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El Renacimiento por periodos artísticos.


 

El Renacimiento por periodos artísticos.

 

LA CREACION DE ADAN. MIGUEL ANGEL BUONARROTTI. (1475-1564) Wikimedia Commons

LA CREACION DE ADAN. MIGUEL ANGEL BUONARROTTI. (1475-1564) Wikimedia Commons

 

 El Renacimiento temprano

 

El Renacimiento Temprano que abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 conto con muchos artistas, incluyendo arquitectos, pintores y escultores que fueron los impulsores iniciales de la reforma estilística. Estos artistas que empiezan a firmar sus obras abiertamente, se sienten altamente inspirados por los pintores de finales del periodo gótico cuyas obras venían mostrando el camino del nuevo pensamiento humanista en ciernes, como fue el caso de Van Eyck o los hermanos Limbourg.

 

Detalle de ilustracion del manuscrito Las Ricas Horas de Jean de Berre. Por los Hermanos Limbourg.

Detalle de ilustracion del manuscrito Las Ricas Horas de Jean de Berry. Por los Hermanos Limbourg.

 

El inicio del Renacimiento en la ciudad de Florencia en la Península Itálica, coincide con el periodo tardío del gótico en Europa. Las ciudades estado italianas se van sumando paulatinamente a esta corriente humanista y aunque en esta etapa temprana del Renacimiento aún perduran los elementos del gótico, los artistas se encaminan a la búsqueda de soluciones técnicas que les permitan representar sus obras con la nueva concepción estética.

Entre los artistas destacados es importante destacar a los artistas Filipo Brunelleschi. (1377-1446) y Tommaso di Ser Giovanni di Simone: (Masaccio) (1401-1428), quienes, el primero en arquitectura y el segundo en pintura marcaron hitos al encontrar soluciones prácticas a problemas técnicos en el arte que abrieron el camino a las posibilidades de expresión del renacer del hombre en la plástica y el arte en general.

El Renacimiento como estilo artístico y pensamiento filosófico tuvo que afrontar en un principio rehacías opiniones en su contra y fue acusado de ser el estilo de liberales y neopaganos, pero la intransigente persecución del fraile Dominicano Girolamo Savonarola (1452-1498) no pudo parar el progreso de la humanidad y la transformación del pensamiento del hombre.

 

Esculturas de DonatelloDonatello

Esculturas de Donatello

 

Al librarse de las ataduras de los gremios de artesanos y convertirse en particulares los artistas del primer periodo del renacimiento conforman sus obras basados en la tendencia humanista devota a la razón, e imprimen sus obras del clasicismo y la perfección propia del arte griego y romano en la antigüedad. El nuevo culto a la fama le propicia tener una clientela amplia que quiere ser inmortalizada en retratos o esculturas o que quieren mostrar sus respetos por las figuras exitosas y prominentes. Al mismo tiempo surten con bellos y valiosos objetos a la clase pudiente con obras para decorar sus palacios o centros sociales las cuales responden a su interés como clase opulenta deseosa de mostrar su riqueza y poder.

 

Renacimiento Temprano. La Primavera. Sandro Botticelli.

La Primavera. Sandro Botticelli.

 

Las obras en este periodo son por tanto detallistas, proporcionadas, medidas y apegadas a los dogmas del clasicismo griego y romano, pero poseen también el orgullo de un hombre exitoso que quiere platear su realidad tal como es y en ese sentido hay un despegue de la estética pura del idealismo griego y las obras se tornan realistas y muy pormenorizadas, como si fueran a cobrar vida ante los ojos del espectador. Los rasgos de los personajes son idénticos a los modelos, no importaba si estos eran feos o bonitos. Hasta el temperamento de los mismos o la emoción que estuviera siendo representada era indicado explícitamente para mejor comunicación con el espectador. No estaban exentas sin embargo en las obras de muchos de estos pintores, los signos velados o mensajes ocultos destinados a ser comprendidos por un público culto.

No eran personajes y escenas idealizadas y perfectas, sino realistas y perfectas. Muchos artistas se destacan por su talento y estilo propio lo que los sitúa como artistas prominentes y en demanda quienes se convertirán a su vez en maestros o mentores; como el propio Verrocchio quien fue maestro de Leonardo Da Vinci.

 

Pintores, escultores y arquitectos del renacimiento temprano.

He aquí algunos de los más importantes.

 

–       Filipo Brunelleschi. (1377-1446)

–       Donato di Niccolò di Betto Bardi. (Donatello) (1386- 1466)

–       Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Sandro Botticelli) (1445-1510)

–       Tommaso di Ser Giovanni di Simone: (Masaccio) (1401-1428)

–       Domenico de Ghirlandaio. (1449-1494)

–       Piero de la Francesca (1415-1492)

–       Andrea di Michelle di Francesco de’ Cioni. (Andrea Verrocchio)(1435-1488)

–       Lorenzo di Bartolo. (Lorenzo Ghiberti). (1378 -1455)

–       Agostino di Duccio. (1418-1481)

–       Fray Angélico (Fra. Giovanni di Fiesole (1395 -1455)

–       Paolo Uccello (1397-1475)

–       Alesso Baldovinetti (1425-1499)

–        Desiderio de Bartolomeo di Francesco detto Ferro (Desiderio da Settignano)1428-1464)

–       Lucca della Robia (1400-1482)

–       Domenico Veneziano (1410-1461)

–       Andrea Mantegna (1431-1506)

–       Antonio Rossellino. (1427-1479)

–       Bertoldo di Giovanni. (14   – 1491)

–       Antonio del Pollaiolo. (1433-1498)

–       Andrea del Castagno.(1423-1457)

 

 

El alto Renacimiento

 

Para el periodo DEL ALTO RENACIMIENTO aproximadamente entre 1475 y el 1525 el papado en Roma asume también el papel de mecenazgo. Luego de un periodo de titubeo en la que aun no aceptaban el cambio radical de pensamiento, la iglesia no tiene de otra que avenirse a buenos términos con esta imparable corriente humanista. Deseosa de contar con los servicios de prestigiosos artistas comisiona la decoración de salones en los edificios pontificios, otros edificios religiosos y monumentos funerarios a pintores y escultores importantes que representan la cúspide del talento artístico de la época, entre ellos: Miguel Ángel Buonarroti, Rafael, Leonardo Da Vinci y Tiziano.

