El Renacimiento por periodos artísticos.

 

 

 El Renacimiento temprano

 

El Renacimiento Temprano que abarca desde el año 1420 hasta el año 1500 conto con muchos artistas, incluyendo arquitectos, pintores y escultores que fueron los impulsores iniciales de la reforma estilística. Estos artistas que empiezan a firmar sus obras abiertamente, se sienten altamente inspirados por los pintores de finales del periodo gótico cuyas obras venían mostrando el camino del nuevo pensamiento humanista en ciernes, como fue el caso de Van Eyck o los hermanos Limbourg.

 

 

El inicio del Renacimiento en la ciudad de Florencia en la Península Itálica, coincide con el periodo tardío del gótico en Europa. Las ciudades estado italianas se van sumando paulatinamente a esta corriente humanista y aunque en esta etapa temprana del Renacimiento aún perduran los elementos del gótico, los artistas se encaminan a la búsqueda de soluciones técnicas que les permitan representar sus obras con la nueva concepción estética.

Entre los artistas destacados es importante destacar a los artistas Filipo Brunelleschi. (1377-1446) y Tommaso di Ser Giovanni di Simone: (Masaccio) (1401-1428), quienes, el primero en arquitectura y el segundo en pintura marcaron hitos al encontrar soluciones prácticas a problemas técnicos en el arte que abrieron el camino a las posibilidades de expresión del renacer del hombre en la plástica y el arte en general.

El Renacimiento como estilo artístico y pensamiento filosófico tuvo que afrontar en un principio rehacías opiniones en su contra y fue acusado de ser el estilo de liberales y neopaganos, pero la intransigente persecución del fraile Dominicano Girolamo Savonarola (1452-1498) no pudo parar el progreso de la humanidad y la transformación del pensamiento del hombre.

 

 

Al librarse de las ataduras de los gremios de artesanos y convertirse en particulares los artistas del primer periodo del renacimiento conforman sus obras basados en la tendencia humanista devota a la razón, e imprimen sus obras del clasicismo y la perfección propia del arte griego y romano en la antigüedad. El nuevo culto a la fama le propicia tener una clientela amplia que quiere ser inmortalizada en retratos o esculturas o que quieren mostrar sus respetos por las figuras exitosas y prominentes. Al mismo tiempo surten con bellos y valiosos objetos a la clase pudiente con obras para decorar sus palacios o centros sociales las cuales responden a su interés como clase opulenta deseosa de mostrar su riqueza y poder.

 

 

Las obras en este periodo son por tanto detallistas, proporcionadas, medidas y apegadas a los dogmas del clasicismo griego y romano, pero poseen también el orgullo de un hombre exitoso que quiere platear su realidad tal como es y en ese sentido hay un despegue de la estética pura del idealismo griego y las obras se tornan realistas y muy pormenorizadas, como si fueran a cobrar vida ante los ojos del espectador. Los rasgos de los personajes son idénticos a los modelos, no importaba si estos eran feos o bonitos. Hasta el temperamento de los mismos o la emoción que estuviera siendo representada era indicado explícitamente para mejor comunicación con el espectador. No estaban exentas sin embargo en las obras de muchos de estos pintores, los signos velados o mensajes ocultos destinados a ser comprendidos por un público culto.

No eran personajes y escenas idealizadas y perfectas, sino realistas y perfectas. Muchos artistas se destacan por su talento y estilo propio lo que los sitúa como artistas prominentes y en demanda quienes se convertirán a su vez en maestros o mentores; como el propio Verrocchio quien fue maestro de Leonardo Da Vinci.

 

Pintores, escultores y arquitectos del renacimiento temprano.

He aquí algunos de los más importantes.

