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El Renacimiento por periodos artísticos.


 

El Renacimiento por periodos artísticos.

 

LA CREACION DE ADAN. MIGUEL ANGEL BUONARROTTI. (1475-1564) Wikimedia Commons

LA CREACION DE ADAN. MIGUEL ANGEL BUONARROTTI. (1475-1564) Wikimedia Commons

 

 El Renacimiento temprano

 

El Renacimiento Temprano que abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 conto con muchos artistas, incluyendo arquitectos, pintores y escultores que fueron los impulsores iniciales de la reforma estilística. Estos artistas que empiezan a firmar sus obras abiertamente, se sienten altamente inspirados por los pintores de finales del periodo gótico cuyas obras venían mostrando el camino del nuevo pensamiento humanista en ciernes, como fue el caso de Van Eyck o los hermanos Limbourg.

 

Detalle de ilustracion del manuscrito Las Ricas Horas de Jean de Berre. Por los Hermanos Limbourg.

Detalle de ilustracion del manuscrito Las Ricas Horas de Jean de Berry. Por los Hermanos Limbourg.

 

El inicio del Renacimiento en la ciudad de Florencia en la Península Itálica, coincide con el periodo tardío del gótico en Europa. Las ciudades estado italianas se van sumando paulatinamente a esta corriente humanista y aunque en esta etapa temprana del Renacimiento aún perduran los elementos del gótico, los artistas se encaminan a la búsqueda de soluciones técnicas que les permitan representar sus obras con la nueva concepción estética.

Entre los artistas destacados es importante destacar a los artistas Filipo Brunelleschi. (1377-1446) y Tommaso di Ser Giovanni di Simone: (Masaccio) (1401-1428), quienes, el primero en arquitectura y el segundo en pintura marcaron hitos al encontrar soluciones prácticas a problemas técnicos en el arte que abrieron el camino a las posibilidades de expresión del renacer del hombre en la plástica y el arte en general.

El Renacimiento como estilo artístico y pensamiento filosófico tuvo que afrontar en un principio rehacías opiniones en su contra y fue acusado de ser el estilo de liberales y neopaganos, pero la intransigente persecución del fraile Dominicano Girolamo Savonarola (1452-1498) no pudo parar el progreso de la humanidad y la transformación del pensamiento del hombre.

 

Esculturas de DonatelloDonatello

Esculturas de Donatello

 

Al librarse de las ataduras de los gremios de artesanos y convertirse en particulares los artistas del primer periodo del renacimiento conforman sus obras basados en la tendencia humanista devota a la razón, e imprimen sus obras del clasicismo y la perfección propia del arte griego y romano en la antigüedad. El nuevo culto a la fama le propicia tener una clientela amplia que quiere ser inmortalizada en retratos o esculturas o que quieren mostrar sus respetos por las figuras exitosas y prominentes. Al mismo tiempo surten con bellos y valiosos objetos a la clase pudiente con obras para decorar sus palacios o centros sociales las cuales responden a su interés como clase opulenta deseosa de mostrar su riqueza y poder.

 

Renacimiento Temprano. La Primavera. Sandro Botticelli.

La Primavera. Sandro Botticelli.

 

Las obras en este periodo son por tanto detallistas, proporcionadas, medidas y apegadas a los dogmas del clasicismo griego y romano, pero poseen también el orgullo de un hombre exitoso que quiere platear su realidad tal como es y en ese sentido hay un despegue de la estética pura del idealismo griego y las obras se tornan realistas y muy pormenorizadas, como si fueran a cobrar vida ante los ojos del espectador. Los rasgos de los personajes son idénticos a los modelos, no importaba si estos eran feos o bonitos. Hasta el temperamento de los mismos o la emoción que estuviera siendo representada era indicado explícitamente para mejor comunicación con el espectador. No estaban exentas sin embargo en las obras de muchos de estos pintores, los signos velados o mensajes ocultos destinados a ser comprendidos por un público culto.

No eran personajes y escenas idealizadas y perfectas, sino realistas y perfectas. Muchos artistas se destacan por su talento y estilo propio lo que los sitúa como artistas prominentes y en demanda quienes se convertirán a su vez en maestros o mentores; como el propio Verrocchio quien fue maestro de Leonardo Da Vinci.

 

Pintores, escultores y arquitectos del renacimiento temprano.

He aquí algunos de los más importantes.

 

–       Filipo Brunelleschi. (1377-1446)

–       Donato di Niccolò di Betto Bardi. (Donatello) (1386- 1466)

–       Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Sandro Botticelli) (1445-1510)

–       Tommaso di Ser Giovanni di Simone: (Masaccio) (1401-1428)

–       Domenico de Ghirlandaio. (1449-1494)

–       Piero de la Francesca (1415-1492)

–       Andrea di Michelle di Francesco de’ Cioni. (Andrea Verrocchio)(1435-1488)

–       Lorenzo di Bartolo. (Lorenzo Ghiberti). (1378 -1455)

–       Agostino di Duccio. (1418-1481)

–       Fray Angélico (Fra. Giovanni di Fiesole (1395 -1455)

–       Paolo Uccello (1397-1475)

–       Alesso Baldovinetti (1425-1499)

–        Desiderio de Bartolomeo di Francesco detto Ferro (Desiderio da Settignano)1428-1464)

–       Lucca della Robia (1400-1482)

–       Domenico Veneziano (1410-1461)