Ellos realizaron obras comisionadas también por mecenas o figuras públicas importantes como los Medici que para entonces controlaban las finanzas italianas y cuya influencia se extendía por el resto de Europa. La estabilidad política que se estableció en diferentes regiones permitió que poderosas familias con gran poder adquisitivo actuaran como patronos de las artes, facilitando que las mismas florecieran.

 

Alto Renacimiento italiano. La Magdalena Penitente. Tiziano.

Alto Renacimiento italiano. La Magdalena Penitente. Tiziano.

 

El arte del renacimiento se expande por toda Europa en este periodo pero fundamentalmente se acoge muy bien en (Francia, Inglaterra, Alemania y la Península Ibérica). Responde este arte eficazmente a las necesidades de una sociedad burguesa en busca de rodearse de confort, con obras que expresaran su refinamiento y poder como clase ya instaurada.

Un interés grande por la naturaleza y el mundo animal se ilustran en los bocetos de artistas como Albrecht Dürer (Alberto Durero) (1471-1528), figura dominante del Renacimiento Alemán quien como científico represento los elementos de las figuras en detalle. Sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país como Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) y también en los artistas de los Países Bajos.

 

La Liebre. Alberto Durero. 1471-1528

La Liebre. Alberto Durero. (1471-1528 )Wikimedia Commons.

 

 

LA NINFA DE LA FUENTE. LUCAS CRANACH EL VIEJO. (1472-1553)

LA NINFA DE LA FUENTE. LUCAS CRANACH EL VIEJO. (1472-1553) Wikimedia Commons.

 

Figuras de héroes y leyendas son reanimadas con viveza y tangible cercanía en obras de indudable talento, las que parece como si fueran a cobrar movimiento. En ellas la figura humana; como en el caso del David de Miguel Ángel (hecho a tamaño natural), expresan el detallado estudio de las formas del cuerpo, sus curvas, las venas, la flexión natural de piernas y caderas. Miguel Ángel logra representar la acción, el dramatismo del momento.

 

Michelangelo

 

El fue además el autor de la decoración de la bóveda de la capilla Sixtina y en esta excelsa creación refleja sus conocimientos del cuerpo humano tal y como lo hiciera cuando esculpía. Fue Miguel Ángel Buonarroti el primer pintor que logró representar este capítulo de la biblia sobre la creación con realismo y detallado trabajo, enteramente a base de las poses, dramáticos gestos y expresiones del rostro de las figuras, que transmiten el mensaje del caótico desasosiego ante el juicio final.

 

En este periodo santos, vírgenes y apóstoles son dotados en las obras artísticas de una dignidad y nobleza que se expresa en sus humanizadas figuras, que se representan con los cánones clásicos de belleza pero lejos de estar totalmente idealizados se representan naturales, cercanos y realistas.

Filósofos clásicos conversan dentro de la composición de Rafael en su obra “La escuela de Filosofía” rodeados de personalidades de la época renacentista, en donde la ilusión espacial que representa muestra una profundidad tridimensional sorprendente. La suavidad de los rostros de sus vírgenes y retrato de personalidades parecen hechos sin esfuerzo, cuando en realidad un dominio increíble de la técnica y gran capacidad de trabajo nos regalan en sus suaves y dulces figuras un verdadero y emotivo deleite visual donde la luz es la verdadera protagonista.

 

 

Rafael

 

Leonardo Da Vinci con su constante experimentación, estudio el comportamiento de los pigmentos y adhesivos para pintar, termino pocas obras enteramente pero en las que se preservan se observa la excelsa pulcritud del dibujo y la maestría del uso del color, habilidad que demostró gracias al compendio de conocimientos que poseía sobre muchos aspectos científicos. Su utilización de la perspectiva aérea y la creación del llamado Esfumado lo sitúan como uno de los grandes genios de la pintura del renacimiento.

 

Leonardo Da Vinci

 

Otro destacado artista de este periodo fue Tiziano Vecellio en cuya obra logra representar a través del patetismo del color, el control sobre las luces y sombras, con su estilo arrebatado y dinámico mueve emocionalmente al espectador de forma impactante. Su estilo rebuscado, con el que influencio otros pintores de la época sentó las bases de lo que sería el estilo Manierista en el siglo XVI.

Giorgione crea atmósferas muy particulares y realistas donde la naturaleza representada parece latir con cálida vida, sus temas presentan vaguedad en el asunto tratado por lo que sus composiciones se prestan a numerosas interpretaciones . Los colores difuminados de los fondos aportan dramatismo a la escena representada.

 

 

Giorgione

 

Principales artistas del Alto Renacimiento

–          Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni. (Miguel Ángel Buonarroti). (1475-1564)

–          Leonardo di ser Piero da Vinci. (Leonardo Da Vinci) (1452-1519)

–          Rafael. Raffaello Sanzio da Urbino (1483 -1520)

–          Tiziano Vecelli o Tiziano Vecellio. (Tiziano) (1485-1576)

–          Giorgio da Castelfranco. (Giorgione). (1470-1510).

