LA ESCULTURA GRIEGA

La escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El escultor tiene libertad de expresar su visión en la obra, sin embargo, la misma busca lograr la representación de la perfección en la figura humana como se menciona anteriormente; exaltando la fuerza física y la perfección de los rasgos.

Materiales utilizados en la escultura griega:

Al principio en madera; luego sustituida por la piedra (mármol principalmente); también es muy utilizado el bronce (a la cera perdida); excepcionalmente crisoelefantinas (de marfil, oro y plata).

 Las esculturas generalmente estaban policromadas, salvo las obras realizadas en bronce.

Etapas evolutivas de la escultura griega.

La escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas, con características propias en cada una de ellas. Estas son:

Epoca Arcaica.

En los siglos VIII al VI a.C., desde el final de la llamada Edad Oscura hasta las Guerras Médicas (490-480 a.C.)

Se caracterizó por ser una época en donde los escultores comienzan a buscar un estilo y una técnica propios. Encontramos esculturas anteriores al período arcaico que son muy simples. Al principio realizaron pequeños exvotos y xoanas (esculturas talladas sobre el propio tronco del árbol).

Posteriormente las primeras esculturas de gran formato realizadas en piedra:

–       Los kouroi o efebos (kourós en singular), figuras de atletas desnudos.

–       Las korai o muchachas (koré en singular), figuras oferentes de mujeres vestidas.

Características principales de la escultura arcaica.

• De cuerpo entero; actitud hierática (sin movimiento)
• Ley de la frontalidad;
• Modelado sencillo y de fuerte geometrización;
• El Estatismo posteriormente; ya que únicamente se desplaza un poco la pierna izquierda para sugerir el movimiento de andar, pero sin conseguir la sensación de desplazamiento; los brazos se despegan del cuerpo.
• Grandes ojos almendrados.
• Sonrisa arcaica o eginética, (expresión facial mediante un gesto forzado y convencional que esboza una sonrisa).
• Largas cabelleras conformadas a base de elementos geométricos.
• Las esculturas eran hechas como ofrenda a los deportistas.

 

Las Korai

Características generales de las Korai

Están vestidas, en ellas es más importante el estudio de los pliegues que el de la anatomía, Son estatuas de carácter religioso, encontradas en los templos. Ejemplos: Dama de Auxirre, derivada de las xoanas; Hera de Samos, todavía muy arcaica; Koré del Peplo y otras korai evolucionadas del siglo VI a.C., como las descritas más arriba.

Encontramos dos tipos fundamentalmente:

–       Con el peplo dórico (túnica gruesa sin pliegues)

–       Con chitón jónico (de textura fina y con abundantes pliegues) con los dos pies juntos; la mano libre sujeta el vestido o una ofrenda; con sonrisa arcaica.

Los Kouroi

Características del siglo VII a.C.: Con la pierna izquierda adelantada, pero sin sensación de movimiento, ya que las plantas de los dos pies están pegadas al suelo; con los brazos caídos, pegados al cuerpo y los puños cerrados; modelado sencillo (que evolucionará hacia formas cada vez más conseguidas), con fuerte geometrización (sobre todo en pelo y torso), y desproporciones entre las distintas partes del cuerpo; con ojos almendrados y abultados; la boca siempre cerrada y con «sonrisa arcaica» («sonrisa eginética»). Ejemplos: Cleobis y Bitón.

Los kouroi del siglo VI a.C.: Evolucionan hacia formas más redondeadas, perfeccionándose el modelado anatómico; también es menor la geometrización de las formas; se aprecian ya suaves movimientos; aparecen nuevos elementos. Ejemplos: El Moscóforo (joven portador de ternero como ofrenda); Jinete Rampín, con la cabeza ligeramente girada; el Kurós de Anavyssos y el Apolo de Piombino, kouroi con líneas más dulces

A esta época pertenecen obras como:

–       El Kourós de Anavyssos (atleta),

–       La Dama de Auxirre o Xoana (doncella vestida),

–       La cabeza del caballero Rampio.

