Historia del arte en resumen
historiadelarteen.com. Como conocer la historia del arte como pasion o entretenimiento.
Babilonia. Mitos y leyendas
Babilonia. Mitos y Leyendas
Los mitos y leyendas de Babilonia son un tema de constante estudio por los especialistas en Mesopotamia. Recientemente el desenterramiento de más de 3000 tabletas de arcilla provenientes de esta región arrojan una esperanza de conocer mejor esa Babilonia que erróneamente fue considerada la ciudad del pecado y tiranía, donde se practicaba la herejía, quienes sustentaban la opresión, la lujuria y donde pululaba la maldad, esta ciudad arrastra consigo una mala fama a través de los siglos que demeritó los logros positivos que esta civilización alcanzo. Las leyendas que se crearon en torno a Babilonia; siendo muchas de ellas de rogativas de esta cultura; juzgaron la conducta, mitos y costumbres de esta cultura desde sus propios puntos de vista y patrones morales.
Prácticamente la información que existió hasta ahora fue obtenida principalmente en base a referencias de la biblia o de los cronistas griegos o persas. También hay crónicas posteriores hechas por alemanes y escritores de otras nacionalidades. A lo largo de la historia ellos interpretaron estas informaciones sin tener un conocimiento solido sobre el tema lo que contribuyo a crear una especie de mito malévolo de ciudad pecadora. Las luchas religiosas y políticas crearon enemigos a Babilonia, se habla en la Biblia de la maldición de Babilonia y se cita entre otros este pasaje:
- “Babilonia, la joya de los reinos, la gloria del orgullo de los babilonios, será derrocado por Dios como Sodoma y Gomorra. Ella nunca será habitada o vivida por las siguientes generaciones; no árabes podrán montar su tienda allí, ningún Pastor descansarán allí sus rebaños”. Isaías 13:19-20 (NIV)
Al parecer El pensador cristiano San Agustín de Hipona que vivió aproximadamente entre (354-430) fue uno de los primeros instigadores de esta mala fama y presenta a Jerusalén como la metrópoli celestial en contraposición a la demoníaca Babilonia en su obra “La Ciudad de Dios”. El hecho de Babilonia haber tomado a Jerusalén; cómo mismo conquistaron también otros pueblos les creó un rencoroso enemigo que no pasó por alto la oportunidad de vengarse de Babilonia para siempre y así lo constataron en la biblia y otras obras.
Un milenio después el protestante Martín Lutero (1483-1546) se sumaba a la lista de quienes contribuyeron a perfilar la infame memoria de Babilonia y escribía su obra programática “De Captivitate Babilónica”, que comparaba a Roma; como centro del odiado catolicismo con quien llamo “la prostituta babilónica”.
El pueblo babilónico tenia las mismas necesidades de subsistencia que tenían los otros pueblos, también ellos fueron conquistados como mismo conquistaron ellos otros pueblos, su necesidad de protección que abarca desde la defensa contra el enemigo, las injusticias contra los débiles, apropiadas condiciones del tiempo para desarrollar sus cultivos y todos las demás razones por las que los seres humanos veneran una deidad o figura heroica; estaban presentes en Babilonia y contribuyeron a crear y fomentar los cultos propagándolos por el mundo.
Cada pueblo que salía de Babilonia llevaba consigo su idolatría y sus símbolos misteriosos, los cuales fueron incorporados en otras religiones en el resto del mundo. En la visión del mundo babilónico se dio mucha importancia al culto de los demonios probablemente por ello Babilonia sea considerada como el origen de las religiones paganas.
Pero las respuestas de cómo y porque los babilónicos concedían tanta importancia a los mitos y leyendas y porque otras países también los adoptan; esta en el hecho de que los ritos religiosos establecían un vinculo entre lo humano y lo divino, exacerbando la imaginación colectiva que necesita de ellos para mediante estas creencias obtener protección y justicia. Las divinidades adquieren sentido en el interior de cada cultura y el ser humano es quien se encarga de crear, construir, reproducir y mantener los signos, los símbolos, los mitos, las leyendas, los ritos, así como los discursos y los significados que los respaldan.
No se puede descartar tampoco; que lo que hoy llamamos mitos y leyendas constituían para ellos su verdad, la representación de lo que veían, plasmaban un conocimiento en tablillas y sellos que no podemos descartar como no valido o incierto, como que es fantasía pura, porque esta información contenida en estas tablillas tiene muchos puntos de contacto con la información iconográfica dejada por otros pueblos antiguos en lugares remotos a los babilonios, asirios y sumerios. Lo que para ellos eran dioses, con súper poderes por encima de sus posibilidades como hombres, puede ser quizás interpretada de forma diferente en la actualidad a la luz de los conocimientos modernos.
El énfasis que ponían en sus ritos, símbolos y propagación de los discursos e historias que hoy llamamos leyendas; tenían el propósito de apoyarse en ese canal comunicativo que es lo que da sentido a su vida y justifica algunas de sus acciones; como la tiranía para conservar el poder, la esclavitud; el servilismo a los reyes y la veneración a «los dioses».