–          Donato di Pascuccio d’Antonio. (Donato Bramante da Urbino) (1444-1514)

–          Albrecht Dürer (Alberto Durero) (1471-1528).

 

El Manierismo en el Renacimiento

 

Esta tendencia dispuso de una literatura teórica desarrolladaísima que sin embargo no encontró eco en la burguesía que no podía comprender su sofisticación conceptual. El Manierismo coincide con el periodo de la crisis del cristianismo y las luchas en Europa contra los invasores musulmanes.

Esta tumultuosa etapa marca el estilo de numerosos pintores en toda Europa influenciando a pintores de los países bajos, Alemania, Francia y sobre todo en España donde la figura del pintor conocido como El Greco era muy apreciada en las cortes españolas.

 

El Greco

 

Las figuras humanas se representan más alargadas alejándose del equilibrio clásico, utilizan la luz contrastada en sus pinturas, el cromatismo intenso, arrebatamiento de las formas, composiciones recargadas. Se muestra alta expresividad de las emociones y se aumentan la sensación de inquietud y zozobra. Son pinturas destinadas a provocar reacciones emocionales en el espectador. Son sin duda la respuesta ante clásica que se viene desarrollando y que toma auge a finales del siglo XVI. La paleta contrastante del Greco por ejemplo, enfatiza el mensaje de la obra mediante una elocuencia particularmente dramática, es casi como si estuviéramos viendo personajes reales en una puesta de escena teatral, en su obra El entierro del Conde de Orgaz el patetismo ante la muerte queda representado tan vívidamente que nos sobrecogemos ante su contemplación.

 

Manierismo

 

Artistas pertenecientes al periodo Manierista

 

–       Andrea del Sarto (1486-1530) (Alto Renacimiento y Manierista)

–       Giovanni Battista di Jacopo (Rosso Fiorentino) (1494-1540)

–       Sebastiano del Piombo. (Alto Renacimiento y Manierista)(1485-1547)

–       Fra. Bartolomeo (di Pagholo) Fra. Bartolomeo. (1472-1517)

–       Domenico di Pace Beccafumi. (1486-1551)

–       Jacomo Carucci.(Pontormo)(1494-1557)

–       Doménikos Theotokópoulos (El Greco). (1541-1614)

–       Giulio Romano, (1499-1546)

–       Girolamo Fransesco María Mazzola (Parmigianino) (1503-1540)

–       Francesco Primaticcio. (1504-1507)

–       Agnolo di Cosimo (Bronzino) (1503-1572)

–       Giorgio Vasari. (1511-1574)

–       Jean Boulogne. (Gianbologna)erróneamente (Giovanni da Bologna).(1529-1608)

–       Bartolommeo Bandinelli. (1493-1560)

–       Bartolomeo Ammanati. (1511-1592)

–       Bernardo Buontalenti (Bernardo Delle Girandole)(1531-1608)

–       Benvenuto Cellini. (1500-1571)

–       Federico Zuccari. (1540-1609)

–       Pellegrino Tebaldi (1527-1596)

 

PERSEO (1554) Benvenuto Cellini. (1500-1571)Wikimedia Commons.

PERSEO (1554)   Benvenuto Cellini. (1500-1571)Wikimedia Commons.

 

 

Este periodo Manierista es el antecedente directo del aveniente periodo Barroco del arte. Los pintores y escultores Manieristas con su recargamiento de elementos en las obras, su respuesta ante clásica a los dogmas compositivos, la experimentación con diferentes paletas de colores, difuminación de fondos, dibujo nervioso y dramatismo exacerbado plantean las bases estéticas y estilísticas que toma la nueva generación de pintores, que influenciados por la nueva situación económica, política y social impulsan un cambio que se aleja aun mas del academicismo en la plástica.

 

Arte Griego. Caracteristicas generales


relieve en estela funeraria griega

Características generales del arte Griego

 

El Arte Griego en la antigüedad tiene como característica fundamental tener un alto idealismo estético, lo cual implica que el arte representa no la realidad cruda y directa sino una visión idílica y perfecta que se percibe por el uso de la proporcionalidad y equilibrio de los elementos así como por su interés en reflejar en las obras artísticas las líneas de la figura humana a la perfección; tanto en el dibujo como en la escultura. El cuerpo humano para ellos es el fundamento esencial de toda belleza y toda proporción, A esta tendencia se le denomina Antropocentrismo.

Grecia, es una pequeña península situada al sureste de Europa. Nacieron aquí las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos que comienza aproximadamente en los siglos V y IV y florece y se desarrolla a plenitud entre los siglos VII y II antes de la era Cristiana; no sólo en Grecia, sino también en otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos.

 

racionalidad griega

 

Aunque su arte se apoya en la naturaleza, se manifiesta sin embargo representando una visión edulcorada de la misma; tendiendo a la creación de un mundo idealizado donde la sencillez, la proporción, el ritmo, la claridad y la unidad conceptual de la obra dominan todas sus formas artísticas.

No es que los griegos no estuvieran interesados en la realidad circundante, en la vida social y política, es solo que representaban esta atreves de la visión e imaginación del artista y de los patrones estéticos de la época que respondían conceptualmente a representar el medio circundante y la imagen del hombre con esa idealización.

Desde su periodo arcaico en que las figuras se representan estáticas, frontales, con una típica sonrisa y ojos almendrados hasta el periodo clásico con el refinamiento estético y detallado realismo, desarrollan una búsqueda por encontrar su propia estética personal, por alcanzar la superación artística. Ellos estudian la naturaleza circundante y el hombre como centro de esa realidad.