Etapa Clasica del arte griego

Siglos V y IV a.C., desde las Guerras Médicas contra los invasores persas hasta el fin de la Guerra del Peloponeso (404 a. C.)

Esta época significó el período de mayor auge en todas las manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores logran la perfección de sus técnicas, así como mejores piezas escultóricas, en donde se observa la magnificencia de la figura humana.

Esta época tiene 2 períodos con estilos y características propias:

–       El estilo Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón, Fidias y Policleto,

–       El estilo Bello, donde se destacan Escultores como Escopas, Praxiteles y Lisipo.

EPOCA CLÁSICA (SIGLOS V – IV A.C.)

En los siglos V y IV a C la escultura griega llega a su culminación, creando en esta época obras que han quedado como modelos de belleza y perfección plástica.

En este siglo se produce un proceso febril de realizaciones para conmemorar la victoria frente a los persas y para reconstruir lo destruido.

El objetivo estético es plasmar la belleza ideal, aunque es un arte naturalista se tiende a la idealización, partiendo de la realidad se crean arquetipos. El verdadero protagonista es el cuerpo masculino desnudo, consiguiéndose en su realización un dominio total de la anatomía. Los temas más representados pertenecen al mundo mítico de los dioses y héroes, que son tratados con gran seriedad. Se pierde definitivamente el hieratismo, lográndose la movilidad de las figuras y captando gestos y actitudes. También se abandona la frontalidad, las esculturas tienen varios puntos de vista.

Durante los primeros 50 años del s. V a.C. encontramos una etapa de transición hacia esos objetivos, aún con restos de arcaísmo, el “Estilo Severo”. Vemos pasos hacia la perfección anatómica, mayor dinamismo, y las soluciones para adaptar la escultura a los tímpanos de los frontones.

Ejemplos de este período son: Los Frontones del Templo de Afaia en Egina y los Frontones del Templo de Zeus en Olimpia (ya mencionados más arriba); los Relieves del Trono Ludovisi (Nacimiento de Afrodita); bronces como Poseidón, los Guerreros de Riace o el Auriga de Delfos.

 

Esculturas de Critios, diestro escultor griego: Autor de los Tiranicidas y el Efebo Atleta, que supone el inicio de la época preclásica, gracias a lo novedoso de su postura, precedente del “contraposto”: dobla una rodilla para apoyar todo el peso del cuerpo en una sola pierna, su anatomía es más realista, aunque el pelo sigue en la misma línea, corto; y la cabeza no está totalmente recta, sino un poco girada y ligeramente inclinada hacia abajo.

 

siglo V a.C. inicio de la “Etapa Clásica” en el arte griego.

Mirón:

Broncista, aunque las obras que se conservan son copias romanas en mármol, como en la mayoría de los casos que vamos a ver. Su obra más famosa es el Discóbolo, en el que Mirón demuestra ser el maestro del movimiento, no estamos ante la tradicional postura erguida, sino que la que realiza es muy atrevida, capta un instante, el momento previo a lanzar el disco, el momento de esfuerzo máximo, por ello todo el cuerpo está en tensión, pero la cabeza no se acaba de corresponder con el cuerpo, ya que está demasiado tranquilo, concentrado, pero sereno. También suyo es el grupo de Atenea y Marsyas, en el que Atenea está andando y con la cabeza mira el suelo al mismo punto donde está mirando Marsyas, formando una uve, Atenea está serena y viste el peplos, Marsyas es una figura desnuda en tensión, lo que permite mostrar una potente musculatura.

 

Policleto:

También broncista. Publica el «Kanon», obra en la que realiza un estudio de las medidas y proporciones del cuerpo humano, la belleza estaría en estas proporciones (la altura total del cuerpo es siete veces la cabeza) y en la simetría. En el Dorífero, portador de lanza, plasma todas sus teorías: cabeza esférica, proporciones y simetría, postura clásica o “contraposto”, erguido, con cierta curvatura en el torso y la cadera al descansar todo el peso sobre una pierna. El Diadúmeno posee unas características muy parecidas al anterior, aparece atándose una cinta a las sienes. Otra obra suya es una Amazona herida, premiada en un concurso para la decoración del Santuario de Éfeso, en el que compitió con Fidias y Crésilas hacia mediados del siglo V a.C.