 

–       Filipo Brunelleschi. (1377-1446)

–       Donato di Niccolò di Betto Bardi. (Donatello) (1386- 1466)

–       Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Sandro Botticelli) (1445-1510)

–       Tommaso di Ser Giovanni di Simone: (Masaccio) (1401-1428)

–       Domenico de Ghirlandaio. (1449-1494)

–       Piero de la Francesca (1415-1492)

–       Andrea di Michelle di Francesco de’ Cioni. (Andrea Verrocchio)(1435-1488)

–       Lorenzo di Bartolo. (Lorenzo Ghiberti). (1378 -1455)

–       Agostino di Duccio. (1418-1481)

–       Fray Angélico (Fra. Giovanni di Fiesole (1395 -1455)

–       Paolo Uccello (1397-1475)

–       Alesso Baldovinetti (1425-1499)

–        Desiderio de Bartolomeo di Francesco detto Ferro (Desiderio da Settignano)1428-1464)

–       Lucca della Robia (1400-1482)

–       Domenico Veneziano (1410-1461)

–       Andrea Mantegna (1431-1506)

–       Antonio Rossellino. (1427-1479)

–       Bertoldo di Giovanni. (14   – 1491)

–       Antonio del Pollaiolo. (1433-1498)

–       Andrea del Castagno.(1423-1457)

 

 

El alto Renacimiento

 

Para el periodo DEL ALTO RENACIMIENTO aproximadamente entre 1475 y el 1525 el papado en Roma asume también el papel de mecenazgo. Luego de un periodo de titubeo en la que aun no aceptaban el cambio radical de pensamiento, la iglesia no tiene de otra que avenirse a buenos términos con esta imparable corriente humanista. Deseosa de contar con los servicios de prestigiosos artistas comisiona la decoración de salones en los edificios pontificios, otros edificios religiosos y monumentos funerarios a pintores y escultores importantes que representan la cúspide del talento artístico de la época, entre ellos: Miguel Ángel Buonarroti, Rafael, Leonardo Da Vinci y Tiziano.

Ellos realizaron obras comisionadas también por mecenas o figuras públicas importantes como los Medici que para entonces controlaban las finanzas italianas y cuya influencia se extendía por el resto de Europa. La estabilidad política que se estableció en diferentes regiones permitió que poderosas familias con gran poder adquisitivo actuaran como patronos de las artes, facilitando que las mismas florecieran.

 

 

El arte del renacimiento se expande por toda Europa en este periodo pero fundamentalmente se acoge muy bien en (Francia, Inglaterra, Alemania y la Península Ibérica). Responde este arte eficazmente a las necesidades de una sociedad burguesa en busca de rodearse de confort, con obras que expresaran su refinamiento y poder como clase ya instaurada.

Un interés grande por la naturaleza y el mundo animal se ilustran en los bocetos de artistas como Albrecht Dürer (Alberto Durero) (1471-1528), figura dominante del Renacimiento Alemán quien como científico represento los elementos de las figuras en detalle. Sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte ejercieron una profunda influencia en los artistas del siglo XVI de su propio país como Lucas Cranach el Viejo (1472-1553) y también en los artistas de los Países Bajos.

 

 

 

 

Figuras de héroes y leyendas son reanimadas con viveza y tangible cercanía en obras de indudable talento, las que parece como si fueran a cobrar movimiento. En ellas la figura humana; como en el caso del David de Miguel Ángel (hecho a tamaño natural), expresan el detallado estudio de las formas del cuerpo, sus curvas, las venas, la flexión natural de piernas y caderas. Miguel Ángel logra representar la acción, el dramatismo del momento.

 

 

El fue además el autor de la decoración de la bóveda de la capilla Sixtina y en esta excelsa creación refleja sus conocimientos del cuerpo humano tal y como lo hiciera cuando esculpía. Fue Miguel Ángel Buonarroti el primer pintor que logró representar este capítulo de la biblia sobre la creación con realismo y detallado trabajo, enteramente a base de las poses, dramáticos gestos y expresiones del rostro de las figuras, que transmiten el mensaje del caótico desasosiego ante el juicio final.

 

En este periodo santos, vírgenes y apóstoles son dotados en las obras artísticas de una dignidad y nobleza que se expresa en sus humanizadas figuras, que se representan con los cánones clásicos de belleza pero lejos de estar totalmente idealizados se representan naturales, cercanos y realistas.

Filósofos clásicos conversan dentro de la composición de Rafael en su obra “La escuela de Filosofía” rodeados de personalidades de la época renacentista, en donde la ilusión espacial que representa muestra una profundidad tridimensional sorprendente. La suavidad de los rostros de sus vírgenes y retrato de personalidades parecen hechos sin esfuerzo, cuando en realidad un dominio increíble de la técnica y gran capacidad de trabajo nos regalan en sus suaves y dulces figuras un verdadero y emotivo deleite visual donde la luz es la verdadera protagonista.