Un ejemplo claro de cómo idealizaron la representación de la figura humana lo tenemos en el gusto que desarrollaron por el atletismo, el cual sirvió de inspiración a los Griegos y fue muy cultivado por estos. Este deporte que desarrollaba en los atletas cuerpos perfectos, brindó a los artistas sus mejores modelos. Fascinados por la sinuosidad de las formas del cuerpo humano, logran ya en la etapa clásica dominio fenomenal del conocimiento de la anatomía, lo que les permite representar las formas y curvaturas del cuerpo con gran detalle y realismo.

Apoyándose en nuevas técnicas lograron dotar las obras escultóricas de impresionante fuerza dramática, sensación de movimiento y contorsiones; que apoyaban la representación de esas acciones y emociones.

Fabulosas obras escultóricas de la primera etapa clásica nos muestran el realismo y maestría alcanzados, como por ejemplo: el “Discóbolo”, realizado por el artista Miron y en la última etapa clásica “El Fauno Barberini” (de un realismo extremo), o  la fabulosa representación de la escultura “Victoria de Samotracia”;  que con las alas desplegadas y el cuerpo hacia adelante desafía al viento, mostrando gran maestría en el estudio de los ropajes, representados en esta etapa con increíble detalle y naturalidad.

La escultura en el arte griego se explican en un artículo del blog donde se resume esta información más detallada y asi entender la magnitud e importancia que tuvo para ellos este concepto de proporción, idealismo y belleza pura de las formas.

 

"El Discobolo" del artista de la etapa clasica Miron.

“El Discóbolo” del artista de la etapa clásica, Miron.

 

Características fundamentales del arte griego:

  • Florecimiento de un idealismo estético que busca representar una visión idílica de la belleza.

  • Representación de la proporcionalidad y el equilibrio en las obras de arte que contribuyan a destacar su concepto de la perfección estética.

  • No tiene carácter práctico y realista sino decorativo.

  • Preocupación por representar una visión idílica y perfecta de la belleza del cuerpo humano.

  • Representación de la naturaleza y el mundo circundante con realismo y detalle pero con una visión idealizada de estos.

  • No busca este arte griego ser instrumento de propaganda sino solo vehículo de placer estético.

  • Utilizan la racionalidad de las medidas matemáticas para representar la proporción ideal en las obras de arte.

Visiten los siguientes link para conocer en específico el resumen sobre cada una de las manifestaciones artísticas en Grecia en la antiguedad.

Pintura Griega en la Antigüedad.

La cerámica en el arte griego

Arte Griego Arquitectura

Arte Griego Escultura

 

La enseñanza de la Historia del Arte en el nivel escolar.


El estudio de las artes en general y la Historia del Arte en el nivel escolar por niños y jóvenes adolescentes.

Se debe resumir la información que se les provea, mostrando los aspectos fundamentales en general, los que caracterizan cada periodo histórico o cultura, pero en forma sencilla, sin utilizar muchas fechas y nombres de personalidades de difícil pronunciación.
En resumen remarcar visualmente atreves de combinación de imágenes, videos, esquemas, maquetas, dioramas etc. también resúmenes muy sintéticos, con párrafos cortos, los aspectos centrales que son los que por su edad puedan retener y les va en definitivas a aportar una noción de las características del desarrollo del arte por la humanidad en forma general pero concisa, sin divagaciones innecesarias, detalles superfluos, floreos y complicados escenarios históricos, políticos y bélicos, al no ser los datos generales que enmarquen estos periodos y culturas para ubicarlos en el tiempo y geográficamente.
Sobre todo a los mas pequeños, que responden mejor a los aspectos visuales. Innovando pueden los maestros tener mas éxito en su labor; con juegos didácticos y visitando los artefactos directamente en los museos. Orientarlos a visitar aspectos concretos en paginas web didácticas sobre el tema del arte. Hacer que sus alumnos se interesen genuinamente sobre el la historia del arte, por el placer de aprender y no por mandato de nadie.
Se les puede motivar también a reproducir con medios como plastilina, pintura, escultura, arcilla etc. estos artefactos. Se les puede llevar a lugares naturales e impartir las clases vinculando juegos y teoría. Al estar en un ambiente mas propicio para la imaginación, los niños se tornan mas receptivos, mas propensos a aprender.

El arte se puede transmitir en forma amena y no tediosa, porque no es necesario hostigarlos con detalles innecesarios si ellos no van a ser especialistas del tema.
Tratar de fomentar el ejercicio de la imaginación, no la repetición mecánica, sin pensar de los temas que se traten.
Cuando escribo mi blog dejo correr mi imaginación, me ubico en mis lectores, como a ellos les gustaría aprender, que les gustaría leer y que resultaría tedioso. Los maestros tienen que hacer lo mismo, recordar cuando eran jóvenes y muy pequeños y ponerse en los zapatos de los estudiantes.

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detalle de Pintura del pintor Carracci

Cuento la información como una historia de cuentos, me apoyo en los personajes históricos y pintores y señalo aspectos de sus vidas que los acercan al publico, que los hacen sentir humanos y próximos, que hacen al que lo lee querer saber mas incluso imitarlos. Puedes contar el arte casi como una novela, solo que no de ficción, sino muy real.
Después de todo el arte es el medio que ha utilizado el hombre para contar su historia, sin el arte no sabríamos nada de ellos porque no existían videos ni fotografías, además la generación actual no estaba presente.
Hay que apreciar la visión artística de los antepasados independientemente del medio que escogieron para expresarse, el estilo o lo que querían transmitir.