La mayoría de las leyendas mesopotámicas tienen un origen sumerio, por lo que estas necesidades de idolatría propiciatorias son tan antiguas como el hombre y se desarrollan aun más cuando se conforman las civilizaciones. Fueron los poetas babilonios sin embargo que con su propio estilo las describieron y popularizándolas en sus obras.
La arqueología todavía está exponiendo la historia de esta ciudad y gran parte de los hallazgos o bien son muy enigmáticos e incompresibles o aun no se ha podido encontrar la información que pueda aclarar todo este supuesto misterio; que no es más que ignorancia de los hechos reales.
La llamada TORRE DE BABEL es quizás el mayor exponente de la contradicción entre la realidad y el mito ya que en casi todas sus representaciones históricas y artísticas tiene forma circular y cónica, cuando las excavaciones arqueológicas han revelado que fue cuadrada o rectangular.
Los famosos “JARDINES COLGANTES DE BABILONIA”. No colgaban ni mucho menos. Por un error de traducción del griego se fomento la leyenda así. Eran terrazas escalonadas en el que se sembraban hermosas y fuertes plantas con un sistema sofisticado de regadío. Estaba junto al río y podía ser observado desde lejos aunque no tenía acceso para el pueblo.
Mitos Babilónicos:
– TIAMAT– figura que se manifiesta en el folclor (ASIRIO-BABILONICO) es una dragona que simbolizaba el agua oceánica en la mitología babilónica, el origen de la vida junto con Apsu, que simbolizaba el agua dulce. Por las representaciones artísticas y relatos de la época se sabe que tiene aspecto de serpiente o dragón, con dos o cuatro extremidades, alas y una cabeza provista de cuernos.Este mito se recoge en un poema llamado «Enuma Elish», (2.000 A.C) que relata cómo a partir de ella, que representa el caos primigenio, se crean el cielo y la tierra y después, junto con Apsu, los primeros dioses. Pero la leyenda nos cuenta que estos dioses alteraban el orden y preocupaban a su madre, Tiamat. Entonces, Apsu decidió eliminar a su descendencia, pero cuando éstos supieron de sus planes, se inició una cruenta lucha. Tiamat creó un ejército de once monstruos de dientes afilados para aniquilarlos.
– Mushussu: Otro dragón, figura demoníaca de tres cabezas creado por Tiamat luchó contra estos dioses, que estaban liderados por Marduk.
– Marduk el dios de las tormentas se asocia directamente con el mito de la creación. Se suele vincular con el origen de la agricultura, el crecimiento de la vegetación y la acción fertilizante del agua. Le envió un rayo a Tiamat, y cuando ésta abrió la boca, se ayudó de un huracán que la obligó a mantener la boca abierta y le hinchó el estómago. Marduk aprovechó ese momento para acabar con ella clavándole una flecha en el corazón. Seguidamente creó el cielo con una mitad de su cuerpo y la tierra con la otra, y de sus lágrimas surgieron el Tigris y el Éufrates.
– Ishtar originalmente era una diosa madre, Con el tiempo eclipsó a todas las otras deidades femeninas de Babilonia. Referida como la hija de Anu, el cielo o la diosa de la luna, del pecado. la diosa Ishtar visitó a Hades para buscar el amante de su juventud. Según paso por las siete puertas de Hades fue despojada de sus atuendos progresivamente hasta quedar desnuda completamente ante la reina quien decide castigar a Ishtar por su arrogancia poblándola con enfermedades en todo su cuerpo. Fue rescatada por el hombre –león Nadushu-namir.
– Nimrud, fue un héroe hábil en matar fieras salvajes que después de haber obtenido prestigio entre las gentes, ideó un sistema que permitía mayor protección y en lugar de luchar constantemente con las bestias salvajes, organizo a las personas en ciudades rodeadas por murallas para resguardarse. Una vez construidas las ciudades, éstas conformarían un reino y por ende, requerían de un rey, puesto que ocupo él con beneplácito de sus coterráneos.
– Sammur-amat o «regalo del mar»; con el nombre posteriormente helenizado de Semiramis, era la esposa de Nimrud. Más tarde en su vida, así como a lo largo de la historia su influencia abrumadoramente opaco la de su marido. Se cuenta que fue poseída y que el malévolo ser dentro de ella la hizo pecar. La Reina dio a luz un hijo ilegítimo, y el rey amenazó con su destronamiento y la exposición de su verdadero origen. Semiramis ideo un complot para derrocar a Nimrud. En la ceremonia de “Año Nuevo” que ella presidia un carnero era sacrificado tradicionalmente y mientras seguía vivo se comía crudo, con la excepción de que cuando llegó el momento,en lugar del carnero fue el rey quien fue hecho pedazos. El hijo de Semiramis “Damu” en babilónico “Dammuzi” fue instalado como rey.