Fidias:

Unido a Pericles por la reconstrucción y ordenación monumental de la Acrópolis de Atenas, es el escultor de los dioses, el que mejor capta la esencia de la divinidad, autor de dos gigantescas esculturas crisoelefantinas (núcleo de madera con placas de oro y marfil):

 

Obras más conocidas de Fidias:

–       La Atenea Parthenos,

–       El Zeus de Olimpia,

–       La Atenea Prómachos,

–       La Atenea Lemnia,

–       La Amazona herida

–       También se atribuye a Fidias toda la decoración escultórica del Partenón; (que influirá en los escultores del “Estilo Partenón” del “Estilo Bello”, de finales del siglo Va.C.)

–       Las Metopas del Friso del Dórico

–       El Friso de las Panateneas

–       Las esculturas de los Frontones del Partenón (excelentes composiciones, en las que las figuras se ajustan perfectamente al frontón; en el frontón oriental se representa el Nacimiento de Atenea y en el occidental la Lucha de Atenea y Poseidón por el Ática; estudia la anatomía en los desnudos y de los vestidos en las figuras femeninas, aunque mediante la “técnica de paños mojados” también en este caso se adivina la anatomía).

 

“Estilo Partenón” o “Estilo Bello”.

Las realizaciones de finales del siglo V a.C. se pueden clasificar dentro de una nueva etapa dentro de la evolución de la escultura en la Etapa Clásica.

Krésilas

Destaca entre los escultores adscritos a este periodo: Realizó un Busto de Pericles, situado en el Acrópolis de Atenas, con casco corintio y muy idealizado. También conservamos su Amazona Herida del concurso de Éfeso.

 Kallimachos:

Sus obras continúan en la línea de la técnica de los paños mojados inaugurada por Fidias en el Partenón, la Afrodita de Frejus y el relieve de la Victoria atándose la sandalia del Templo de Atenea Nike.

 Otros ejemplos de la escultura de esta etapa: La Victoria de Paionios, que conmemoraba una victoria frente a los espartanos y recoge el momento en que la victoria se posa en el suelo, la túnica se ajusta totalmente cuerpo y se arremolina en la parte de atrás, siendo el antecedente de la victoria de Samotracia. También destacan, de autores anónimos pero en la misma línea de las anteriores: la Nióbide herida, escultura femenina prácticamente desnuda que representa el momento en el que ha recibido una flecha en la espalda y está luchando por quitársela, destaca por el rostro, que ya refleja el sufrimiento; y la Hera Barberini.

 

La Escultura Griega en El siglo IV a.C.

Época de crisis de las ciudades estado y de disgregación y transformación en lo social tras la Guerra del Peloponeso entre Esparta y Atenas y sus respectivos aliados. Atenas, a pesar de la crisis política, siguió manteniendo la supremacía artística en Grecia, gracias a una sociedad elegante y refinada, aunque en este contexto el artista trabaja no para el estado sino para particulares, pues la guerra ha dejado sin recursos las arcas del Estado.

Se producen cambios respecto al siglo anterior: Dioses y atletas siguen siendo los protagonistas, pero ahora se representan los dioses más próximos al hombre y no los grandes del Olimpo y los atletas en actitudes menos heroicas, más cotidianas; las figuras se hacen más libres, menos majestuosas; el canon estético se estiliza; se acentúa el naturalismo en gestos y actitudes, los rostros comienzan a reflejar el “pathos” (su expresión emocional y estado anímico); inicia su aparición el desnudo femenino.

Praxiteles:

Es el escultor de la delicadeza, la elegancia y la belleza, de las superficies suaves. Acentúa la tradicional postura clásica inclinando aún más la cadera, “curva praxiteliana”, aunque continúa el quietismo de la composición. Obras suyas son

• El Hermes de Olimpia (uno de los pocos casos en que conservamos el original, representa a Hermes, el mensajero de los dioses, llevando a Dionisos niño durante un descanso en el camino)
• El Apolo Sauróctono (marca aún más la curva praxiteliana y el cuerpo es más joven)
• La Afrodita de Cnido (con la que se inicia el desnudo femenino, todavía «timidez», siente pudor y se cubre con las manos, será muy copiada, canon de belleza femenina)
• La Afrodita de Arlés (desnuda pero con las piernas cubiertas por un manto, el desnudo integral no es aceptado inmediatamente).

