ARTE GOTICO PINTURA

Tan pronto como el estilo gótico  tomo popularidad y un gran número de iglesias catedrales y monasterios se edificaron en las distintas capitales europeas, la pintura al fresco fue declinando en cuanto a ser el medio de preferencia para decorar los muros ya que estos habían sido sustituidos en gran medida por enormes vitrales multicolores por los que pasaba la luz atraves de magnificas pinturas en cristal hechas por artesanos vidrieros cuya maestría durante el periodo gótico alcanzo notorio esplendor. La sola excepción en incorporarse a esta tendencia fue Italia donde los pintores florentinos como el Giotto, continuan decorando con frescos las iglesias y capillas. Sobre la tendencia Italiana en este periodo hablaremos mas adelante.

No es posible hablar del periodo gótico en el arte sin refererirse a estas imponentes vidrieras cuyo efecto en los espectadores es de indudable fuerza y emotividad. Entre las vidrieras que se destacan están las de la catedral de Chartres, las catedrales de Bourges, Tours, Bayeux, la catedral de León y de la Santa Capilla de París.

Pero todo ello conllevo a que la pintura tradicional tuviera que reformatear la base sobre en la que en lo adelante representarían los temas religiosos, mitológicos y de la vida diaria como por ejemplo los retratos de la burguesía. La pintura sobre tabla y los manuscritos iluminados pasaron a formar parte más activa en cuanto a los medios plásticos utilizados ya para el siglo XIV.

En el caso de los manuscritos iluminados en el periodo gótico  estos combinan los dibujos y pinturas frecuentemente con letras o textos que contribuyen mejor a su comprensión y poseen gran colorido. Ilustran con bastante detalle los hechos que se narran aunque en muchos casos estas pinturas son anónimas mientras que otras poseen identificación en cuanto al ilustrador que los realizo. No fue hasta casi treinta años después que ya el arte gótico estaba en la preferencia de los artistas que ocurre una transición imperceptible entre los manuscritos que se producían en el periodo románico y los que se produjeron en el gótico. Los personajes religiosos se empiezan a representar más humanos con detalles en la representación de su anatomía de la cual no se tenían suficientes nociones previas. Destacados miniaturistas fueron Jean Pucelle, Jacquemart de Hesdin y los hermanos Limbourg.

Además de los vitrales historiados encontramos que a partir de este siglo se le suma la ejecución de dípticos y trípticos de tema religioso comisionados por la jerarquía eclesiástica para decorar altares, púlpitos y diferentes estancias interiores de estos edificios religiosos. Los temas representados sobre tabla no solo son de tema religioso ya que el retrato y algunos paisajes se suman a las obras decorativas realizadas.

Entre los pintores que descuellan desde muy jóvenes por su gran talento, ingeniosidad y espíritu de innovación se encuentra Giotto Di Bondone. Giotto que llego a ser considerado uno de los más importantes maestros de la pintura de su tiempo, maestro de otros pintores; cuyo estilo que tiene un gran interés por la narrativa pictórica y una espiritualidad intensificada por la influencia franciscana, fue seguido e imitado por muchos entre ellos, Taddeo Gaddi  y Andrea Orcagna.

Giotto desarrolla el «espacio pictórico», un ámbito de sensación tridimensional que se extiende en profundidad por detrás de la superficie pintada. Su obra más importante fue la decoración de la capilla para la familia Scrovegni en Padua. Los numerosos recuadros o “Ventanas” hechos al fresco sobre las paredes y bóveda de la misma están dedicados a narrar temas bíblicos en forma tan novedosa, realista y emotiva que constituyen verdaderas obras de arte.

Contemporáneo con el Giotto están las obras realizadas por Duccio Di Buoninsegna cuya “Maesta” terminada en 1311 descuella como su obra prominente con asombroso uso del color. Esta obra que sufrió vicisitudes desde su realización muestra una compleja composición escénica pero el mensaje se hace simple de entender por las expresiones y ademanes de sus personajes algunos de los cuales miran directamente al espectador como es el caso de la propia virgen María que representada en un tamaño mayor se impone serena y majestuosa haciéndonos participe de la escena.