– El rey Hammurabi creó las primeras leyes escritas y para que permanecieran inmutables exhorto a sus sucesores para que no introdujeron ninguna modificación a su código, con el fin de no abolir su legislación, ni tergiversar sus palabras, y por ende, no modificar sus normas. Para quien no le obedeciera, también lanzaba terribles maldiciones sobre su cabeza. señala que la desobediencia a sus leyes trae consecuencias graves como la devastación del país, la reducción a escombros de las ciudades, el hundimiento del pueblo, perturbaciones y sublevaciones, sufrimientos físicos, enfermedades incurables y la muerte prematura
Escultura que representa al rey Hammurabi
– La historia del Rey Nabucodonosor alrededor del año 560 antes de Cristo fue narrada en el texto bíblico de los hebreos, la cual señala que Dios castigó a este Rey haciéndolo igual que una bestia, comiendo hierba y viviendo como un animal vacuno.
– Nergal conocido como el dios de la peste y según la mitología babilónica, originalmente fue el dios de la muerte o de la guerra. Era un monstruo espantoso, que aprovechaba todas las oportunidades para aniquilar a sus víctimas. Los babilonios para defenderse de sus ataques realizan sacrificios y encantamientos. De esta explicación mitológica se desprende el uso de la hechicería, aunque esta práctica la castigaban con la pena de muerte.
– Tamuz hijo del dios Solar, se simbolizaba con el becerro de oro y como se consideraba que Nimrud era el dios Solar o Baal, el fuego se consideró como su representante en la tierra. Por ello, se encendían candelabros y fuegos ritualistas en su honor.
– A través de la famosa epopeya de Gilgamesh, se relato las grandes hazañas de un aventurero con fuerza sobrenatural. Este mito originario de Sumeria tuvo mucha popularidad en Babilonia y Asiria y ha sido representado frecuentemente en el arte de Mesopotamia. La imaginación popular lo confunde con un dios.
– Etana monta en la parte posterior del águila babilónico. En una leyenda fragmentaria que se conserva en la biblioteca de la tableta de Ashur-Banipal; el monarca asirio. Etana obtuvo la ayuda del águila para ir en busca de la planta de ayuda para nacimiento. Su esposa estaba a punto de convertirse en madre y por consiguiente fue en necesidad de ayuda mágica.
– La mitología también marco las pautas del calendario Babilónico. Cada día y cada mes contaba con la protección de alguna divinidad, reafirmando la relación con las temporadas y con ciertos aspectos de la vida cotidiana. La semana babilónica estaba compuesta por siete días y su origen se encuentra en el hecho de asociar un día con cada una de las divinidades identificadas con los siete cuerpos celestes móviles. El séptimo día de la semana (Sabbat) se estableció como día de descanso, ya en época muy remota. El principio de este tipo de calendario semanal de siete días fue acogido por otros pueblos y religiones también, llegando hasta nuestros días.
– La epopeya de Ammisaduqa, héroe de la historia del diluvio babilónico; narra cómo los dioses, después de varios intentos de destruir a la humanidad, que había estado haciendo demasiado ruido para su comodidad, finalmente arreglan para con una inundación ahogar el mundo; el Dios de la sabiduría, Enki, advirtió subrepticiamente a su devoto Atrasis de lo que iba a suceder, permitiendo así que preparara un barco, en el cual él, su familia y sus animales fueron salvados.
Tableta de arcilla con escritura cuneiforme de Babilonia conteniendo fragmento de la leyenda de Atrasis. y la inundacion. Colecciones del Museo británico
Les sugiero visitar el articulo sobre la cultura de Babilonia que aborda desde el punto de vista de la representacion en el arte interesantes aspecto historicos y sociales de esta cultura.
Bibliografía:
– Montero Fenollós Juan Luis. Breve Historia de Babilonia.
– Carvajal Ligia. Babilonia: entre el mito y la realidad .Sociedad cultura y organización política. No .23/anual/2010/ISSN 1659-3316.
– Lurker, Manfred (1998). El mensaje de los símbolos, mitos, culturas y religiones. Barcelona, España. Editorial Herder.
– Donald A. Mackenzie. Myths of Babylonia and Assyria. September 5, 2005 [EBook #16653.] Character set encoding: ISO-8859-1.
La musica de Italia en la antiguedad.
La música de Italia en la antigüedad.
En el arte romano en la antigüedad la música tuvo un desarrollo diferente al resto de las artes pues no fue apreciada desde el inicio por los romanos. Se produjo un proceso lento de asimilación de los instrumentos griegos y etruscos no mostrando interés ninguno por aprender a tocar los mismos hasta poco antes del periodo de la república.. El termino para la palabra música deriva de la palabra Mousike, que significa «El arte de las musas”. La música temprana de Grecia estaba basada puramente en melodías o como también se denomina música monofónica; donde se utiliza solo la melodía sin acompañamiento de acorde, es así que se interpreta la música en Italia en este primer periodo.
La influencia de la cultura etrusca y griega en los inicios de la música en Italia.
La música tradicional griega y también la etrusca influencian la música de Roma. Los romanos ocupan el mismo territorio que antes habían ocupado los etruscos pero inicialmente su barbarismo, militarismo y orgullo no les dejo ver la importancia de preservar el legado del arte y la cultura de las poblaciones etruscas que invadían y conquistaban.