–       Andrea Mantegna (1431-1506)

–       Antonio Rossellino. (1427-1479)

–       Bertoldo di Giovanni. (14   – 1491)

–       Antonio del Pollaiolo. (1433-1498)

–       Andrea del Castagno.(1423-1457)

 

 

El alto Renacimiento

 

Para el periodo DEL ALTO RENACIMIENTO aproximadamente entre 1475 y el 1525 el papado en Roma asume también el papel de mecenazgo. Luego de un periodo de titubeo en la que aun no aceptaban el cambio radical de pensamiento, la iglesia no tiene de otra que avenirse a buenos términos con esta imparable corriente humanista. Deseosa de contar con los servicios de prestigiosos artistas comisiona la decoración de salones en los edificios pontificios, otros edificios religiosos y monumentos funerarios a pintores y escultores importantes que representan la cúspide del talento artístico de la época, entre ellos: Miguel Ángel Buonarroti, Rafael, Leonardo Da Vinci y Tiziano.

Ellos realizaron obras comisionadas también por mecenas o figuras públicas importantes como los Medici que para entonces controlaban las finanzas italianas y cuya influencia se extendía por el resto de Europa. La estabilidad política que se estableció en diferentes regiones permitió que poderosas familias con gran poder adquisitivo actuaran como patronos de las artes, facilitando que las mismas florecieran.

 

Alto Renacimiento italiano. La Magdalena Penitente. Tiziano.

Alto Renacimiento italiano. La Magdalena Penitente. Tiziano.

 

El arte del renacimiento se expande por toda Europa en este periodo pero fundamentalmente se acoge muy bien en (Francia, Inglaterra, Alemania y la Península Ibérica). Responde este arte eficazmente a las necesidades de una sociedad burguesa en busca de rodearse de confort, con obras que expresaran su refinamiento y poder como clase ya instaurada.

Un interés grande por la naturaleza y el mundo animal se ilustran en los bocetos de artistas como Albrecht Dürer (Alberto Durero) (1471-1528), figura dominante del Renacimiento Alemán quien como científico represento los elementos de las figuras en detalle. Sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país como Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) y también en los artistas de los Países Bajos.

 

La Liebre. Alberto Durero. 1471-1528

La Liebre. Alberto Durero. (1471-1528 )Wikimedia Commons.

 

 

LA NINFA DE LA FUENTE. LUCAS CRANACH EL VIEJO. (1472-1553)

LA NINFA DE LA FUENTE. LUCAS CRANACH EL VIEJO. (1472-1553) Wikimedia Commons.

 

Figuras de héroes y leyendas son reanimadas con viveza y tangible cercanía en obras de indudable talento, las que parece como si fueran a cobrar movimiento. En ellas la figura humana; como en el caso del David de Miguel Ángel (hecho a tamaño natural), expresan el detallado estudio de las formas del cuerpo, sus curvas, las venas, la flexión natural de piernas y caderas. Miguel Ángel logra representar la acción, el dramatismo del momento.

 

Michelangelo

 

El fue además el autor de la decoración de la bóveda de la capilla Sixtina y en esta excelsa creación refleja sus conocimientos del cuerpo humano tal y como lo hiciera cuando esculpía. Fue Miguel Ángel Buonarroti el primer pintor que logró representar este capítulo de la biblia sobre la creación con realismo y detallado trabajo, enteramente a base de las poses, dramáticos gestos y expresiones del rostro de las figuras, que transmiten el mensaje del caótico desasosiego ante el juicio final.

 

En este periodo santos, vírgenes y apóstoles son dotados en las obras artísticas de una dignidad y nobleza que se expresa en sus humanizadas figuras, que se representan con los cánones clásicos de belleza pero lejos de estar totalmente idealizados se representan naturales, cercanos y realistas.

Filósofos clásicos conversan dentro de la composición de Rafael en su obra “La escuela de Filosofía” rodeados de personalidades de la época renacentista, en donde la ilusión espacial que representa muestra una profundidad tridimensional sorprendente. La suavidad de los rostros de sus vírgenes y retrato de personalidades parecen hechos sin esfuerzo, cuando en realidad un dominio increíble de la técnica y gran capacidad de trabajo nos regalan en sus suaves y dulces figuras un verdadero y emotivo deleite visual donde la luz es la verdadera protagonista.

 

 

Rafael

 

Leonardo Da Vinci con su constante experimentación, estudio el comportamiento de los pigmentos y adhesivos para pintar, termino pocas obras enteramente pero en las que se preservan se observa la excelsa pulcritud del dibujo y la maestría del uso del color, habilidad que demostró gracias al compendio de conocimientos que poseía sobre muchos aspectos científicos. Su utilización de la perspectiva aérea y la creación del llamado Esfumado lo sitúan como uno de los grandes genios de la pintura del renacimiento.

 

Leonardo Da Vinci

 

Otro destacado artista de este periodo fue Tiziano Vecellio en cuya obra logra representar a través del patetismo del color, el control sobre las luces y sombras, con su estilo arrebatado y dinámico mueve emocionalmente al espectador de forma impactante. Su estilo rebuscado, con el que influencio otros pintores de la época sentó las bases de lo que sería el estilo Manierista en el siglo XVI.