Scopas:

Escultor del «pathos», de la pasión, reflejándose en las figuras el estado del alma (angustia agitada). Atraído por temas trágicos o patéticos, lo que se aprecia en obras como su Bacante o Ménade Herida (con el cuerpo agitado por movimientos convulsivos, con el torso retorcido, girando el cuello hacia atrás, la cabellera desordenada y revuelta). También realizó los relieves orientales del Mausoleo de Halicarnaso y la estatua de Mausolo.

 

Lisipo:

Escultor arcaizante, admirador de Policleto, pero en él el naturalismo está más acentuado. Nuevo canon de belleza, más esbelto, ahora el cuerpo como ocho cabezas, disminuyendo el tamaño de ésta, por lo que el cuerpo resulta más alto en proporción a la anchura. Cultivará el retrato, fue el escultor preferido por Alejandro Magno.

Sus principales obras son el Apoxiomeno (atleta limpiándose con el “estrígilo”, ejemplo del nuevo “Kanon” y del dominio definitivo de la tercera dimensión y de la escultura abierta gracias a que rompe el espacio mediante el gran escorzo de su brazo derecho), el Ares Ludovisi (dios de la guerra sedente) y el Hércules Farnesio (extraordinario estudio anatómico y de la fortaleza física).

 

Entre las obras de otros escultores destacados de este siglo podemos citar las siguientes:

 

–       Leda y el cisne de Timoteo. 

–       La Artemisa de Versalles.

–       El Apolo de Belvedere de Leócares. 

–       El Orante de Bedas.

ESCULTURA HELENÍSTICA (DESDE EL SIGLO III A.C.)

 

PERIODO HELENISTICO:

Desde finales del siglo IV a.C., a partir del reinado de Alejandro Magno (336-323 a. C. hasta la conquista de Grecia por Roma, a mediados del II a.C.

Esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toman modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra la figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un primer plano. En este período surgen diferentes escuelas.

Escuelas más importantes del periodo Helenistico en el arte griego:

• Pérgamo.
• Rodas
• Alejandría.

 

El Helenismo es la etapa de la crisis de la polis, al englobarse la constelación de ciudades-estado en una unidad política bajo el dominio macedónico.

En este nuevo mundo político, organizado por el genio de estadista de Alejandro Magno, no tienen sitio los ideales de armonía y medida de la Grecia clásica y son sustituidos por nuevos valores, la cultura griega se universaliza, admitiendo las aportaciones de los pueblos orientales con los que funde, surgiendo así una cultura mixta, en la que se mezclan la tradición clásica, el orientalismo (colosalismo y decorativismo) y una nueva concepción de la vida, no basada ya en elevados ideales sino en la búsqueda del goce de la misma.

Artísticamente partirá de las conquistas del siglo IV a.C., pero la escultura es más naturalista, incluso llegando al realismo más crudo en ocasiones, se acentúan la expresividad de los rostros y las actitudes, se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas fidíacas, el dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos, la fealdad de monstruos o seres amenazadores a la belleza clásica, así mismo se enriquecen los puntos de vista, aumenta la monumentalidad y la variedad temática, en definitiva, se tiende a la barroquización de la escultura.

Ahora los escultores quedan más en el anonimato, ya que se trabaja por escuelas. Veamos algunos de los principales temas y las escuelas más destacadas:

Triunfo del realismo, el retrato: Se van a reproducir los rasgos individuales del individuo por lo que el realismo avanza en los retratos, descarnados, sinceros y de gran penetración psicológica.

–       La Escuela de Alejandría, las alegorías: Gusto por las alegorías, como la de El Nilo (se representa al río como figura humana, rodeado de otros elementos que lo identifican).