Junto con los documentos que quemaron los romanos de los etruscos se perdieron importantes fuentes escritas que hubieran podido servir al nuevo imperio en los aspectos culturales entre los que se incluía la música. Los romanos heredaron vestigios a grosso modo de lo que había sido la música de la cultura etrusca pero no prestaron atención a estos conocimientos.
Frescos Etruscos en las tumbas mostrando músicos interpretando sus instrumentos.
Apreciaban que los etruscos amenizan sus fiestas, de hecho se nombran en las crónicas elementos tales como que los músicos etruscos amenizaban banquetes y fiestas públicas pero no se habla en ellas de que los romanos tuvieran en ese periodo particular interés en aprender a tocar estos instrumentos y menos fabricarlos por lo que estos conocimientos se perdieron con el tiempo en su mayoría.
Es una pena que así fuera ya que el muestrario de los instrumentos etruscos era bastante amplio y se conformaron a partir de una especie de simbiosis entre la música griega, fenicia y del asia menor (de esta última los etruscos incorporaron la flauta asiática y la trompeta de guerra). Los aulistas etruscos (intérpretes del auloi), que eran mejor conocidos por el nombre de “subulones”, aun amenizaban eventos y tenían un gran prestigio, hasta el punto de que aún en el siglo IV (A.C) conservaban dicha reputación; incluso en Roma donde generalmente los etruscos o descendientes de estos no eran precisamente apreciados.
Los etruscos elaboraban e interpretaban la Salpinx o «Trompeta de Guerra» (conocida como tuba) que en la versión que ellos desarrollaron obtuvo mucha fama y fue citada a menudo por los cronistas, pues, si bien procedía del mundo griego, llegó a conocerse su versión con el sobrenombre de tirsénica o tirrénica y se caracterizaba por tener un potente sonido.
En esta primera época del dominio romano en Italia (aparte las flautillas de los pastores por supuesto) solo se contó con interpretaciones en una especie de lira; y con otros dos instrumentos llamados trigón y lidio. Paulatinamente se incorporaron la flauta y los címbalos que se tocaban fundamentalmente en sacrificios religiosos. Se piensa que la influencia poderosa de los instrumentos de viento en la música en Italia proviene precisamente de los intérpretes etruscos y griegos de Salpinx o tuba, como se latiniza el término posteriormente.
Fibula de viento. Roma. Pannonia.
El cornu que fue también desarrollado e interpretado muy bien por los etruscos y griegos se halla muy vinculado a los del tipo que usarían tiempo después los soldados romanos en sus campañas militares para ejecutar los comandos tales como acometidas y retiradas ya que el potente sonido de este instrumento podía ser escuchado a gran distancia. La tuba se utilizó en el ejército más para señalizaciones.
Instrumentos antiguos de Grecia que influenciaron la música en Italia.
– El epigonion que es similar a un arpa moderna o salterio y se menciona en los trabajos del Ateneo, el orador griego y gramático, en 183 (AD). (Epígono fue el músico que dio nombre al instrumento y fue la primera persona en tocar las cuerdas del epigonion con sus dedos, en lugar de usar una púa. El Epigonio tuvo 40 cadenas de longitudes variables.
– La trompeta o Salpinx
– La Kitara, un tipo de Lira que se tocaba en los tribunales de Roma y Atenas.
– El aulos: Reconstrucciones modernas del instrumento indican que el aulos produjo un sonido de clarinete bajo y resonante. Compuesta de dos tubos de lengüeta de madera doble, al igual que un oboe, se tocaba en diferentes intervalos y velocidades para producir una melodía.
– La siringe: Nombre de la ninfa que se transformó en una caña para esconderse del Pan(dios de los campos, bosques y los pastos), este fue el precursor de las quenas. El músico soplaba por una serie de tubos de madera, atados uno a otro paralelamente, afinados por sus longitudes diferentes, creando un relajante sonido popular en recitales de poesía.
– El hydraulis: uno de los instrumentos musicales más complicados en esta época, el antiguo órgano era impulsado por un suministro de agua y aire que al combinarse causaba un efecto dentro de los tubos de latón. Un modelo de cerámica bien conservado se encontró en Cartago en 1885.
– El monocordio: Consta de una sola cadena estirada sobre una caja de sonido con un puente móvil, este instrumento fue utilizado como un instrumento científico para medir intervalos musicales en la antigua Grecia.
– La lira: Instrumento tocado con la mano (Cítara) tiene siete o más cuerdas, cada una de ellas está sintonizada con una nota diferente de uno de los modos. Fue un acompañamiento popular para recitales de canto en la antigua Grecia y todavía se utiliza hoy en día.
– El Forminx: Es probablemente el mas antiguo de los instrumentos que se hicieron que pertenecen a la familia de las Citaras o Kitaras. Estaban usualmente decorados con marfil y oro y se utilizaban en el acompañamiento de los cantores conocidos como rapsodistas.