Los hermanos Limbourg que mencionamos entre los ilustradores de manuscritos destacaron como miniaturistas y manejaron muy bien el color en sus obras. Realizaron también decoraciones pictóricas de mayor tamaño para castillos e Iglesias. Sus obras se caracterizan por tener un brillo e intensidad elocuentes del detallismo con el que representaron la realidad circundante. Su talento proveniente del conocimiento de diversas especialidades artesanales permitió que se formaran en un nivel destacado entre los pintores reconocidos. Su estilo estaba muy avanzado para su época pudiendo representar la perspectiva en las obras con una precisión que no poseyeron otros pintores del periodo.

Desarrollaron temas poco convencionales algunos de los cuales hicieron para complacer a su mecenas el duque de Berry para quienes hicieron entre otras obras muy importantes “Las Ricas Horas de Jean de Berry la más destacada y que es quizás el manuscrito más famoso, pero desafortunadamente ambos murieron aun jóvenes, siglos después es que su obra realizada para decoración de manuscritos empieza a ser conocida ya que la misma se encontraba guardada en posesión de dueños sin tener acceso al publico general.

Nuevas técnicas pictóricas en el periodo gótico.

Nuevas técnicas pictóricas como es el caso de la utilización de la pintura al oleo sobre tabla permiten magnificas realizaciones donde los personajes y las escenas en que se representan poseen gran naturalidad mostrando también interés por representar los detalles que les darían a estas obras aspectos tan realistas. Esto contribuyo a llevar a los espectadores en forma mucho más efectiva las emociones humanas que se representan como son el dolor, la humildad, la devoción religiosa, la tragedia o fervoroso jubilo devocional. La pintura al oleo permite retoques y aplicación por capas por lo que el resultado final es muy bueno y terminado. Estos pintores aun no dominan la perspectiva por lo que sus obras aun no poseen la sensación de profundidad tan anhelada y para lo cual realizaron numerosos experimentos.

No obstante la forma en que usan el color y las líneas de definición de la figura suple un tanto la falta de conocimiento en cuanto a cómo representar profundidad y tridimensionalidad. Se experimentaron con nuevas sustancias y se profundizo en el conocimiento de algunas ya conocidas para obtener nuevas tonalidades de pigmentos entre los cuales el azul obtenido ya que se adiciona a la mezcla lapislázuli fue muy famosa y su utilización era símbolo de nivel y poder adquisitivo por lo difícil de su obtención. Los hermanos Limbourg utilizaron mucho este pigmento para sus famosos cielos y para decorar el manto de la virgen.

El pintor Jan Van Eyck  destaco por sus retratos de la burguesía de la época y doto a los personajes representados de vida atraves del detalle de rostros, miradas ropajes y mensajes ocultos en la representación de objetos o pistas en las escenas que trasmiten un gran valor conceptual. Este estilo puede decirse marco las bases que con el tiempo retomarían los pintores renacentistas. Su obra destacada fue precisamente el retrato de una pareja de burgueses “El Matrimonio Arnolfini”

Rogier Van Der Weyden pintor flamenco de los que se conocieron como “primitivos” realizo su obra más destacada ya para el año 1435 esta fue “El descendimiento” un oleo sobre tabla correspondiente con el gótico tardío. El realizo modelos menos intelectualizados y más sencillos de entender por los espectadores y por ello su estilo alcanzo gran difusión. Destaca la carga emotiva de sus personajes y el ritmo compositivo que logra. La función de estas pinturas es tenida muy en cuenta y es así que en esta obra hecha en forma de tríptico aunque solo el panel central se conserva se observa el esfuerzo de organizar la composición en función de donde seria ubicada.

En 1450 un pintor miniaturista destacado representante de la pintura francesa en el periodo gótico realiza su poco tradicional “Virgen con el niño” que rompe con cánones antiguos de representación de la divina Madonna. La virgen que representa Jan Fouquet mostrando un pecho desnudo y un atuendo contemporáneo de la época posee un rostro que se aleja de la fisonomía común conferida a la virgen tradicionalmente y que bien podía ser el rostro de una coetánea burguesa como se rumoro de hecho por los estudiosos. El color rojo intenso con el que se representan las figuras circundantes a la madre y el niño resultan también bastante poco convencionales Se enfatizan sutilmente los elementos que diferencian el bien del mal.