Bronce. Dinastia Zhou

Ellos describieron lo que veían, lo que hacían, su forma de ver el mundo. Por mucho tiempo los artistas no eran sino considerados meros artesanos y tenían que hacer lo que sus patrones y clientes les decían, fuera un rey, el clero o un Faraón. Pero eso no quita que aunque lo representado respondía a objetivos específicos de los que comisionaban las obras, ellos no expresaran su forma artística.

La enseñanza de la historia del arte es eso, en la actualidad también, motivar a las actuales generaciones para que continúen expresándose mediante los medios visuales su visión del mundo, los cuales hoy gracias a la tecnología, son mas diversos y hasta sofisticados. Desde videos juegos, películas, artes culinarias, fotografía, composiciones digitales para diversos usos, todos son medios de expresión de la humanidad, aunque ahora se utilicen otros medios mas sofisticados y complejos incluso, apoyados en la tecnología, que no tenían nuestros antepasados.

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Los seres humanos todos, independientemente de la edad, respondemos favorablemente a aquello que motiva imaginar, a crear con nuestras propias manos o con nuestro intelecto, utilizando medios diversos.
El juego (no la competencia que incita al ego y la división) Solo el juego sano, enriquecedor atrae a los niños naturalmente, exaltando su curiosidad innata. No lo hacen sin embargo las letanías complicadas, escritas sin imágenes, sin referencias cercanas a nuestra vida diaria.
Recuerdo cuando estudiaba en la escuela de muy joven que me encantaba el arte pero me aburrían soberanamente las explicaciones robóticas detalladas de mi maestra. Me iba por mi cuenta a la biblioteca y me leía, lo que quería aprender a mi paso, según mi predilección, pintaba(no muy bien ), imitando lo que veía en los libros que tenían muchas imágenes y me encantaba colorear lo que yo misma había dibujado.
El arte históricamente tuvo como objetivo transmitir formas de pensar, formas de vivir, formas de idolatrar, formas de sentir la música, los dramas, la poesía, represento formas de luchar por ideales y libertades y hoy no es diferente.

Elena R Victorero

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Pintura Griega en la Antigüedad.


Pintura de la Antigua Grecia.

Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían producir por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son fragmentos que no dan una idea de cómo era aquella pintura plenamente.

De reproducciones hechas por los romanos de antiguas pinturas griegas es que nos han llegado algunas referencias de cómo posiblemente fueran estas últimas. Decoraciones de los griegos en edificios y templos, realizadas en mármol con pequeños tesseract, con los que  conformaron pinturas y cenefas nos dan también una idea de las características de su pintura. Muchos de estos se han encontrado decorando los pisos de importantes edificios.

 

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Otro elemento que nos brinda una pista cercana son las pinturas funerarias de los etruscos que imitaron los patrones griegos y fueron influenciados por sus conceptos de belleza y proporcionalidad, salvando claro está la impronta personal y peculiar filosofía de vida de los etruscos; que era diferente de la griega y asi lo reflejaban en su arte, como podemos apreciar en la foto inferior a estas líneas.

 

Fersu y su victima. Tumba de Augurs finales del siglo VI. A.C Tarquinia. Italia.

Fersu y su victima. Tumba de Augurs finales del siglo VI. A.C Tarquinia. Italia.

 

La decoración de vasijas de cerámica por los griegos nos aporta también una idea de sus gustos, la forma en que dibujaban los contornos de la figuras o la representación de las escenas de conjunto.

Composicion griega en vasija de ceramica

 

La pintura fue un capítulo importante dentro del Arte Griego, conocemos los nombres de muchos pintores famosos en su tiempo y tenemos también referencias de muchas de sus obras, pero desgraciadamente no se ha conservado. Sólo podemos apreciar algunas de sus características en la pintura de vasos cerámicos, en los mosaicos y en copias romanas posteriores.

 

 

Se destacan los siguientes pintores griegos en la antigüedad, al menos de los nombres que se conocen:

  1. Polignoto.
  2. Apolodoro de Atenas.
  3. Agatarco de Samos.
  4. Zeuxis.
  5. Parrasio.
  6. Apeles.

La pintura al fresco

La pintura al fresco fue un método utilizado bastante comúnmente para la decoración de las paredes de los templos, los edificios públicos, las casas y también las tumbas. Hay que señalar sin embargo que este tipo de pintura mural no gozaba del mismo nivel de reputación del que si gozaba la pintura de panel. La pintura mural tenía fundamentalmente el propósito de tapar o disimular la imperfección de las paredes cuya terminación no era muy pulida; por los materiales pobres utilizados en su revestimiento.

Los temas de los frescos griegos eran similares sin embargo a los utilizados en la pintura de panel. Los frescos griegos poseían también el balance y equilibrio que tenían el resto de sus obras artísticas, composiciones proporcionadas sin aglomeramiento de elementos adornaban sus edificios y tumbas.

 

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Pintura griega sobre esculturas.

Las esculturas eran también pintadas sobre todo la parte que correspondía con la representación del pelo y los ropajes sin embargo la parte que correspondía a lo que es la piel carecía de pintura, se dejaba con el tono natural de la piedra.

 

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Las esculturas eran pintadas por tanto más bien para resaltar algunos elementos y esto se hacía con gusto y detalle, con sutilidad, realzando la belleza y expresividad de esas esculturas en forma impresionante. En ocasiones la escultura entera era pintada en un solo color. También se ha descubierto que utilizaban pigmentos en la totalidad de la escultura incluido también la parte que representa la piel, estos pigmentos muy costosos se utilizaban en las esculturas de personajes de alto linaje.

Les recomiendo ver este articulo sobre como eran pintadas las esculturas griegas y romanas.