– El Barbitos o Barberton: Parecido a una lira pero con los brazos mas largos y la caja de resonancia mas estrecha.
– Askaules: Su nombre proceden de la combinación de las dos palabras griegas aulos y askos. Tenia una bolsa que se colocaba debajo del brazo del músico. Es lo que se conoce como Gaitas.
– El pandorious o Pandorum: Tambien llamado Tricordio por tener tres cuerdas. Este instrumento es el precursor de la familia de los laudes en la historia de la música.
El Epigonion instrumento musical de origen griego
Instrumentos más utilizados en rituales ceremoniales en Roma en la antigüedad.
Algunos instrumentos tuvieron preferencia en rituales ceremoniales que utilizaban interpretaciones musicales para enfatizar la solemnidad de los rituales, la tuba se utilizó por ejemplo en funerales, reuniones privadas y eventos donde el sonido de este instrumento proporcionaba un determinado ambiente o estado de ánimo más sobrio y contenido.
Relieve Romano mostrando musicos interpretando instrumentos.
Instrumentos:
– La bucina (posiblemente una trompeta o cuerno)
– El lituus : probablemente un instrumento en forma de (J) alargada,
– Las tibias (pipas dobles) en sacrificios.
– Los Platillos. Dos platillos de metal redondos hechos por la combinación de diferentes aleaciones de metales. Sonaban un quinto menos profundo que los platillos griegos.
– Las panderetas en cultos orgiásticos.
– Los sonajeros en la interpretación de himnos de varios tipos.
– Los crótalos que eran dos piezas redondas de metal pequeñas que se ponían en los dedos algo parecidos como las castañuelas españolas pero con sonido metálico.
Posteriormente y ya próximo a la época de la República la influencia de la música griega se hace de nuevo patente en Italia cuando instrumentos e influencias de estilos musicales mediterráneos se manifiestan en las regiones ocupadas por el imperio romano. La clase romana mas educada respetaba y tenia en alta estima y consideración a sus músicos griegos predecesores por lo tanto reconocieron estas formas como más autoritarias que las de origen romano siendo las formas musicales mas puras de los griegos las que han ido pasando a través del tiempo y no las romanas.
La música en Italia durante el periodo de La república.
Para el año 510 en Roma durante la república se recitaban versos acompañados de tocadores de flauta con tono de comedia incorporando después también otros de cuerda. En el año 560 la música pareció adquirir mayor apreciación y se introdujo en los festines y entonces se concedieron privilegios a todos los músicos de los demás países que quisieran establecerse en Roma.
Por supuesto que los músicos griegos fueron muy bien acogidos ya que la variedad de instrumentos que tocaban así como la calidad de las piezas que interpretaban no era comparable con el nivel de la música de una Roma inmersa en la guerra y desgastadoras jornadas de conquistas. Solo la élite romana podía permitirse el lujo de contratar a los mejores músicos para sus festines y eventos políticos o religiosos.
La música durante la época imperial en Roma.
En este periodo la influencia de la música griega en Roma continúa siendo bastante marcada pero ya comienzan a interpretarse también piezas cuyo estilo poseen elementos también de la música que correspondía a los pueblos que Roma iba conquistando. La fusión de todos estos elementos origina piezas con sonidos que resuenan más con un modo novedoso de interpretación que sería la base de la música propiamente romana.
Se ejecutan innovaciones a instrumentos de origen griego ya fuera en versiones de diferente tamaño o cambios en el número de aditamentos, como cuerdas, botones de salida de aire e incluso materiales utilizados en la confección del instrumento. Versiones de instrumentos originarios de las regiones conquistadas por Roma algunas de las cuales son tan lejanas como la península Ibérica o regiones orientales paulatinamente se van introduciendo en las interpretaciones de amenidades musicales públicas o de carácter religioso con el transcurso del tiempo en Italia.
Hay evidencias que muestran que a partir del siglo (v A.C.) las líneas melódicas ahora son acompañadas en el cuarto y el quinto intervalo. Específicas melodías se utilizaban en este periodo sólo para ciertas ocasiones. Las nuevas aplicaciones de estas melodías fueron llamadas «nomoi», o también conocidas como” leyes”. Los “nomoi” son lo que se equiparan actualmente con el concepto de “modos”.
La música en Italia en este periodo del Imperio Romano se halla sometida a los caprichos, gustos, disgustos y locuras de los emperadores sucesivos desde César, que gustaba de la música y organizaba espectáculos con muchos músicos, pasando por Augusto que considera que la música en los espectáculos eran un medio que ayudaba a distraer a las masas, conteniéndolas y desviando su atención de problemas cruciales políticos y económicos, Tiberio que desterró a todos los músicos por un asesinato cometido en un teatro, así como otros que gustaban de la música como Calígula, Claudio y Nerón este último obsesionado con la música hasta el extremo de proclamarle como el principal elemento de felicidad del imperio, provocando que su locura compulsiva hiciera que los romanos no valoraran la música en lo sucesivo incluso hasta después de la caída del imperio romano.