Giorgione crea atmósferas muy particulares y realistas donde la naturaleza representada parece latir con cálida vida, sus temas presentan vaguedad en el asunto tratado por lo que sus composiciones se prestan a numerosas interpretaciones . Los colores difuminados de los fondos aportan dramatismo a la escena representada.

 

 

Giorgione

 

Lucca Signorelli

Luca d’Egidio di Ventura de Signorelli conocido como Luca Signorelli o Luca da Signorelli (1450? -1523 ) fue un pintor cuatrocentista italiano nacido en La región de La Cortana. El fue uno de los grandes maestros de la llamada Escuela de Umbría. De su maestro Piero de La Francesca aprendió sobre un adecuado tratamiento de la perspectiva. Tenia gran capacidad para plasmar dinamismo en sus figuras, lo que desarrollo estando en Florencia al ser influenciado por los pintores de esa prolífica y artística ciudad por lo que se considera que su estilo particular esta más relacionado con Florencia que con la Escuela Umbría.

La libertad en el modo para tratar los temas, la especial utilización de los efectos lumínicos así como el dramatismo de muchas de sus composiciones le confieren a su obra un elevado valor dentro del Renacimiento. Gran dominio del dibujo que genera composiciones claras y definidas aun cuando utiliza muchos personajes en ella.

Es en Orvieto donde produjo su obra maestra, los frescos en la capilla de S. Brizio (entonces llamada la Cappella Nuova), en la catedral las pinturas de Signorelli en las bóvedas y en las paredes superiores representan los acontecimientos referidos al Apocalipsis y el Juicio Final; con un dramatismo tal, que es realmente muy impactantes. Están inspirados en la Divina Comedia de Dante y los realizó entre 1499 y 1502, poseen una cruda y directa sus pinturas de ángeles músicos y su uso de la perspectiva.
expresividad, con una complejidad iconográfica inusual para la época.

 

Luca Signorelli. Fresco en la catedral de Orvieto (1499-1505).

Luca Signorelli. Fresco en la Catedral de Orvieto. (1499-1505)

 

Michelozzo degli Ambrogi.

Fue más conocido como Melozzo da Forlí ciudad Italiana donde nació. (1438 -1494) fue un artista famoso por sus pinturas de ángeles músicos y por el uso cuidadoso de la perspectiva, desarrollando posteriormente también afición por la representación arquitectónica en sus pinturas, donde la perspectiva que emplea crea espacios muy acertadamente representados.

El decoró a pedido de Sixto VI la biblioteca Vaticana con un excelente fresco que se conserva aun hoy en día en los Museos Vaticanos. Este fresco nombrado “Sixto IV nombra a Bartolomeo Platina Prefecto de la Biblioteca Vaticana” lo pinto en 1477 y es considerada su obra maestra por el sobresaliente uso de la perspectiva arquitectónica de la escena, como habíamos señalado y la configuración del conjunto que inducen al espectador a imaginar que el espacio se adentra hasta un fondo con ventanales lejos de los personajes del frente del fresco.

Sus principales seguidores fueron Marco Palmezzano, Lorenzo da Viterbo y Antoniazzo Romano, pero su estilo influyó notablemente a muchos pintores, como Donato Bramante.

 

Melozzo da Forlì. Fresco. Sixto IV nombra a Bartolomeo Platina prefecto de la Biblioteca Vaticana. 1470.

Melozzo da Forli. “Sixto VI nombra a Bartolo Platina prefecto de la Biblioteca Vaticana”. Fresco. 1470.

 

Principales artistas del Alto Renacimiento.

 

–          Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni. (Miguel Ángel Buonarroti).    (1475-1564)

–          Leonardo di ser Piero da Vinci. (Leonardo Da Vinci) (1452-1519)

–          Rafael. Raffaello Sanzio da Urbino (1483 -1520)

–          Tiziano Vecelli o Tiziano Vecellio. (Tiziano) (1485-1576)

–          Giorgio da Castelfranco. (Giorgione). (1470-1510).

–          Donato di Pascuccio d’Antonio. (Donato Bramante da Urbino) (1444-1514)

–          Albrecht Dürer (Alberto Durero) (1471-1528).

–          Luca d’Egidio di Ventura de Signorelli. (Luca Signorelli). (1450  1523 )

–          Michelozzo degli Ambrogi.(1438 -1494).

 

El Manierismo en el Renacimiento

 

Esta tendencia dispuso de una literatura teórica desarrolladísima que sin embargo no encontró eco en la burguesía que no podía comprender su sofisticación conceptual. El Manierismo coincide con el periodo de la crisis del cristianismo y las luchas en Europa contra los invasores musulmanes.

Esta tumultuosa etapa marca el estilo de numerosos pintores en toda Europa influenciando a pintores de los países bajos, Alemania, Francia y sobre todo en España donde la figura del pintor conocido como El Greco era muy apreciada en las cortes españolas.

 

El Greco

 

Las figuras humanas se representan más alargadas alejándose del equilibrio clásico, utilizan la luz contrastada en sus pinturas, el cromatismo intenso, arrebatamiento de las formas, composiciones recargadas. Se muestra alta expresividad de las emociones y se aumentan la sensación de inquietud y zozobra. Son pinturas destinadas a provocar reacciones emocionales en el espectador. Son sin duda la respuesta ante clásica que se viene desarrollando y que toma auge a finales del siglo XVI. La paleta contrastante del Greco por ejemplo, enfatiza el mensaje de la obra mediante una elocuencia particularmente dramática, es casi como si estuviéramos viendo personajes reales en una puesta de escena teatral, en su obra El entierro del Conde de Orgaz el patetismo ante la muerte queda representado tan vívidamente que nos sobrecogemos ante su contemplación.