 

 

 

Leonardo Da Vinci con su constante experimentación, estudio el comportamiento de los pigmentos y adhesivos para pintar, termino pocas obras enteramente pero en las que se preservan se observa la excelsa pulcritud del dibujo y la maestría del uso del color, habilidad que demostró gracias al compendio de conocimientos que poseía sobre muchos aspectos científicos. Su utilización de la perspectiva aérea y la creación del llamado Esfumado lo sitúan como uno de los grandes genios de la pintura del renacimiento.

 

 

Otro destacado artista de este periodo fue Tiziano Vecellio en cuya obra logra representar a través del patetismo del color, el control sobre las luces y sombras, con su estilo arrebatado y dinámico mueve emocionalmente al espectador de forma impactante. Su estilo rebuscado, con el que influencio otros pintores de la época sentó las bases de lo que sería el estilo Manierista en el siglo XVI.

Giorgione crea atmósferas muy particulares y realistas donde la naturaleza representada parece latir con cálida vida, sus temas presentan vaguedad en el asunto tratado por lo que sus composiciones se prestan a numerosas interpretaciones . Los colores difuminados de los fondos aportan dramatismo a la escena representada.

 

 

 

Lucca Signorelli

Luca d’Egidio di Ventura de Signorelli conocido como Luca Signorelli o Luca da Signorelli (1450? -1523 ) fue un pintor cuatrocentista italiano nacido en La región de La Cortana. El fue uno de los grandes maestros de la llamada Escuela de Umbría. De su maestro Piero de La Francesca aprendió sobre un adecuado tratamiento de la perspectiva. Tenia gran capacidad para plasmar dinamismo en sus figuras, lo que desarrollo estando en Florencia al ser influenciado por los pintores de esa prolífica y artística ciudad por lo que se considera que su estilo particular esta más relacionado con Florencia que con la Escuela Umbría.

La libertad en el modo para tratar los temas, la especial utilización de los efectos lumínicos así como el dramatismo de muchas de sus composiciones le confieren a su obra un elevado valor dentro del Renacimiento. Gran dominio del dibujo que genera composiciones claras y definidas aun cuando utiliza muchos personajes en ella.

Es en Orvieto donde produjo su obra maestra, los frescos en la capilla de S. Brizio (entonces llamada la Cappella Nuova), en la catedral las pinturas de Signorelli en las bóvedas y en las paredes superiores representan los acontecimientos referidos al Apocalipsis y el Juicio Final; con un dramatismo tal, que es realmente muy impactantes. Están inspirados en la Divina Comedia de Dante y los realizó entre 1499 y 1502, poseen una cruda y directa sus pinturas de ángeles músicos y su uso de la perspectiva.
expresividad, con una complejidad iconográfica inusual para la época.

 

 

Michelozzo degli Ambrogi.

Fue más conocido como Melozzo da Forlí ciudad Italiana donde nació. (1438 -1494) fue un artista famoso por sus pinturas de ángeles músicos y por el uso cuidadoso de la perspectiva, desarrollando posteriormente también afición por la representación arquitectónica en sus pinturas, donde la perspectiva que emplea crea espacios muy acertadamente representados.

El decoró a pedido de Sixto VI la biblioteca Vaticana con un excelente fresco que se conserva aun hoy en día en los Museos Vaticanos. Este fresco nombrado “Sixto IV nombra a Bartolomeo Platina Prefecto de la Biblioteca Vaticana” lo pinto en 1477 y es considerada su obra maestra por el sobresaliente uso de la perspectiva arquitectónica de la escena, como habíamos señalado y la configuración del conjunto que inducen al espectador a imaginar que el espacio se adentra hasta un fondo con ventanales lejos de los personajes del frente del fresco.

Sus principales seguidores fueron Marco Palmezzano, Lorenzo da Viterbo y Antoniazzo Romano, pero su estilo influyó notablemente a muchos pintores, como Donato Bramante.