Durante el período Imperial, los romanos llevaron su música a las provincias bajo su poder, Instrumentos de estilo romano se encuentran en partes del imperio donde no se originaron inicialmente por lo que indica que la música estaba entre los aspectos que la cultura romana extendió por las provincias. Una fuerte interinfluencia de culturas ocurre en este periodo cuando las tradiciones de Asia menor, norte de África y Galia influenciaron la cultura romana pasando a ser parte de esta.
La música en Italia en la antigüedad servía entre otras cosas para acompañar los espectáculos y eventos en la arena y formaba parte de la forma de las artes escénicas llamada pantomimas, una forma temprana de la historia del ballet que combina danza expresiva, música instrumental y libreto cantado. Acompañaba también escenificaciones teatrales y recitales de poetas. Las notaciones musicales no aparecieron en Roma hasta el siglo IX en que se utilizaron por el clero para estandarizar los cantos religiosos que acompañaban los rituales que se oficiaban.
No se han encontrado evidencias de que hubiera una forma de pentagrama, para interpretar la música todavía en ese periodo, más bien se hacía por la simple ejecución de los llamados “neumas” que determinaban cuando la intensidad de la música debía subir o cuando debía bajar.
Neumas
– Actus: Intensidad alta.
– Gravus: Intensidad baja.
No hay crónicas o bibliográfica de peso que señalen que la música aportara una contribución significativa o singular en la teoría o la práctica de la música durante un largo periodo entre la caída del imperio romano y el afianzamiento de la cristianización en la península itálica.
Nota:
Usualmente no coloco el listado de la bibliografía que utilizo para no agobiar a los lectores que no son especialistas. A petición del Sr Alex Goez, quien es músico y está realizando una importante labor en la recopilación de información sobre la temática de la música en Italia y Francia en la antigüedad.
Elena
historiadelarteen
Bibliografía:
– Jacques HEURGON: La vida cotidiana de los Etruscos. Madrid: Temas de Hoy, 1991.
– Santiago MONTERO: «La música etrusca». Revista de Arqueología, nº 12 (1980), pp. 18-25.
– Massimo PALLOTINO: Etruscologia. Buenos Aires: Eudeba, 1965.
– Ángel Román Ramírez: La música en Tartesios y en los pueblos prerromanos de Iberia. Raleigh (N.C.): Lulú Enterprise, 2009.
– Boethius, Anicius Manlius Severinus. De institutione musica. (English edition as Fundamentals of Music, translated, with introduction and notes by Calvin M. Bower; edited by Claude V. Palisca. New Haven: Yale University Press, 1989.)
– Marcuse, Sibyl. 1975. Musical Instruments: A Comprehensive Dictionary, corrected edition. The Norton Library. New York: W. W. Norton & Company, Inc. ISBN.
– Scott, J. E. 1957. ‘Roman Music’ in The New Oxford History of Music, vol.1: ‘Ancient and Oriental Music,’ Oxford: Oxford University Press.
– Ulrich, Homer, and Paul Pisk. 1963. A History of Music and Musical Style. New York: Harcourt Brace Jovanoich.
– West, M[artin] L[itchfield]. 1992. Ancient Greek Music. Oxford: Clarendon Press; New York: Oxford University Press. ISBN 0-19-814897-6 (cloth) ISBN 0-19-814975-1 (pbk).
Trabajos en metal, joyería y orfebrería en La India Antigua.
Trabajos en metal, joyería y orfebrería en La India Antigua.
Adornos corporales y trabajos en metal en la cultura de Harrappan.
La Fabricación de la joyería en el valle del Indo es tan lejana en el tiempo que bien se puede situar la elaboración de la misma en la edad neolítica en la cultura conocida como Mehrgarh (7000-5500 a. C.)
En el periodo temprano de la cultura Harrappan ya se realizaban adornos que consistían en cuentas redondeadas pasadas por una cuerda fina que se realizaban simplemente tallando piedra blanda hasta obtener la forma deseada, se utilizaban también conchas y otros materiales como semillas.
Los Harrappan al parecer eran expertos artesanos, hacían cuentas también de materiales como ágata, amatista, cornalina, lapislázuli y turquesa. Algunas piedras fueron calentadas para producir un color rojizo que fue muy apreciado por esta civilización del Valle del Indo.
Durante el último periodo de la cultura Harrappan los artesanos utilizaron materiales como bronce, cobre, plata y oro, realizaban collares de confección simple, bandas para usar en la cabeza, brazaletes y otros adornos de metal fundido, utilizaban otros materiales como loza vidriada (no realizada a partir de arcilla), terracota, conchas y marfil tallado. El material de cobre se extraía localmente en Harappa, en lugares como Baluchistán y Rajasthan.
Ejemplos de esta joyería temprana quedaron estampados en la estatuilla de bronce fundido de la joven bailarina de Mohenjo Daro, (cuya imagen completa presentamos en el artículo sobre la escultura), en el detalle de esta imagen que presentamos debajo que corresponde al brazo de la bailarina se aprecian la gran cantidad de brazaletes que usa la misma. Fue hecha aproximadamente en 2.500 A.C.