 

Manierismo

 

Artistas pertenecientes al periodo Manierista

 

–       Andrea del Sarto (1486-1530) (Alto Renacimiento y Manierista)

–       Giovanni Battista di Jacopo (Rosso Fiorentino) (1494-1540)

–       Sebastiano del Piombo. (Alto Renacimiento y Manierista)(1485-1547)

–       Fra. Bartolomeo (di Pagholo) Fra. Bartolomeo. (1472-1517)

–       Domenico di Pace Beccafumi. (1486-1551)

–       Jacomo Carucci.(Pontormo)(1494-1557)

–       Doménikos Theotokópoulos (El Greco). (1541-1614)

–       Giulio Romano, (1499-1546)

–       Girolamo Fransesco María Mazzola (Parmigianino) (1503-1540)

–       Francesco Primaticcio. (1504-1507)

–       Agnolo di Cosimo (Bronzino) (1503-1572)

–       Giorgio Vasari. (1511-1574)

–       Jean Boulogne. (Gianbologna)erróneamente (Giovanni da Bologna).(1529-1608)

–       Bartolommeo Bandinelli. (1493-1560)

–       Bartolomeo Ammanati. (1511-1592)

–       Bernardo Buontalenti (Bernardo Delle Girandole)(1531-1608)

–       Benvenuto Cellini. (1500-1571)

–       Federico Zuccari. (1540-1609)

–       Pellegrino Tebaldi (1527-1596)

 

PERSEO (1554) Benvenuto Cellini. (1500-1571)Wikimedia Commons.

PERSEO (1554)   Benvenuto Cellini. (1500-1571)Wikimedia Commons.

 

 

Este periodo Manierista es el antecedente directo del aveniente periodo Barroco del arte. Los pintores y escultores Manieristas con su recargamiento de elementos en las obras, su respuesta ante clásica a los dogmas compositivos, la experimentación con diferentes paletas de colores, difuminación de fondos, dibujo nervioso y dramatismo exacerbado plantean las bases estéticas y estilísticas que toma la nueva generación de pintores, que influenciados por la nueva situación económica, política y social impulsan un cambio que se aleja aun mas del academicismo en la plástica.

 

Arte Griego. Caracteristicas generales


relieve en estela funeraria griega

Características generales del arte Griego

 

El Arte Griego en la antigüedad tiene como característica fundamental tener un alto idealismo estético, lo cual implica que el arte representa no la realidad cruda y directa sino una visión idílica y perfecta que se percibe por el uso de la proporcionalidad y equilibrio de los elementos así como por su interés en reflejar en las obras artísticas las líneas de la figura humana a la perfección; tanto en el dibujo como en la escultura. El cuerpo humano para ellos es el fundamento esencial de toda belleza y toda proporción, A esta tendencia se le denomina Antropocentrismo.

Grecia, es una pequeña península situada al sureste de Europa. Nacieron aquí las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos que comienza aproximadamente en los siglos V y IV y florece y se desarrolla a plenitud entre los siglos VII y II antes de la era Cristiana; no sólo en Grecia, sino también en otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos.

 

racionalidad griega

 

Aunque su arte se apoya en la naturaleza, se manifiesta sin embargo representando una visión edulcorada de la misma; tendiendo a la creación de un mundo idealizado donde la sencillez, la proporción, el ritmo, la claridad y la unidad conceptual de la obra dominan todas sus formas artísticas.

No es que los griegos no estuvieran interesados en la realidad circundante, en la vida social y política, es solo que representaban esta atreves de la visión e imaginación del artista y de los patrones estéticos de la época que respondían conceptualmente a representar el medio circundante y la imagen del hombre con esa idealización.

Desde su periodo arcaico en que las figuras se representan estáticas, frontales, con una típica sonrisa y ojos almendrados hasta el periodo clásico con el refinamiento estético y detallado realismo, desarrollan una búsqueda por encontrar su propia estética personal, por alcanzar la superación artística. Ellos estudian la naturaleza circundante y el hombre como centro de esa realidad.

Un ejemplo claro de cómo idealizaron la representación de la figura humana lo tenemos en el gusto que desarrollaron por el atletismo, el cual sirvió de inspiración a los Griegos y fue muy cultivado por estos. Este deporte que desarrollaba en los atletas cuerpos perfectos, brindó a los artistas sus mejores modelos. Fascinados por la sinuosidad de las formas del cuerpo humano, logran ya en la etapa clásica dominio fenomenal del conocimiento de la anatomía, lo que les permite representar las formas y curvaturas del cuerpo con gran detalle y realismo.

Apoyándose en nuevas técnicas lograron dotar las obras escultóricas de impresionante fuerza dramática, sensación de movimiento y contorsiones; que apoyaban la representación de esas acciones y emociones.

Fabulosas obras escultóricas de la primera etapa clásica nos muestran el realismo y maestría alcanzados, como por ejemplo: el “Discóbolo”, realizado por el artista Miron y en la última etapa clásica “El Fauno Barberini” (de un realismo extremo), o  la fabulosa representación de la escultura “Victoria de Samotracia”;  que con las alas desplegadas y el cuerpo hacia adelante desafía al viento, mostrando gran maestría en el estudio de los ropajes, representados en esta etapa con increíble detalle y naturalidad.