 

esculturas griegas coloreadas

Periodo Clásico de la pintura griega (400-323) A.C

Todas la formas pictóricas florecieron en el arte griego durante el periodo clásico, la pintura de panel fue altamente utilizada en encáustica o tempera. Los temas abordan principalmente escenas figurativas, retratos y naturalezas muertas. Se utilizan representaciones de pasajes de la mitología donde los héroes y heroínas son representados con los cánones de belleza ideal, proporciones balanceadas, suavidad de las líneas.

La racionalidad de la belleza griega utilizada en estas obras produce obras serenas, equilibradas hechas para la apreciación y el gozo del espíritu. Se toman gran trabajo en representar sin embargo; la sinuosidad de los contornos de las figuras humanas y gran detalle en la representación de la naturaleza, aunque las escenas fueran una fantasía edulcorada producto de la imaginación del artista.

 

belleza idilica griega en vasijas de ceramica

 

Durante el florecimiento del imperio Macedonio; bajo el mandato de Felipe II de Macedonia, el padre de Alejandro Magno, la pintura griega tuvo su mayor apogeo con obras de gran calidad. Se produce experimentación pictórica y se utilizan nuevas técnicas relativas al sombreado, uso del color e utilización de la luz para resaltar las figuras. Se abordan en este periodo también con éxito la caricatura y la pintura de género.

 

greek woman

 

Periodo Helenista

Durante el periodo helenista comenzando alrededor del 323 A.C y coincidiendo con la muerte de Alejandro el Grande, el arte griego trasciende fronteras y su influencia es acogida incluso por los romanos; quienes aprecian e imitan el arte griego por mucho tiempo.

Pinturas hechas por pintores bajo el dominio del imperio romano mantienen la influencia griega y muchas imitaciones de sus pinturas se producen para decorar palacios, templos y edificios públicos romanos y de sus colonias fuera de Roma también. Los romanos utilizan más el propósito de propaganda política y religiosa, a diferencia del de simple decoración que tenía la pintura griega en la antiguedad.

Se abordan en otras entradas otras manifestaciones artísticas como la escultura, la arquitectura y la cerámica en las que se destacaron y de las que se conservan bellos ejemplos.

La cerámica en el arte griego

Arte Griego Arquitectura

Arte Griego Escultura

Aportes de la cultura babilónica en cuanto a técnica, ciencia, medicina, astronomía y leyes.


 

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Aportes de la cultura babilónica en cuanto a técnica, ciencia, medicina, astronomía y leyes.

El Imperio babilónico, que se desarrollaría, con intermitencia, entre los años 2003 y 539 A.C (como mencionamos en el artículo sobre La cultura Babilónica) , fue uno de los grandes imperios que dominaron la región de Mesopotamia. Los Amorreos lograron imponer sus dinastías en las principales ciudades mesopotámicas y la más importante llegó a ser Babilonia, ( Bávilou, significa “puerta de Dios”).

Las leyendas que se crearon en torno a Babilonia; siendo muchas de ellas de-rogativas de esta cultura; juzgaron la conducta, mitos y costumbres de esta cultura desde sus propios puntos de vista y patrones morales. Prácticamente la información que existió hasta ahora fue obtenida principalmente en base a referencias de la biblia o de los cronistas griegos o persas. También hay crónicas posteriores hechas por alemanes y escritores de otras nacionalidades.

A lo largo de la historia ellos interpretaron estas informaciones sin tener un conocimiento sólido sobre el tema lo que contribuyó a crear una especie de mito malévolo de ciudad pecadora. Estas crónicas mal intencionadas, demeritan la imagen de esta cultura, sus aportes técnicos, sus conocimientos científicos destacados en aspectos tan importantes como la medicina.

La tecnología en la antigüedad se refiere a los avances en la elaboración de herramientas e utensilios de uso práctico o decorativo, así como también a la capacidad de utilizar productos de mejor calidad para obtener mejores resultados y producción a mayor escala.

Aportes fundamentales de los babilonios en cuanto a técnica, ciencia, medicina, astronomía y leyes.

– Los babilonios lograron importantes resultados en el tratamiento de enfermedades a partir de compuestos orgánicos naturales como miel y plantas medicinales. Realizaban operaciones quirúrgicas, diagnóstico y pronóstico de enfermedades recogidas en un compendio por escrito.

– La prevención y contagio de enfermedades con la aplicación de medidas de higiene personal que incluía abluciones frecuentes, lavado de las manos, hervidura de agua y elaboración con esta de bebidas tanto medicinales como de uso común. Asi como la utilización de símbolos y señales descritas en sus tablillas que corresponden a las distintas enfermedades conocidas por ellos y cómo tratarlas con efectividad.
– Creacion e implantacion del primer código penal de leyes para regir el comportamiento de las personas.
– Creación de cultos religiosos que se propagaron con versiones modificadas hacia otras culturas en la antigüedad.
– Ellos lograron obtener aleaciones de metales con los que producían herramientas, armas y elementos de carácter decorativo y utilitario como esculturas de metal, joyas, vasijas de metal, escudos brazaletes etc.
– Avanzados conocimientos en cuanto al uso de regadíos para la agricultura, el reciclaje de las tierras y cultivos.
– La utilización de la escritura cuneiforme sobre cilindros y tablillas de barro cocido técnica heredada de los Sumerios, ha aportado valiosa información con la que se pudo documentar aspectos de su historia, tradiciones y cultura.
– Sorprendente tecnica para la elaboración de ladrillos vitrificados usados para la decoración de palacios y templos.
– Avanzados conocimientos matemáticos y astronómicos sobre las constelaciones, distancia de la tierra al sol, los solsticios y equinoccios, que la órbita de la tierra era elíptica, la cantidad de planetas en nuestra galaxia entre otros. Asi como la velocidad de astros utilizando figuras geométricas como el trapezoide.
– La creación de la rueda en Sumeria y amplia utilización de la misma en toda Mesopotamia.