Fue realizada también en Harrappan joyería en forma de símbolos antropomorfos como animales, vegetación, árboles y representaciones de órganos sexuales, debido principalmente a sus creencias espirituales matriarcales que concedían gran importancia a la reproducción y los órganos sexuales femeninos proveedores de la fertilidad. Esta Joyería fue usada principalmente por las mujeres (aunque los hombres tambien se adornaban) y no era enterrada con los difuntos, sino que pasaba esta joya a sus herederos.
Otro motivo ampliamente representado por esta Cultura de Harrappan, pero este más bien con carácter espiritual era la representación de Shiva Pashupati, o Yóguicas conocido popularmente por «Señor de las bestias». Otras deidades, incluso deidades menores; fueron probablemente también representadas pero no se cuenta con las evidencias físicas como aseverar este planteamiento.
Trabajos en metal durante el apogeo del Hinduismo en La India.
La Abundante riqueza mineral de la India llegó a ser conocida en todo el mundo, por lo tanto la riqueza y el estilo de vida en las poblaciones de la India creció progresivamente hasta alcanzar opulencia entre (700-300) A.C.
Este enriquecimiento es sobre todo visible en el nivel de vida de las altas castas sociales agudizándose por tanto la diferencia entre estas y las castas bajas de la población de La India.
Esculturas en bronce, joyas para adorno corporal, trabajos en metal relacionados con la elaboración de las imágenes de adoración y la decoración de los templos hindúes fueron realizados con asombrosa maestría adquiridas con el tiempo por los artesanos, joyeros y orfebres cuyas técnicas y diseños; sin abandonar los característicos elementos hindúes asimilaron también otros provenientes de otras culturas tales como los griegos y los chinos.
El oro fue utilizado por La India mas para adornos corporales y otras piezas en lugar de para la producción de monedas como lo hacían los griegos, de quienes los indios obtuvieron grandes cantidades de este material.
Según la creencia hindú, el oro y la plata se consideran como metales sagrados. Siendo el oro un símbolo del sol, mientras que la plata sugiere la fría Luna. Ambos metales fueron muy apreciados en la India siendo el oro por su incorruptible característica considerado en este país como símbolo de inmortalidad. El oro no era utilizado en joyas destinadas para los pies y solo la realeza los podia usar desde el tobillo hacia arriba mas bien.
Trabajos en joyería y metal en el periodo Mogol en La India.
Anterior al apogeo de los trabajos en joyería del periodo Mogol dinastías anteriores Islámicas habían desarrollado labores metalúrgicas en la India de cierta importancia como los de Gaznavids, Gurids, y los turcos así como algunas dinastías de Afganistán. El poder de la región aumento, alcanzando su apogeo durante el Imperio Mogol, que abarcó desde el siglo XVI al siglo XIX, y se extendió desde el subcontinente de La India hasta Afganistán. La riqueza deslumbrante de los turco-otomanos en La India fue tan enorme que se apunta como uno de los más ricos en su tiempo.
En el periodo Mogol las influencias de técnicas y estilo orientales enriquecen los diseños y perfección tanto de las joyas como de los trabajos en metal en general. Muchos de estos realizados para decorar estructuras en los edificios tales como puertas y ventanas.
Lujosos muebles y artículos de uso diario como espejos con bases y empuñaduras de metales preciosos y no preciosos, cofres, y cajas fueron realizados para importantes personajes y la población adinerada que podía costearlos, dagas, espadas, y armas cuentan también dentro de los innumerables objetos hechos para consumo tanto nacional como para la exportación. Se destaca la perfección y maestría con que se realizaron estas obras que combinaban las técnicas provenientes de ambas culturas así como elementos de diseño que cuentan las tradiciones y estilo característico de cada una; pero mezcladas, resultando en una gran obra de arte.
Las decoraciones de estas obras se mantienen fieles a los temas que representan plantas, animales, figuras míticas del folclor de la India y escenas de la vida diaria. Solo que incorporan algunos elementos geométricos del diseño que adoptan de los persas, resultando en obras muy elaboradas con gran atención al detalle y extenso uso de materiales preciosos y semipreciosos.
En la elaboración de joyas, trabajos en metal y orfebrería en la antigua India específicamente el diamante tuvo una connotación excepcional no solo por la belleza de esta piedra luego de ser trabajada y engarzada en las joyas, sino por las propiedades de protección que en la India se le confieren al diamante, donde se usa como protector contra las serpientes, para alejar los enemigos y las fuerzas del mal entre otras. India fue el primer país que extrajo diamantes de las minas, algunas de ellas son tan antiguas que datan del 296 A.C.
La tradición India de joyas de cristal de roca como ágata, cornalina y cuarzo es muy antigua aunque de esta no se conoce mucho. Hubo un uso generalizado de cuarzo cristalino y calcedonia en la India antigua. Los lapidarios en Vitela, una ciudad en el sur de la India, realizaban trabajados en diferentes variedades de cristal de roca, como cuarzo ordinario, cuarzo ahumado, cair gorme y amatista. Estas piedras eran engarzadas en las joyas realizadas en metal pero también en adornos de diferentes objetos tanto de uso sacro como mundano.