La escultura en el arte griego se explican en un artículo del blog donde se resume esta información más detallada y asi entender la magnitud e importancia que tuvo para ellos este concepto de proporción, idealismo y belleza pura de las formas.

 

"El Discobolo" del artista de la etapa clasica Miron.

“El Discóbolo” del artista de la etapa clásica, Miron.

 

Características fundamentales del arte griego:

  • Florecimiento de un idealismo estético que busca representar una visión idílica de la belleza.

  • Representación de la proporcionalidad y el equilibrio en las obras de arte que contribuyan a destacar su concepto de la perfección estética.

  • No tiene carácter práctico y realista sino decorativo.

  • Preocupación por representar una visión idílica y perfecta de la belleza del cuerpo humano.

  • Representación de la naturaleza y el mundo circundante con realismo y detalle pero con una visión idealizada de estos.

  • No busca este arte griego ser instrumento de propaganda sino solo vehículo de placer estético.

  • Utilizan la racionalidad de las medidas matemáticas para representar la proporción ideal en las obras de arte.

Visiten los siguientes link para conocer en específico el resumen sobre cada una de las manifestaciones artísticas en Grecia en la antiguedad.

Pintura Griega en la Antigüedad.

La cerámica en el arte griego

Arte Griego Arquitectura

Arte Griego Escultura

 

Barroco. Pintura en el Sur de América y el Caribe. Características generales.


 

"La Virgen". por Jose Nicolas de Escalera. pintor cubano.

“La Virgen”. por Jose Nicolas de Escalera. pintor cubano.

 

La fuerza dramática y narrativa del Estilo Barroco es asimilada por pintores desde mediados del siglo XVII hasta bien avanzado el siglo XVIII en el sur de América y las Islas del Caribe, ellos necesitaban complacer al público y a sus patrocinadores tanto eclesiásticos como laicos en esta región distante de Europa y el estilo barroco ofrece gran posibilidad de adaptabilidad, esta ventaja fue bien aprovechada por los pintores de la época.

Nota informativa.

En otro articulo por separado que le sigue a este, se abordara la pintura Barroca según las regiones y países, escuelas de pintura y pintores mas destacados de América Latina y el Caribe. La magnitud de la información hace necesario dividirla en estos dos artículos para su mejor comprensión.

En estas regiones occidentales inicialmente se recibían obras enviadas por pintores barrocos españoles, portugueses y flamencos que servían bien al mensaje de propaganda de la fe, así como también la presencia personal de algunos pintores que atraídos por el nuevo mundo se instalaron para trabajar en la decoración de catedrales y edificios oficiales.

Pero una vez asentados, los pintores comienzan a poner su propia impronta personal, escuchando lo que un público ciertamente diferente de la burguesía y realeza europea pedía de ellos y es así que en sus talleres enseñaron a los criollos sus técnicas de pintura que serian asimiladas por estos últimos, pero con la variante de que ellos introducen aun mas, elementos de su propia idiosincrasia local, reflejados en el sincretismo religioso, con modificación de rasgos en los personajes representados; según el aspecto racial de la región en que pintaban, así como la utilización de elementos alegóricos a la flora y fauna regional.

El estilo barroco se utilizó en altares de iglesias y catedrales en esas regiones de América cuyas obras, usualmente cuentan historias bíblicas y vidas de santos, lo cual fue de gran ayuda para ayudar a los frailes a enseñar la religión entre los nuevos convertidos a la fe católica. La religión dominaba la cotidianidad y por lo tanto, las artes.

Temas históricos se utilizan también en edificios públicos, así como retratos y en menor medida paisajes en las viviendas y palacetes de la burguesía criolla.
Adaptando estos artesanos y pintores atmósferas, paletas de colores, personajes y uso de la luz y contrastes en concordancia con las regiones en que desarrollaron sus obras en este basto continente, así como también en el caribe.

Los pintores españoles y portugueses fueron los que más influenciaron en América pero de otras escuelas de una forma u otra tomaron los pintores occidentales elementos y técnicas de pintores de renombre internacional, entre los que destacan Rubens y Caravaggio. Las atmósferas lúgubres, tenebrosas con grandes contrastes entre colores oscuros y claros, son utilizadas inicialmente, pero paulatinamente sustituidas por escenas luminosas, colores claros así como paletas más brillantes con colores saturados e intensos, acorde con la luz brillante natural de las regiones de América y el Caribe.

Lo vernáculo en estas pinturas occidentales son como un asomo próximo y humano a la época, sus intrigas, vida cotidiana, tradiciones y folclor, ya que; aunque el principal patrocinador y cliente lo constituye la iglesia, los temas seculares del diario vivir se tratan también, sobre todo en los retratos. Las temáticas más utilizadas son el cuadro religioso de influencia española, sobre todo de la escuela sevillana. El retrato oficial es tratado con las características usuales de este asunto en toda Latinoamérica y el Caribe, donde el Gobernador, el Obispo o el Señor principal se hacen retratar en “pose oficial” con sus escudos y parafernalia de símbolos. Retratos de miembros de familias portentosas por comisión, se hicieron también en esta época barroca.