Los babilonios y la medicina.

Ellos lograron importantes resultados en el tratamiento de enfermedades a partir de compuestos orgánicos naturales como miel y plantas medicinales. la prevención y contagio de enfermedades con la aplicación de medidas de higiene personal que incluía abluciones frecuentes, lavado de las manos, hervidura de agua y elaboración con esta de bebidas tanto medicinales como de uso común.

Los médicos babilonios eran capaces de operar a sus pacientes con bastante efectividad y eran castigados si los pacientes morían según estaba estipulado en su código de leyes. En Mesopotamia toda así como lo fue en Babilonia fueron introducidos con el tiempo los conceptos de diagnóstico de enfermedades, prognosis del estado de salud de los pacientes y estudio de posibles complicaciones; basados en las experiencias previas registradas en sus tablillas de cerámica en escritura cuneiforme.

Estas tablillas que llegaron a conformar una especie de compilación o libro sobre el tema reflejaba con detalles descripciones conteniendo símbolos y señales que corresponden a las distintas enfermedades conocidas por ellos y cómo tratarlas con efectividad.

La limpieza de la ciudad era vista por las culturas mesopotámicas como un elemento importante para la prevención de enfermedades. De donde obtuvieron esos conocimientos aún permanece en el misterio, sobre todo si se tiene en cuenta que estamos hablando de conglomerados de humanos que conformaron civilizaciones en lo que las teorías al respecto señalan como civilizaciones en el periodo Neolítico.

Trabajos en metal en Babilonia y el resto de Mesopotamia.

Ellos lograron obtener aleaciones de metales con los que producían herramientas, armas y elementos de carácter decorativo y utilitario como por ejemplo esculturas de metal.

Técnicas como “La granulación”, de fina apariencia y gran variedad, así como también el sistema de repujado del metal; con exquisita maestría en los resultados, fueron ampliamente utilizados en joyería, decoración de armas, escudos de guerra, vasijas metálicas etc.

Ellos no elaboraban estos objetos solo para consumo personal propio, sino que era comercializado teniendo una amplia demanda por su calidad incluso en zonas remotas geográficamente. La técnica de aplicación de cuentas de Calcedonia fue muy popular en ese tiempo así como sus bellos trabajos de aplicaciones de lápiz lazuli.

Figura de metal de babilonia

 

Avanzados conocimientos en cuanto al uso de regadíos para la agricultura, el reciclaje de las tierras y cultivos les permitió no solo asentarse en estas zonas que presentaban limitaciones con condiciones no idóneas para la agricultura, sino prosperar de forma que fue posible el aumento de la población y sostenimiento de la misma mediante la infraestructura que desarrollaron, consiguiendo ser uno de los imperios más importantes de la época cuyos avances técnicos y científicos fueron asimilados por otras culturas también.

Su sistema de leyes.

La ciudad de babilonia alcanza su máximo esplendor con la figura de Hammurabi, rey más importante de la primera dinastía de Babilonia, que reinó entre los años 1792 y 1750 A.C. El cimentó y forjó las bases del Imperio babilónico.

El código de leyes de Hammurabi, es la primera legislación que se conoce en la historia, posee una asombrosa propiedad y es su capacidad para ser comprendida, su sabiduría y la comprensión del comportamiento humano que demuestran.

 

diorita Samash y Hammmurabi.jpg

 

Es significativo que muchos de sus preceptos están vigentes porque prevén muchas de las posibles situaciones que se pueden presentar en la vida social o privada de los individuos. Vislumbra este codigo aspectos que hoy en día están contenidos en las legislaciones modernas de muchos países. Este avanzado pensamiento que sistematiza y rige según un código escrito como se impondrán la justicia y el comportamiento a seguir de los ciudadanos revela un alto nivel en el desarrollo de esta civilización.

La escritura cuneiforme en tablillas y sellos de barro cocido y piedra.

La utilización de la escritura cuneiforme heredada de los Sumerios, (la cultura predecesora a ellos en esta región Mesopotámica), han aportado valiosa información con la que se pudo documentar aspectos de su historia, tradiciones y cultura a partir de cilindros y tablillas de barro cocido con escritura cuneiforme.

 

alfabeto cuneiforme

Alfabeto Cuneiforme

Por estas tabletas se ha podido conocer que el producto que exportaban mayormente eran los tejidos y que grandes cantidades de oro y plata que provenían de los tributos de las ciudades menores bajo su dominio estaban a su disposición para usarlo tanto en el mantenimiento de las ciudades como del ejército y las campanas militares. Solo los escribas eran versados en esta técnica y por ello ampliamente apreciados.

 

Escritura cuneiforme Babilonia

 

El pueblo babilónico tenía las mismas necesidades de subsistencia que tenían los otros pueblos, también ellos fueron conquistados como mismo conquistaron ellos otros pueblos, su necesidad de protección que abarca desde la defensa contra el enemigo, las injusticias contra los débiles, apropiadas condiciones del tiempo para desarrollar sus cultivos y todos las demás razones por las que los seres humanos veneran una deidad o figura heroica; estaban presentes en Babilonia y contribuyeron a crear y fomentar los cultos propagándose por el mundo. Estos cultos se basaban en historias que curiosamente tienen puntos de contacto con las historias de cultos de otras culturas en el resto del planeta. Muchas de estas historias coinciden con pasajes incluso de la biblia, e historias de mitologías como la griega y romana.