Entre los grandes no podemos dejar de mencionar a “El Bosco” Jerónimo Bosch.  Una descabellada casi onírica representación de “El jardín de las Delicias” deja atónitos a los espectadores con la complejidad de su composición. Cientos de personajes y elementos fantasmagóricos y moralizantes convergen aqui, en la que vicios, maldad, traición perversidad, lujuria y glotonería entre otros representan los pecados de la humanidad. El simbolismo de los personajes y la representación de sus acciones, la presencia de numerosos animales y varios micro escenarios dentro del propio conjunto contribuyen a la percepción de la misma como si estuviera el espectador rememorando una pesadilla. El uso del color apoya la intención de establecer varios planos en la composición . Los ademanes y gestos de los personajes; la mayoría de ellos desnudos, acentúan las emociones e intención de las acciones.

Entre muchos otros pintores góticos cabe mencionar a Jean De Beaumetz. 1335-1396. Pintor franco-flamenco perteneciente al estilo internacional. Este pintor mezcla el estilo Sienés con la elegancia parisina y el misticismo flamenco. En su “Cristo en la Cruz con un monje” representa en un fondo bastante plano y simple la escena dramática en que Cristo es crucificado y en donde los personajes resquebrajados por el dolor transmiten con los ademanes de sus manos el paroxismo de la escena. Los colores de los ropajes delatan la identidad de los personajes representados con los que el espectador se identifica casi inmediatamente.

En Italia las vidrieras no llegaron a alcanzar la importancia que tuvieron en el resto de Europa por lo que en este país la pintura al fresco continuo teniendo importancia en la decoración de las catedrales y monasterios así como también fue marco en el que se desarrollo la escuela Sienesa donde destacaron algunos pintores entre los que se encuentra por supuesto El Giotto y el pintor Memmo di Filippuccio. 1250- 1325. Un ejemplo de su obra lo tenemos en el fresco ‘Virgen con el niño entre los santos Pedro y Santiago”. Se distinguen también los pintores de la escuela toscana, particularmente la obra de Giunta Pisano en el siglo XIII.

En Alemania los pintores góticos nos legaron hermosos ejemplos de sus obras en las que aplicaron nuevas técnicas en la pintura y aunque los estilos en que se expresaron eran diversos el uso del color fue una constante con la que acentuaron los elementos que querían destacar. Un ejemplo destacado lo tenemos en el pintor Hans Holbein “el viejo” pintor gótico del siglo XV cuya temática es principalmente religiosa aunque cultivo también el retrato. Uno de estos ejemplos lo tenemos en el retrato de Ulrich Schwartz y su familia”.

Aunque la pintura gótica llego a contar con una gama amplia de estilos, escuelas, tendencias y paletas diferentes no cabe duda que estos pintores reflejaron su entorno y las características particulares de las regiones en que vivieron o visitaron. Es así que en cada país europeo la pintura gótica se expresa acorde a la herencia artística, circunstancias sociales locales, religiosas y el talento individual de los artistas que empezaron a ser reconocidos como tal logrando alcanzar un lugar importante socialme.

La preocupación por representar la realidad circundante en detalle motivo a estos artistas a buscar la forma en que sus obras tendrían mayor profundidad. Aunque al principio del periodo gótico las obras pictóricas carecían de mostrar una habilidad que pudiera considerarse  lograda en cuento a representar la perspectiva, paulatinamente y sobre todo con la influencia del Giotto consiguen dotar sus obras con el deseado realismo, representación espacial lógica y viveza de las composiciones. Los conocimientos en anatomía que adquieren son de suma importancia para la representacion de la figura humana y transmitir  efectivamente las emociones facilitando así que el mensaje llegara  mejor.  La conceptualizacion de las obras y el simbolismo del que las dotan propician que pintores como Van Eyck, El Giotto y Jean fouquet pavimenten favorablemente el camino que los pintores renacentistas retomarían exitosamente.