La decoración con joyas ha sido usada por la población de La India por siglos pero para la realeza las joyas eran símbolo también de poder y de conexión con lo divino especialmente para los Maharajá y otros miembros de la familia real. El uso de la piedra preciosa en la India fue documentada en la enciclopedia del siglo VI A.C. conocida como: El “Brihat Samhita” (Utpalaparimalä,), escrita en sanscrito por el astrónomo, matemático y astrólogo Daivajna Varahamihira (505-587).
Entre estas denominaciones incluimos algunas como:
– Marakata (Esmeralda).
– Mukta (perlas).
– Vajra (diamante).
– Brahmamani (turmalina bicolor).
– Gomeda (Jacinto o circón).
– Indranila (zafiro).
– Jyotirasa.Karketana (Crisoberilo).
– Pravals (coral).
– Pulaka (granate).
– Pushparaga (Topacio).
– Rajamani (joya real).
– Rudhirakhya (cornalina).
– Sasikanta (piedra lunar).
– Saugandhika (variedad de Zafiro).
Pendiente de oro de la realeza del periodo Mugal con rubies y diamante. Colecciones del Museo Britanico.
– Sphatika (cristal de roca).
– Padmaraga o Mänikya (ruby)
– Sasyaka (sulfato de cobre).
– Vaidürya (Lápiz lazuli).
– Vimalaka (pirita).
Monedas de oro pertenecientes a la cultura Kushan.(Mahayana) que era una cultura mercantil budista que gobernó la mayor parte del norte de la India (imagen en la parte superior) se conservan hoy en día y muestran en sus dibujos en relieve no solo la habilidad en la elaboración de los diseños sino que aportan elementos de la historia social, y religiosa de esta Cultura que tuvo significativa importancia en la región norte de La India.
La región de Tamil al sur de la India es especialmente conocida por sus logrados trabajos metalúrgicos de bronce y la multitud de estatuas de fundición de cera pérdida que se han producido allí. La cultura de El Cholas (c. 850 AD-1250) fue una dinastía Tamil que gobernó el sur de la India durante el mismo período que gobernó el Imperio Mauryan y Kushan el norte de este país.
Los llamados «dieciséis adornos», que por tradición antigua se utilizaban en la boda hindú y cuya antigua costumbre se remonta a la India medieval; aún perduran en la actualidad y conlleva la utilización durante la ceremonia nupcial de los adornos que pertenecen al «conjunto de la boda”, joyas y cosméticos para ser usados en el día del matrimonio.
Algunos artículos de la joyería en el Solah Shringar que es como se denomina este conjunto de 16 adornos, deben contener el color rojo el que es considerado como de buen augurio. Pueden ser usados anillos en los diez dedos e incluyen un Hathphulor, que es un medallón que se coloca en la parte trasera de la mano y se adjunta a cada anillo por una serie de cadenas de oro. No obstante las novias en las diferentes regiones de la India usan distintivos aditamentos en su vestuario acorde con las costumbres de la región.
Las bodas en La India como eventos importantes en la vida de sus pobladores han sido objeto de destino de numerosas joyas y distintivos adornos corporales cuya belleza, sofisticación y misticismo han trascendido las fronteras de La India. Éstos van acompañados de un surtido estándar de pulseras, brazaletes, aretes, anillos en la nariz y anillos de dedo del pie. Brazaletes que normalmente se hacen de oro, plata o hierro, y Shankha de marfil o de cerámica.
Durante los siglos XV y XVI los europeos, particularmente los portugueses, desarrollaron un gran interés en la riqueza mineral de la India, especialmente las valiosas esmeraldas, rubíes y diamantes de Golconda. Hacia el final del siglo XVI, Gran Bretaña, Portugal, Holanda y Francia habían establecido factorías en toda la India.
La producción de joyas y trabajos en metal de La India han mantenido el interés, demanda y alto nivel de comercialización atreves del tiempo, hoy en día con el auge de las miradas curiosas del mundo sobre tan fascinante arte y cultura tanto las antiguas piezas realizadas en metal en posesión hoy día de colecciones de museo o coleccionistas, como las realizadas actualmente inspiradas en estas; despiertan el interés de un público diverso a nivel internacional.
Sello elaborado en Cristal de Roca que pertenecio al rey Avrighsa. India.
Colecciones del Museo Britanico.
Para leer sobre otros temas del arte y cultura de la India visite los enlace del archivo de categorias del blog que se listan.
Enlaces del archivo de las categorias del arte y cultura de la India en la antiguedad.
Textiles de la India en la antiguedad
Arquitectura antigua de la India
Cultura de la India en la antiguedad
Trabajos en metal, joyeria y orfebreria en La India antigua.
Arthistorysummerize.info. English vesion of this blog.
The Three Dancers. Minoan Culture
Elena
-
historiadelarteen.com
http://www.historiadelarteen.com
Historia del arte en resumen 