castro artista Jose Campeche. (1797)
En la zona del Caribe sobre todo en el siglo XVIII los grabados en blanco y negro nos dan referencias de las costumbres y tradiciones al tiempo que dejan ver la desigualdad de clases y la tenebrosa esclavitud en las colonias. La caricatura costumbrista hecha por estudiantes de arte y artesanos locales abordan estos temas con el característico exagerado drama escenográfico del barroco.
Detalle de «La Purísima Concepción». Artista Mexicano. Cristóbal de Villalpando
Los pintores preparaban sus colores en el taller aunque generalmente por ser un proceso tedioso y lento esa responsabilidad caía en los estudiantes. En las distintas colonias a lo largo de las Américas y El Caribe se contaba con varias casas de “mercerías” que, entre otras cosas, vendían los pigmentos. colorantes, resinas y aceites que provenían de España, Holanda e Inglaterra. Muy utilizados en la época eran el oro pimiento, el cardenillo, la gutagamba, el albayalde, el carmín, la ancorca, y otros cuyas sustancias eran mas locales obtenidos de flores y otras sustancias naturales.
Resumiendo las características del estilo Barroco en lo que se refiere a pintura, podemos decir que las escenas costumbristas realizadas por pintores criollos reflejan tanto el sincretismo religioso como aspectos de la vida de la clase pobre, en algunos casos mas dramáticos, como el de la pintura en el Caribe; la terrible esclavitud es reflejada valientemente aun y cuando son obras hechas por comisión; por lo general para decorar iglesias, palacetes y edificios públicos. La forma en que se representan las localidades regionales en cuanto a flora y fauna así como los personajes nativos, marcan una separación distintiva con las obra barrocas realizada en Europa.
Nota Informativa.
Como señalamos al principio de este articulo, en otro articulo por separado que le sigue a este, se abordara la pintura Barroca según las regiones y países, escuelas de pintura y pintores mas destacados de América Latina y el Caribe. La magnitud de la información hace necesario dividirla en estos dos artículos para su mejor comprensión.
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The Three Dancers. Minoan Culture
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