 –       La Escuela de Pérgamo, las grandes composiciones: Son famosas sus grandes composiciones, heroicas, de fuerza patética y gran intensidad emotiva, como el Monumento de Atalo I (para conmemorar la victoria frente a los galos, del que se conservan algunas figuras exentas de gran realismo, hasta el extremo de identificarse claramente sus rasgos raciales) o los Relieves del Altar de Zeus en Pérgamo (la obra cumbre de este tipo por los efectos de dolor y esfuerzo, perfectamente logrados al tallar la anatomía, el tema es La Gigantomaquia o lucha entre los dioses y los gigantes).  

–       La Escuela de Rodas, colosalismo y movimiento: Gusto por lo colosal y gigantesco, por el movimiento contorsionado y por la expresividad, sobre todo los gestos de dolor de los rostros. Ejemplos:

 –       El Coloso de Rodas (gigantesca escultura a la entrada del puerto de Rodas, bajo la cual pasaban los barcos, una de las Siete Maravillas del mundo antiguo).

–       El Fauno Barberini (de un realismo extremo) la Victoria de Samotracia (con las alas desplegadas y el cuerpo hacia adelante, desafiando al viento, mostrando una gran maestría en el estudio de los ropajes, que se hacen transparentes al pegarse al cuerpo por efecto del viento).

–       El Conjunto de Laoconte (de Agesandros, Polidoros y Atenodoros, famoso por su expresividad y la representación del dolor mediante la anatomía en tensión por el esfuerzo físico, resumen del barroquismo helenístico, representa el castigo que se le dio a este sacerdote troyano por dudar del caballo de Troya, matando tanto a él como a sus hijos con serpientes marinas).

–       El conjunto escultórico del Toro Farnesio (realizado por Apolonios y Tauriscos, representa el momento en el que los hijos de Antíope deciden castigar a Dirce, que había tratado cruelmente a su madre, arrastrándola con un toro hasta morir).

Atenas: Destaca el escultor Apolonio, con obras de extremo realismo, mostrando el alejamiento helenístico de los ideales clásicos de los siglos V y IV a.C.

EL DESNUDO FEMENINO EN LA ESCULTURA GRIEGA.

Ahora momento de esplendor del tema. La belleza de las formas femeninas se expresa con suavidad, posiciones sensuales que acentúan las curvas femeninas, se observa el detalle en el cabello y las prendas de vestir en la caída de los pliegues de las mismas de forma natural.

 Destacan:

1. 1.     La Afrodita de Milo (mutilada, una de las más bellas y famosas)
2. 2.     La Afrodita agachada (tema de éxito en el helenismo).

LOS TEMAS DE GENERO EN LA ESCULTURA GRIEGA.

Se van a desarrollar mucho durante el helenismo. Como ejemplos El niño de la oca, los Luchadores (escena de gimnasio que capta el momento de tensión máxima), la Vieja ebria (en la que no encontramos ya ni rastro de la belleza ideal), el Espinario (niño quitándose una espina después de una prueba deportiva, el tema de los niños tuvo mucho éxito en este período) o el Hermafrodita tumbado.

 

Estelas Funerarias en el arte griego

Decoradas con relieves esculpidos en piedra. Los hombres aparecen andando, en actitud pensativa. Las mujeres se representan siempre sentadas, con una paloma u observando sus objetos personales.

La Escultura Monumental griega (aplicada a la Arquitectura)

Los frisos: Encontramos decoración escultórica en relieve en las metopas de los frisos dóricos y en los frisos corridos jónicos; en ocasiones también en frisos que decoran otros lugares de los templos u otros edificios.

No obstante a ser estas esculturas obras realizadas en dos dimensiones se logra con el trabajo de relieve un efecto tridimensional, en que las figuras expresan movimiento en relación a la acción que se encuentran realizando así como las emociones, el heroísmo y la divinidad.

Se observa aquí como en el resto del trabajo escultórico,, gran atención al detalle, a la representación figurativa fidedigna, a las proporciones de las figuras, el equilibrio y proporción de las mismas en relación al resto de las figuras del conjunto, cuidado exquisito de la perspectiva que da la sensación al mirarla de que se observa una escena real.