 

Los ladrillos vitrificados de Babilonia

Entre las técnicas que desarrollaron los babilonios destaca la elaboración de ladrillos vitrificados usados para la decoración de palacios y templos. Destaca la decoración de la entrada de la ciudad conocida como “La Puerta de Istar” en la que numerosos ladrillos vitrificados coloreados con intensas tonalidades de azul y otros colores nos entregan representaciones de animales que se supone tenían la misión de proteger la entrada de la ciudad.

 

puerta de Istar

 

Esta técnica imitada por otras culturas ha desaparecido desafortunadamente y a pesar de haberse tratado de reproducir en la actualidad los intentos han sido infructuosos. Es un misterio cómo ellos lograron producir en cantidades sustanciales estos ladrillos vitrificados. Los pigmentos utilizados a partir de materiales de la propia naturaleza estaban diluidos en cantidades exactas, milimétricas y reproducir esto a gran escala requería de un conocimiento de química y propiedades de los compuestos naturales que es verdaderamente un misterio como ellos lo pidieron lograr, o cómo llegaron a obtener ese conocimiento que ni siquiera hoy en día se ha podido reproducir.

 

animal de puerta de Istar

 

Avanzados conocimientos de astronomía y creación de la astrología en Mesopotamia.

Uno de los grandes misterios que nos presenta esta cultura es como fue posible que conocieran tanto ellos como los sumerios y los asirios, avanzados elementos de astronomía como si de echo ellos hubieran podido contemplar el cosmos desde una perspectiva externa a la tierra y no una simple contemplación de los astros desde la superficie del planeta. Pero además todo ese conocimiento obtenido durante solo el poco tiempo que esta cultura surgió, se desarrolló y luego se extinguió.

Conocían la cantidad de planetas del sistema solar, en un relieve se muestra una representación del sistema solar con los planetas girando alrededor del sol. Poseían específicos conocimientos matemáticos y astronómicos sobre las constelaciones, distancia de la tierra al sol, los solsticios y equinoccios, que la órbita de la tierra era elíptica, sabían cómo calcular los movimientos del sol, la luna, astros y planetas.

Podían calcular la ocurrencia de eclipses de sol y luna y en general conocimientos que solo la humanidad vino a re descubrir miles de años posterior al florecimiento de estas culturas mesopotámicas y egipcias. Ellos situaban al sol como centro de la galaxia alrededor del cual los planetas giraban.

Su amplio conocimiento de Astronomía y matemáticas les permitió desarrollar un sistema efectivo para registrar el tiempo ellos decidieron registrar el transcurso de un año y para ellos utilizaron doce meses incluidos en el. Para el transcurso de un mes seleccionaron 30 días,el día en doce horas, una hora en sesenta minutos y un minuto en sesenta segundos.

 

relieve que expone planetas

La traducción reciente de tablillas de cerámica babilónicas ha puesto al descubierto que sus astrónomos podían; utilizando la figura geométrica de trapezoides, establecer la localización, movimiento y velocidad de astros.

Lo hacían calculando el área de un trapezoide que habían trazado utilizando los valores obtenidos en su observación previa del avistamiento del astro en diferentes puntos de observación, midiendo luego de lado a lado de esta figura geométrica y promediando los resultados. Obtenían así una cifra total correspondiente a la velocidad y el tiempo transcurrido desde que se movía de un punto al otro, por tanto su velocidad de traslación habitual, en un periodo de tiempo determinado.

En una de estas tablillas se describe detalladamente; cómo utilizando estos cálculos geométricos avanzados, pudieron determinar a qué velocidad Júpiter se movía entre diferentes puntos de observación, por lo que pudieron medir su velocidad habitual.

Tablilla de Ceramica Babilónica datada entre 350 y 50 A>C que describe como los astrónomos lograron calcular el movimiento de Júpiter.

Tablilla de Ceramica Babilónica datada entre 350 y 50 (A.C) que describe como los astrónomos lograron calcular el movimiento de Júpiter.

Los sacerdotes babilonios desarrollaron el sistema zodiacal de signos correspondientes a los planetas, constelaciones etc. originalmente eran trece símbolos luego fueron reducidos a doce. Este conocimiento dio origen posteriormente al desarrollo de lo que se conoce como astrología.

rueda astrologica mesopotamica

La Rueda

El descubrimiento de la rueda en Sumeria alrededor del 3500 (A.C) en la región Mesopotámica, fue uno de los avances tecnológicos más importantes de la historia del hombre. Los babilonios acogieron este invento y lo desarrollaron aún más en el sentido de las múltiples aplicaciones para las que emplearon la rueda. Es casi imposible realizar un mecanismo de movimiento hoy en día que no conlleve el uso de la rueda.

Sus edificios y templos eran construidos basados en conocimientos de medidas matemáticas y principios físicos los cuales hoy en día nos parezcan normales conocer, pero la gran pregunta es como lo conocían los babilonios y culturas mesopotámicas 5000 años atrás. Con la traducción de las tablillas escritas en cuneiforme progresivamente nos llegan nuevos elementos que aportan un poco mas de luz en cuanto a quienes fueron los babilonios y las culturas con las que tuvieron relación ya fuera por invasiones o simples relaciones comerciales.

 

Bibliografía:

– Montero Fenollós Juan Luis. Breve Historia de Babilonia.

– Carvajal Ligia. Babilonia: entre el mito y la realidad .Sociedad cultura y organización política. No .23/anual/2010/ISSN 1659-3316.

– Lurker, Manfred (1998). El mensaje de los símbolos, mitos, culturas y religiones. Barcelona, España. Editorial Herder.

– Donald A. Mackenzie. Myths of Babylonia and Assyria. September 5, 2005 [EBook #16653.] Character set encoding: ISO-8859-1.

– Hammurabi Code and the Sinaitic Legislation W… (Paperback) by Chilperic Edwards. Watts & Co printers. London.

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