En el siglo XVII, los criollos que trabajaban la pintura y otras manifestaciones artísticas; aunque lo hacían en escuelas locales y nacionales donde aprendían, eran considerados como artesanos que trabajaban por un salario o comisión, muchas obras de la época permanecen sin identificar debido al carácter artesanal y anónimo con que se trataban las artes. Sumado a ello existía discriminación entre criollos y peninsulares en los cuales los pintores y artesanos nacidos en las colonias carecían del reconocimiento o incluso privilegios que los pintores y decoradores nacidos en España y resto de Europa tenían en las colonias, no obstante ser también ellos considerados como artesanos.

 

Escuela Cuzqueña, autor anónimo. “Procesión de Cofradías” Incas de San Juan Bautista.

 

Ya para finales del siglo XVII los artistas artesanos se agrupan en gremios y los maestros pintores se hacen rodear de los “oficiales”, es decir los jóvenes aprendices a su servicio. Nuevos formatos de diferentes tamaños, más adaptables para embellecer casonas coloniales, sin tener que ser importados de Europa, son altamente cotizados por un público ávido de poseer estas obras y decorar sus estancias.
Cuando la fotografía no existía, la labor de estos artistas en varios continentes cumplió un cometido encomiable, plasmando un legado de historia y arte de esa época en sus obras.

Escenas costumbristas realizadas por pintores criollos reflejan tanto el sincretismo religioso como aspectos de la vida de la clase pobre, se representan tanto mestizos como población blanca y asiática. Muchas de las pinturas y bocetos realizados sobre todo a mediados y finales del siglo XVIII constituyen valiosos materiales de consulta por los que conocemos de ropajes, mobiliarios, carruajes y pompa tanto religiosa como secular, así como información respecto a lugares, edificios y otros valiosos datos, aunque desafortunadamente muchas valiosas obras se han perdido o se desconoce su paradero actual, alguna de las cuales solo se tienen referencias por litografías o documentos en archivos que las nombran. Sobre todo del periodo que corresponde al inicios del siglo XVII en que el barroco comenzó a tener influencia en la entonces naciente manifestación artística de las colonias.

Los miniaturistas también se anunciaban como retratistas, pues las miniaturas pictóricas, a pesar de ser retrato eran consideradas un género aparte; sus cultivadores eran muy solicitados y hay bellos ejemplares de esta especialidad donde lo vernáculo, el humor, drama y cotilleo secular nos muestran una sociedad que a pesar de los conflictos y vida austera, regidos por dogmas religiosos, aun baila, comercia y trabaja.

 

Las hijas del governador Ramón de Castro artista Jose Campeche. (1797)

Las hijas del governador Ramón de Castro artista Jose Campeche. (1797)

 

En la zona del Caribe sobre todo en el siglo XVIII los grabados en blanco y negro nos dan referencias de las costumbres y tradiciones al tiempo que dejan ver la desigualdad de clases y la tenebrosa esclavitud en las colonias. La caricatura costumbrista hecha por estudiantes de arte y artesanos locales abordan estos temas con el característico exagerado drama escenográfico del barroco.

 

Detalle de "La Purísima Concepción". Cristóbal de Villalpango

Detalle de “La Purísima Concepción”. Artista Mexicano. Cristóbal de Villalpango

 

Los pintores preparaban sus colores en el taller aunque generalmente por ser un proceso tedioso y lento esa responsabilidad caía en los estudiantes. En las distintas colonias a lo largo de las Américas y El Caribe se contaba con varias casas de “mercerías” que, entre otras cosas, vendían los pigmentos. colorantes, resinas y aceites que provenían de España, Holanda e Inglaterra. Muy utilizados en la época eran el oro pimiento, el cardenillo, la gutagamba, el albayalde, el carmín, la ancorca, y otros cuyas sustancias eran mas locales obtenidos de flores y otras sustancias naturales.

Resumiendo las características del estilo Barroco en lo que se refiere a pintura, podemos decir que las escenas costumbristas realizadas por pintores criollos reflejan tanto el sincretismo religioso como aspectos de la vida de la clase pobre, en algunos casos mas dramáticos, como el de la pintura en el Caribe; la terrible esclavitud es reflejada valientemente aun y cuando son obras hechas por comisión; por lo general para decorar iglesias, palacetes y edificios públicos. La forma en que se representan las localidades regionales en cuanto a flora y fauna así como los personajes nativos, marcan una separación distintiva con las obra barrocas realizada en Europa.

Nota Informativa.
Como señalamos al principio de este articulo, en otro articulo por separado que le sigue a este, se abordara la pintura Barroca según las regiones y países, escuelas de pintura y pintores mas destacados de América Latina y el Caribe. La magnitud de la información hace necesario dividirla en estos dos artículos para su mejor comprensión.

 

 

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Barroco. Pintura. El Barroco Decorativo.


Luca Giordano. Salomón y la Reina de Saba. Bóveda de la Basílica de El Escorial, 1693-94..jpg

 

EL BARROCO DECORATIVO

Es la tendencia artística predominante en la segunda mitad del siglo XVII en Europa que se prolonga hasta la siguiente centuria y se caracteriza por la decoración de los muros, especialmente de las bóvedas de edificios. El Barroco decorativo favorece una pintura más dinámica y voluptuosa con gamas mas amplias de colores que contribuyen a los efectos de tridimensionalidad y el dramatismo en las escenas. Los personajes parecen flotar en las bóvedas mientras “se mueven” en su dinámica etérea.