 

 

Principales artistas del Alto Renacimiento.

 

–          Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni. (Miguel Ángel Buonarroti).    (1475-1564)

–          Leonardo di ser Piero da Vinci. (Leonardo Da Vinci) (1452-1519)

–          Rafael. Raffaello Sanzio da Urbino (1483 -1520)

–          Tiziano Vecelli o Tiziano Vecellio. (Tiziano) (1485-1576)

–          Giorgio da Castelfranco. (Giorgione). (1470-1510).

–          Donato di Pascuccio d’Antonio. (Donato Bramante da Urbino) (1444-1514)

–          Albrecht Dürer (Alberto Durero) (1471-1528).

–          Luca d’Egidio di Ventura de Signorelli. (Luca Signorelli). (1450  1523 )

–          Michelozzo degli Ambrogi.(1438 -1494).

 

El Manierismo en el Renacimiento

 

Esta tendencia dispuso de una literatura teórica desarrolladísima que sin embargo no encontró eco en la burguesía que no podía comprender su sofisticación conceptual. El Manierismo coincide con el periodo de la crisis del cristianismo y las luchas en Europa contra los invasores musulmanes.

Esta tumultuosa etapa marca el estilo de numerosos pintores en toda Europa influenciando a pintores de los países bajos, Alemania, Francia y sobre todo en España donde la figura del pintor conocido como El Greco era muy apreciada en las cortes españolas.

 

 

Las figuras humanas se representan más alargadas alejándose del equilibrio clásico, utilizan la luz contrastada en sus pinturas, el cromatismo intenso, arrebatamiento de las formas, composiciones recargadas. Se muestra alta expresividad de las emociones y se aumentan la sensación de inquietud y zozobra. Son pinturas destinadas a provocar reacciones emocionales en el espectador. Son sin duda la respuesta ante clásica que se viene desarrollando y que toma auge a finales del siglo XVI. La paleta contrastante del Greco por ejemplo, enfatiza el mensaje de la obra mediante una elocuencia particularmente dramática, es casi como si estuviéramos viendo personajes reales en una puesta de escena teatral, en su obra El entierro del Conde de Orgaz el patetismo ante la muerte queda representado tan vívidamente que nos sobrecogemos ante su contemplación.

 

 

Artistas pertenecientes al periodo Manierista

 

–       Andrea del Sarto (1486-1530) (Alto Renacimiento y Manierista)

–       Giovanni Battista di Jacopo (Rosso Fiorentino) (1494-1540)

–       Sebastiano del Piombo. (Alto Renacimiento y Manierista)(1485-1547)

–       Fra. Bartolomeo (di Pagholo) Fra. Bartolomeo. (1472-1517)

–       Domenico di Pace Beccafumi. (1486-1551)

–       Jacomo Carucci.(Pontormo)(1494-1557)

–       Doménikos Theotokópoulos (El Greco). (1541-1614)

–       Giulio Romano, (1499-1546)

–       Girolamo Fransesco María Mazzola (Parmigianino) (1503-1540)

–       Francesco Primaticcio. (1504-1507)

–       Agnolo di Cosimo (Bronzino) (1503-1572)

–       Giorgio Vasari. (1511-1574)

–       Jean Boulogne. (Gianbologna)erróneamente (Giovanni da Bologna).(1529-1608)

–       Bartolommeo Bandinelli. (1493-1560)

–       Bartolomeo Ammanati. (1511-1592)

–       Bernardo Buontalenti (Bernardo Delle Girandole)(1531-1608)

–       Benvenuto Cellini. (1500-1571)

–       Federico Zuccari. (1540-1609)

–       Pellegrino Tebaldi (1527-1596)

 

 

 

Este periodo Manierista es el antecedente directo del aveniente periodo Barroco del arte. Los pintores y escultores Manieristas con su recargamiento de elementos en las obras, su respuesta ante clásica a los dogmas compositivos, la experimentación con diferentes paletas de colores, difuminación de fondos, dibujo nervioso y dramatismo exacerbado plantean las bases estéticas y estilísticas que toma la nueva generación de pintores, que influenciados por la nueva situación económica, política y social impulsan un cambio que se aleja aun mas del academicismo en la plástica.