Esta tendencia pictórica contribuye a que los techos de las iglesias y palacios europeos de finales del XVII y buena parte del XVIII se creen con una tradición de efectismo ilusorio monumental y teatral dirigido a enaltecer el poder eclesiástico y monárquico.
El Barroco decorativo gusta del efectismo, llegando a fingir arquitecturas en los techos, mediante el uso de complejas perspectivas axonométricas (sistema de la cuadratura) . Es escenográfico y teatral. Son obras llenas de dinamismo, con gran riqueza cromática y expresiva.

 

  • Características generales del estilo Barroco Decorativo.

    • Utilización del TRAMPANTOJO: Técnica pictórica que pretende trucar ilusoriamente el entorno arquitectónico; sea simulado o real, a la vista del espectador, produciendo la sensación de que lo que se observa es real, mediante el uso de la perspectiva, el sombreado y otros efectos ópticos ilusorios. Por ejemplo: que el fondo se proyecta más allá del muro o del techo o que las figuras sobresalen de él.
    • Utilización del sistema de la cuadratura, (Un sistema de división del espacio pictórico en cuadriculas).
    • Representación de arquitecturas con escorzas muy pronunciadas y fuertes efectos de perspectiva, exige grandes conocimientos de óptica y geometría por parte de los pintores.
    • Personaliza el espíritu triunfante del barroco que se persigue transmitir, tanto por el poder religioso como el monárquico.

  • Dramatismo escenográfico y teatral pictórico que busca expresión de dinamismo y efecto tridimensional para dar sensación al espectador de su integración a la escena como un personaje más.

 

 

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Lucas Jordán.Pintura en la Sacristía de la Catedral de Toledo.
Entre los artistas destacados de este estilo decorativo en el barroco tenemos a:

1) Pietro da Cortana. (1596-1669).
2) Andrea del Pozo (1642-1709.
3) Luca Giordano. (1634-1705) (conocido en España como Lucas Jordán).
4) Mattia Preti o Matías Pretti (1613 – 1699).

 

PIETRO DA CORTONA (1596 – 1669) fue el primer representante del Barroco decorativo. -Su trabajo tiende a la composición recargada, de dinamismo exacerbado y fuerte sentido escenográfico acorde con el afán propagandístico de esta tendencia barroca. ‎su obra es típica representante del Alto barroco en cuanto a la utilización de juego de luces y sombras a través de formas cóncavas y convexas.‎ Sus primeros frescos fueron los de la Villa Muti, en Frascati y los del Palacio Mattei. Pero los trabajos que lo afianzaron como artista importante de Roma fueron los realizados en el palacio Barberini. Una composición que unía la representación de figuras alegóricas con elementos de naturaleza y arquitectónicos. Son una proeza de la óptica y la ilusión.

 

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Alegoría de la Divina Providencia 1633-39. Palacio Barberini. Roma. PIETRO DA CORTONA.
ANDREA DEL POZZO (1642-1709) decoró la iglesia de San Ignacio en Roma. – Destacan la espectaculares arquitecturas en perspectiva, que prolongan ilusoriamente las reales del edilicio, realizadas mediante la técnica de la cuadratura. Fue un pintor Jesuita que tuvo un importante papel en la decoración de las nuevas iglesias Jesuitas construidas que estaban desprovistas de decoraciones hasta ese entonces. Los jesuitas lo emplean con frecuencia para adornar iglesias de la orden como las situadas en Módena, Bolonia y Arezzo.

 

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ANDREA POZO. FRESCOS DE LA BOVEDA DE SAN IGNACIO. (1685-94)

 

 

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ANDREA DEL POZZO. Apoteosis de San Ignacio. 1685-94.

 

 

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ANDREA DEL POZO. CUPULA DE SAN IGNACIO DE ROMA.

 

Luca Giordano. (Lucas Jordán) (1634-1705), crea una pintura decorativa de enorme efecto. Dejó obras importantes en España: El Escorial, catedral de Toledo. Hacia 1650 se inclina a trabajar en los aspectos decorativos del arte barroco cuando se encontraba como asistente de Pietro de Cortona en Roma, Italia. A los veinte años realiza una serie de lienzos para la Basílica de San Pietro Ad Aram y Santa María Donnaromita, (La derrota de Sisara) en Nápoles en los que muestra su talento, resultado de sus viajes y relaciones con otros pintores.. Fue un pintor solicitado y reconocido hasta por el rey Carlos II de España. Adquirió un estilo que fusionaba lo Veneciano y lo Romano. Combina la suntuosidad ornamental de Paolo Veronese con bosquejos complejos más vivos ” a la forma grandilocuente de Pietro da Cortona. En sus pinturas del Escorial usa un conceptualizante tratamiento de los temas pero mas cuidadosamente pensados, utilizando menos personajes pero mas estratégicamente ubicados.

 

 

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Luca Giordano. “La Derrota de Sisara”.

 

 

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Luca Giordano. Triunfo de los Medici entre las nubes del Monte Olimpo, fresco en el Palacio Medici Riccardi, 1684-1686.

Mattia Preti o Matías Pretti (1613 – 1699) Fue un pintor del Barroco Italiano que trabajo tanto en Italia como en Malta. Importantes obras de su autoría se han perdido, pero son importantes las realizadas en el estilo barroco decorativo, la influencia de Luca Giordano con quien trabajo en ocasiones resulto en obras de gran calidad que le ganaron reconocimiento. Sus pinturas, muchas de ellas mostrando la influencia de sus inicios como seguidor de Caravaggio, son trabajadas con acusado claroscuros y paleta contrastante, pero fueron derivando en un estilo más personal cuando aunó conocimientos de las obras de otros grandes pintores barrocos. Destaca su serie de grandes frescos pintados sobre las siete puertas de la ciudad sobre la virgen y los ángeles protegiendo al pueblo de la peste. De esa serie se conserva, “Esbozo para La peste” realizada en 1656. Su carrera fue larga y su producción artística abundante.

 
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Mattia Pretti. “Cristo en Gloria con Santos” ,1660-1661. Oleo sobre lienzo.

 

Este estilo decorativo de la ultima parte del Barroco sintetizo lo mejor de la creación artística de los pintores, utilizando la experiencia de técnicas y estilos tanto de pintores naturalistas como clasicista, aportando ademas las ciencias como la óptica, la geometría y las matemáticas en un estudio cuidadoso de la perspectiva que induce a percibir estas pinturas como un escenario tridimensional al que podemos ingresar, del cual formamos parte y en el que percibimos que nos podemos mover en su interior como otro de sus personajes, no solo como espectadores. Lo escenográfico y dramático del tratamiento de los temas apoyan la tan ansiada necesidad del poder eclesiástico y monárquico de proclamarse como los enarboladores del triunfo de la fe mediante la representación en la plástica de su de su poder.

 

Mattia_Preti. Esbozo para La peste, 1656,.jpg

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Mattia Preti. “Esbozo para La peste”, 1656,

Barroco. Pintura Italiana. El Clasicismo.


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‎Paisaje con la huida a Egipto‎. 1604. Annibale Carracci.

 

A principios del siglo XVII se desarrolla El Clasicismo en Bolonia; que es la capital y ciudad mas grande del Norte de la región Emilia Romana en Italia y resulto ser una corriente en pintura que se aleja del Manierismo, en busca de expresar la belleza ideal edulcorada y perfecta, en las que se enfatiza el balance, lo ecuánime y equilibrado en las escenas de las pinturas, con intención de representar una dignidad expresiva; emocional pero ecuánime y racional en la pintura, mirando más a un pasado clásico de la antigüedad en la que encuentran un legado afín a sus propósitos.

Los principios de esta corriente pictórica se contraponen al naturalismo de Caravaggio y sus seguidores de la corriente naturalista. Un grupo de pintores boloñeses entre los que se encuentran como máximos representantes:

-Guido Reni.

los hermanos: – Agostino Carracci.
– Annibale Carracci.

El primo de ambos – Ludovico Carracci.

 

Ludovico_Carracci_-_Annunciation de la Virgen.

Ludovico Carracci. Anunciación de la Virgen.

 

Intentaron recuperar la serenidad de espíritu del mundo grecorromano, adicionando la presencia de hermosos paisajes, tranquilos y armoniosos donde no faltan las representaciones de las ruinas antiguas, en alegoría a su homenaje y emulación de los principios de proporción, balance y equilibrio de la antigüedad clásica.

 

Características generales de la corriente clásica.

  • Esta corriente rechaza las formas idealizadas en exceso, pero también la representación de la realidad inmediata, con sus imperfecciones agrestes y crudas.
  • Pintan las cosas no como son, sino como deberían ser, buscando la belleza ideal de forma meditada y razonada.
  • La iluminación que utilizan es uniforme.
  •  También los colores son suaves cuidando el dibujo sobre la mancha. Su dibujo es firme, con líneas y contornos muy definidos.
  • Los pintores neoclásicos fueron influidos grandemente por los maestros del siglo XVI como Rafael y Miguel Ángel lo que se observa en la composición de las escenas y paleta utilizada.
  • Representan paisajes equilibrados, serenos a veces con ruinas romanas .
  • En estos cuadros de paisaje, aunque hay figuras humanas, lo que domina es la representación de la naturaleza muy cuidadosamente dibujada, pero idealizada.
  • El hombre no es el tema principal de representación en estas pinturas.
  • Algunos autores se especializan en pinturas al fresco en techos y bóvedas como sucede con Annibale Carracci en la Galería del Palacio Farnesio.

 

ANNIBALE CARRACCI (Bolonia, 1560-Roma, 1609)

El clasicismo apunta a recuperar el espíritu de la pintura del siglo XVI, acogiendo una alternativa que se aleja del Manierismo del siglo anterior. Las obras fundamentales de Annibale Carracci serán la pintura al fresco y también el paisaje.

Sus obras son equilibradas e influirán en otros paisajistas especialmente en los franceses. Sus pinturas reflejan la clásica proporción de las formas, serenidad, equilibrio, belleza ideal en las composiciones, en el uso del color, en el detalle de la anatomía que se representa.

El clasicismo se declara continuador de los ideales del Renacimiento siendo sus pinturas influenciadas por los grandes maestros del siglo anterior como Rafael y Miguel Ángel, poniendo atención a la representación de las formas duras y solidas. No obstante, Annibale le aporta el sentimiento teatral propio del barroco lo que se aprecia cuando trata los temas religiosos o mitológicos en los que se expresa con serenidad pero con grandiosidad al mismo tiempo.

 

La opcion de Hercules. Annibale-carracci

Annibale Carracci. “La Opción de Hercules”. 1596.

 

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